OLVIDADOS MAGAZINE

Concierto de Andrés Calamaro (Barcelona 03/09/2008)

2008-10-16T06:16:00.000Z

Andrés Calamaro retoma la senda del rock en la Sauna Razzmatazz

Estaba convencido de que no iba a asistir a este concierto. Después de la desagradable experiencia sufrida en el mes de Julio tras los conciertos de Lenny Kravitz y Ben Harper debido a la ausencia de transporte público pasadas las doce de la noche, juré no volver a asistir a un concierto que se celebrase en Barcelona en un día laborable. El de Calamaro iba a ser un miércoles día 3 de Septiembre, así que ni llegué a plantearme la posibilidad de comprar una entrada cuando estas salieron a la venta y traté de no pensar en si el concierto valdría la pena o no. El día 2 de Septiembre recibí la llamada de una amiga que me comunicaba que a la persona con la que ella iba a asistir al concierto del día siguiente le había surgido un imprevisto y me pedía si sería tan amable de acompañarle con la entrada de ésta. Cuando a uno le hacen este tipo de peticiones no tiene más remedio que aceptar, así que, sin comerlo ni beberlo, el día 3 de Septiembre me dispuse a acompañar a mi amiga a ver a Calamaro, eso sí, con la cartera llena de billetes por si tenía que volver a casa en taxi. Sinceramente he de decir que más que hacerle un favor yo a ella me lo hizo ella a mí, porque lo que presenciamos en la Razz ese día será difícil de olvidar y fue un broche de oro para mis extrañas aunque completas vacaciones estivales del 2008.

Durante la tarde del día 3 de Septiembre el calor y la humedad apenas dejaban respirar por las calles de Barcelona. Cualquier ambiente que no fuera el de un local cerrado con el aire acondicionado puesto a no más de 22 grados era prácticamente insufrible. Si a eso le sumamos las lamentables condiciones de refrigeración de la Sala Razzmatazz, famosa por las altas temperaturas que se alcanzan en los conciertos y fiestas que allí se celebran, la escasa ventilación y el calor humano que desprendían las 2.500 personas que colgaron el “No hay billetes” varias semanas antes del evento; cualquiera se puede imaginar que a menos de media hora del comienzo del concierto ya todo el mundo estaba empapado y abanicándose. No es que me haya equivocado en el subtítulo de la crónica, es que realmente más que una sala de conciertos aquello parecía mismamente una sauna con la única diferencia de que, en lugar de oler a eucaliptus, el ambiente olía a una mezcla de tabaco, marihuana cerveza y sudor.

En la entrada del concierto figuraba que a las 21:00 h. daría comienzo la actuación del artista invitado, siendo las 22:00 h. la hora prevista para la de Calamaro. La sorpresa fue cuando sobre las 21:35 h., sin que por allí pasase previamente ningún artista invitado, Andrés y su banda saltaban a escena. Con gafas de sol de policía americano y camiseta con el lema “Rock & Roll Circus” en el pecho, el cantante argentino ocupaba el centro del escenario dejando un par de rosas blancas sobre su atril engalanado con un calamar de peluche y se colgaba del hombro su eterna Fender Telecaster con el toro de Osborne en el golpeador. Tras jugar durante unos segundos en el mástil de la guitarra probando algún riff, Andrés y sus músicos acompañantes entonaban “a cappella” los primeros versos de “El salmón” para posteriormente dejar que las guitarras comenzaran a rugir y que el público de Barcelona comenzara a saltar. Sin apenas espacio entre una y otra canción, la banda continuaba con “Los chicos”, tema de su nuevo álbum muy propio para los primeros minutos de un concierto en el que se pretende levantar el ánimo del público cuanto antes mejor. Entre medio de la canción Andrés saludaba al público catalán con un “Bona nit Barcelona, volvemos como siempre con alegría y respeto”, y es que Andrés Calamaro siempre se ha declarado un amante de la Ciudad Condal y en ella ha tenido ocasión de brindar conciertos memorables. Tras tamaña descarga de energía rockera y con todo el público completamente revolucionado, le llegó el turno a algunos temas mucho más relajados como la versión en clave de cumbia de “Tuyo siempre” o el medio tiempo de “Mi gin tonic”, uno de los pocos temas de “La lengua popular” que interpretaría en toda la velada.

En esta ocasión la banda que acompañó a Andrés Calamaro estuvo compuesta por Julián Kanevsky, Diego García y Geny Galo en las guitarras, Tito Dávila en los teclados y sus antiguos acompañantes desde 1998 José “Niño” Bruno en la batería y Candy “Caramelo” en el bajo, ambos recientemente en las filas de Fito & Fitipaldis. A excepción de Geny Galo (hermano de Candy “Caramelo”), el cual hizo las labores de guitarrista rítmico y corista durante este concierto, todos los demás músicos de la formación ya acompañaron a Calamaro durante la gira conjunta con Fito & Fitipaldis celebrada el pasado verano. Para mi gusto tres guitarras más la de Andrés fue un poco excesivo, y más para los que tuvimos la suerte de situarnos a pocos metros del escenario. En ocasiones el sonido resultaba un tanto ensordecedor y a mí personalmente me tardó en desaparecer el pitido de los oídos algo más de dos días. Por lo que respecta a Candy “Caramelo” y a “Niño” Bruno, para mí lo de esta pareja es algo digno de admiración. Yo no sé si habrá algún músico profesional que trabaje más que ellos en toda España. Lo mismo les da girar con Calamaro, que con hacerlo con Fito, que grabar discos con cualquier músico que requiera de sus servicios, que grabar discos en solitario. Me quito el sobrero ante ellos.

El aspecto y forma física de Andrés en la actualidad es realmente excepcional. Al verle dándolo todo con actitud macarra, a muchos se nos representó la imagen del Calamaro de mediados de los noventa durante su etapa en Los Rodríguez: ágil, fresco y con ganas de comerse el escenario. Precisamente de Los Rodríguez sería el siguiente tema en sonar, concretamente “A los ojos”, cuyo estribillo fue coreado a voz en grito por toda la audiencia. Tras él vendría “Carnaval de Brasil” y a continuación “Todavía una canción de amor”, el tema de Los Rodríguez compuesto por Joaquín Sabina, que prácticamente empalmaría con “Ok, perdón”. Tras este par de “revivals” intercalados con temas más recientes llegaría un bloque de canciones nuevas o revisadas compuesto por “5 minutos más (minibar)”, “La espuma de las orillas”, la versión rockabilly de “Elvis está vivo” registrada recientemente en el nuevo disco en solitario de Candy “Caramelo” y donde éste llevó la voz cantante, y “Lo que no existe más”, último tema de “La lengua popular” en sonar durante el concierto.

La frescura de Calamaro no era únicamente física y musical, también era mental. Además de dar las gracias a Barcelona constantemente, de estar encantado de tocar en un templo del rock como Razzmatazz y de agradecer la asistencia al concierto de algunos artistas catalanes como Loquillo y Manolo García, Andrés también tuvo tiempo para provocar algunas situaciones cómicas como por ejemplo un supuesto chiste sobre el 50 cumpleaños de Michael Jackson y algo relacionado con celebrarlo con el culo pegado en la pared (chiste que nadie entendió), o la interpretación “a cappella” de algunos versos del tema “Fiesta cerveza” de Pappo Napolitano, haciendo voz y contrabajo con la boca y gesticulando una especie de movimiento con las manos que podríamos denominar “air-contrabajo”.

A continuación llegaría la parte más melancólica y emotiva del concierto con temas como “El día de la mujer mundial”, “Los aviones”, los tangos “Jugar con fuego” y “Los mareados” (interpretados con el único acompañamiento del teclado de Tito Dávila) y el tema del Cuino Skornik “Estadio Azteca”. Tras ellos, la actuación recuperaría nuevamente el positivismo y sonarían canciones como “Te quiero igual” (con el “meddley” de “No woman, no cry” de Bob Marley al final) y “Loco” (con el “meddley” del tema “Corte de huracán” publicado en “El palacio de las flores” al final).

En una actuación de un artista como Andrés Calamaro, con tantísimos buenos temas en su repertorio, pasen las horas que pasen parece como si nunca fuese a acabar porque siempre queda algún tema clásico por escuchar. Después de más de medio concierto aún quedaban temas como “Todo lo demás”, “Crucifícame”, “Horarios esclavos”, “Crímenes perfectos”, “Me arde” y por supuesto “Flaca” y “Alta suciedad”, que fueron precisamente los que sonaron antes de que la banda se retirase a los camerinos pronunciando el típico “Hasta siempre, muchas gracias” de rigor. Entre uno y otro tema el argentino tuvo tiempo de darle un par de caladas a un canuto y hasta de ir a por el termo y la bombilla del mate. Este gesto fue aplaudido por los centenares de argentinos que había en la sala. Algún día tengo que encontrar donde se esconde la máquina de fabricar argentinos en Barcelona porque cuando hay algún concierto de Calamaro salen como las setas, todos ellos bien provistos con sus camisetas albicelestes y sus banderas soleadas, dificultando la visibilidad de la gente “normal” que va a un concierto a disfrutar de la música más que a reivindicar de forma absurda su nacionalidad o patriotismo.

Tras un pequeño descanso Calamaro y su banda volvían al escenario para interpretar el primer y único bis de la noche. Cargado con botellines de agua y un ramo de rosas blancas, Andrés fue lanzándolo todo a modo de obsequio hacia el público que, después de prácticamente dos horas y media de concierto, no podía estar más empapado en sudor. El “set” final fue realmente apoteósico y en él sonaron “Sin documentos”, “Canal 69” y “Paloma”, tema que supuso el broche final para un concierto que ninguno de los allí presentes podía haberse imaginado hace unos cuantos años. Hasta la hora de finalización del concierto fue perfecta, las 23:30 h., suficiente para poder coger el último metro.

En toda mi vida he visto a Andrés Calamaro en directo en siete ocasiones. En las seis anteriores, cuando no ha sido por una cosa ha sido por otra, pero ninguna de ellas acabó siendo una actuación redonda del todo. Quizás la de “El regreso” en el Palau Sant Jordi fue la que más se aproximó a la perfección si no llega a ser por la desastrosa acústica del recinto. Después del concierto del día 3 de Septiembre en la sala Razzmatazz y con la perspectiva que da el paso de algo más un mes desde su celebración hasta la redacción de esta crónica, no tengo ninguna duda a la hora de afirmar que éste fue el mejor de todos los que he visto por entrega, pasión, repertorio y banda acompañante. Esperemos que esta sea la tónica habitual en los conciertos de Andrés Calamaro a partir de ahora y que no se vuelva a desviar nunca más de la senda del rock.

El Artista Multimedia del Bajo Aragón

Concierto de Henry Fiat’s Open Sore (Granada 20/09/2008)

2008-09-28T14:42:00.001Z

Henry Fiat’s Open Sore: Punk enmascarado

En Granada, uno sabe que el verano acaba cuando la música en directo vuelve a los garitos. Empieza otro curso de conciertos, pequeños festivales, reuniones en salas y ganas de diversión. Los indicadores de los últimos años señalan que la capital alberga más de 1.500 eventos de estas características en cada ejercicio. Una cifra que probablemente se superará en los próximos meses. Al menos, teniendo en cuenta que varias salas están cerrando fechas para febrero de 2009. Un balance meritorio en plena desaceleración económica.

La joven promotora Microsurco –en breve se estrenará también como sello discográfico– destaca por su importación estratégica de espléndidas formaciones del rock escandinavo. Gracias a su osada y emprendedora iniciativa, la ciudad ha vibrado con bandas incontestables como Bloodlights o Dexter Jones Circus Orchestra. En otras ocasiones, el público pudo descubrir joyas del sector garajero como Alex Face o The Groovies.

La nueva temporada arrancó fuerte en la sala Who. Con vigor y generosidad gremial. Y es que Henry Fiat’s Open Sore compartieron cronómetro con los dos grupos teloneros (Arisca y Zutaten), de forma que todas las propuestas chuparon escenario por igual. Los de Estocolmo no llegaron a la hora de actuación por aquello de la opresora normativa municipal y se encontraron el ambiente fogoso tras el glam-punk acelerado de los granadinos ZTTN. En realidad, el Microrock pareció un único concierto. El mismo combo pero con distintas caras.

El cuarteto liderado por Sir Henry Fiat tomó el relevo de sus emplumados pares andaluces para arrear con las canciones de su flamante ‘Mondo blotto’. Piezas reconcentradas de verborrea convulsa, acordes-los-justos y síntesis melódica en beneficio de un ritmo frenético con volumen al once: ¡sube, que nos vamos! Además, en vivo son puro nervio. Músculos en tensión, más preocupados por asegurar el sudor del prójimo que por cuidar los matices musicales. Para eso, excitan el espectáculo con el aderezo estético de las máscaras de luchador mexicano, que terminan de sembrar la locura cuando suenan temas tan explosivos como ‘I rock’ o ‘Cocaine’.

Músicos de militancia punk allí presentes como La URSS o el cantante de hardcore Malo Morano (observen la foto) experimentaron una catarsis directa con el vocalista de HFOS. Sin duda, ayudan los diez años de tablas de los suecos. Hace unos meses, muchos españoles los conocían en el papel de teloneros de The Hives. A partir de ahora será mejor andarse con ojo. Trabajan en clandestinidad y resultan demoledores. Y rápidos… ¿Fue media hora larga?

Eduardo Tébar

Concierto de Ben Harper (Badalona 10/08/2008)

2008-08-10T11:52:00.000Z

La faceta más mística de Ben Harper llega a tierras catalanas

Dicen que después de la tormenta siempre llega la calma. Más que tormenta fue un huracán lo que el martes día 8 de Julio pasó por el Pavelló Olimpic de Badalona con el concierto de Lenny Kravitz y, dos días más tarde, era Ben Harper con sus Innocent Criminals el que se subía a las tablas de la cancha de “La Penya” para promocionar en directo su último álbum de título “Lifeline”. El rock, el funky y el soul de Lenny Kravitz dejaba paso al folk-rock de Ben Harper con tan sólo 48 horas de diferencia, y la verdad es que muy poco tuvieron que ver ambos espectáculos a excepción de que nuevamente se volvía a organizar en víspera de día laborable.

Los encargados de abrir el show fueron los murcianos M-Clan, unos más que dignos teloneros que consiguieron hacer botar al público de Badalona a pesar del agobiante calor del pabellón. No pude disfrutar del “set” completo de M-Clan debido a mi retraso en la entrada al recinto, pero durante el tiempo que los vi tuve la extraña sensación de estar viendo a la banda de rock que fueron hace cosa de cinco años en lugar de a los M-Clan del siglo XXI, más próximos al pop comercial que al rock. Algo difícil de comprender lo de estos tíos.

Sobre las 21:30 h., con una puntualidad exquisita, uno a uno y de forma escalonada, fueron subiendo al escenario todos los componentes de The Innocent Criminals hasta que, en último lugar, apareció un Ben Harper vestido con camisa de leñador abrochada hasta el cuello, pantalones vaqueros y... ¡gorro de esquí!... Algo alucinante dado que estábamos en Julio y el Pavelló Olímpic de Badalona parecía la cocina del infierno. Inmediatamente después, Ben Harper empuñaba su Gibson Les Paul color crema y comenzaba el concierto con los aires reggae de “Jah work”. Este sería el único tema de toda la noche durante el cual el californiano utilizaría la guitarra eléctrica. Para el resto de canciones hizo uso de una guitarra acústica y de sus ya míticas guitarras “steel”. Puede parecer un detalle sin importancia pero fue un claro reflejo de que Ben Harper venía más en son de paz que con ganas de hipnotizarnos con un concierto eléctrico y psicodélico como los que ofreció durante de su anterior gira. Escuchando “Lifeline” uno ya se da cuenta de la esencia acústica y relajada que éste desprende, así que el concierto no iba a ser más que una prolongación al directo de esta faceta de Harper.

La actuación prosiguió con un “set” compuesto por algunos temas de sus anteriores discos como “Excuse me Mr.” o “Waiting for you”, y otros de “Lifeline” como “Fight outta you” o “In the colors”. El público respondía a cada una de las piezas con total emoción y entrega, independientemente de la intensidad de estas, e incluso hizo soltar una carcajada a Ben Harper con los típicos cánticos futboleros de "Oé, oé oé oé". A continuación, por primera vez en toda la noche, los técnicos sacaban a la parte frontal del escenario la clásica silla cubierta con un tapiz en la que Ben Harper suele sentarse para interpretar los temas que requieren del sonido de su guitarra “steel”. “Use me”, “Gold to me”, “Welcome to the cruel world”, “Diamonds on the inside” y “Whiping boy” fueron las canciones que compusieron este bloque. Sin duda alguna son grandes temas y fue una gran interpretación con una brillante ejecución, pero quizás estos sean más propios para ser llevados al directo en un recital celebrado en un teatro y no en un concierto celebrado en un pabellón deportivo abarrotado con 8.000 personas, muchas de ellas de pie en la pista. La cuestión es que muchos de los allí presentes nos quedamos un poco fríos en esta parte del espectáculo.

Después de este momento místico llegó la parte más divertida del concierto con la puesta en escena de “Forgiven”, un “Burn one down” iniciado con la maestría en los bongos del minúsculo Leon Mobley, el funky “Black rain” durante el cual Ben Harper deambuló por el escenario tocando todo tipo de instrumentos de percusión y donde el bajista Juan Nelson hizo una verdadera demostración de lo que significa tocar el bajo, y para terminar, el tema pseudohindú “Better way”, ideal para despedirse del público de Badalona de forma apoteósica. Como se puede observar, himnos como “Sexual healing”, “Faded” o “Waiting on an angel” no hicieron acto de presencia en el repertorio del concierto, sólo Ben Harper sabe porqué.

Pero aún quedaba más. Tras unos instantes de descanso, Harper volvía al escenario, en esta ocasión él solo, para sentarse nuevamente en su silla y colocar en su regazo una de sus guitarras “steel”. El escenario permanecía en total oscuridad con la única iluminación de un foco centrado sobre la posición que ocupaban Ben Harper y su silla, cuando dio comienzo el estremecedor tema instrumental “Paris Sunrse #7”. Éste se prolongó muchos más minutos que el registrado en el álbum y, al igual que el tema original, fue concatenado con “Lifeline”, la canción que da título al último álbum de Harper. Durante la interpretación de estos dos temas fusionados en uno, el público asistente guardó un silencio sepulcral, llegando algunos a hacer callar a las voces aisladas que podían oírse, como si en un ritual religioso ininterrumpible nos encontrásemos. Lo que pasó después me lo han contado y lo he leído pero no lo pude ver porque, después de mi experiencia con el transporte público de Barcelona tras el concierto de Lenny Kravitz hacía dos días, preferí abandonar el recinto a las 23:47 h. y poder coger el último metro, antes que volverme a quedar en la puta calle durante largas horas esperando un taxi. Triste, pero Barcelona es así.

El Artista Multimedia del Bajo Aragón

Concierto de Lenny Kravitz (Badalona 08/07/2008)

2008-07-29T07:43:00.000Z

La revolución del amor desembarca donde Cristo perdió el gorro

Sin abandonar la dinámica que en el último año se está siguiendo en Barcelona, la gira de otra estrella internacional del mundo de la música llega a la Ciudad Condal en la víspera de un día laborable. Resulta paradójico que las autoridades recomienden a los ciudadanos el uso del transporte público, pero que cuando se organiza un evento de la magnitud de un concierto de la gira europea de Lenny Kravitz en Badalona un día entre semana, ni tan siquiera se facilite de alguna forma la llegada desde el lugar del concierto hasta el centro de Barcelona. Con el metro cerrado desde las doce de la noche, sin autobuses nocturnos que pasasen por la zona del Pavelló Olímpic de Badalona, sin apenas taxis circulando a esas horas y con tantísima gente buscando uno al mismo tiempo, los asistentes al magnífico concierto que ofreció el artista newyorkino aquella noche permanecimos abandonados en la calle durante largas horas, olvidando prácticamente el fantástico espectáculo que acabábamos de presenciar. Voy a hacer un esfuerzo para no cagarme en la madre de nadie y evitar posibles demandas, así que hablaré de lo verdaderamente importante que fue lo puramente musical.

Las puertas del recinto se abrieron con puntualidad y los teloneros, una banda compuesta por cuatro tipos vestidos de ninja y liderada por una rubia con trenzas vestida con un traje de novia rojo, subieron al escenario según el horario establecido. La actuación de estos, cuyo nombre desconozco y realmente me importa un pimiento, fue un terrible muermazo y no tuvo nada que ver con lo que podría haber sido si el telonero llega a ser Chris Cornell como previamente había sido anunciado. Aún así, la gente echaba fotos y grababa vídeos, supongo que por las exóticas indumentarias más que por su calidad musical.

Con media hora de retraso con respecto horario de comienzo del concierto, por los altavoces comenzaron a sonar los acordes de un tema con aires funky a la vez que toda la banda habitual de Lenny Kravitz iba ocupando su posición en el escenario. Finalmente, con su Gibson Flyin’ V negra de purpurina colgada del cuello y vestido con pantalones de pitillo, botines de punta, levita de piel y unas gafas de sol negras que le duraron pocos segundos en la cara al salirles volando en uno de sus primeros movimientos de cabeza, apareció Lenny Kravitz para recibir la ovación del público y dar comienzo al show con “Bring it on”. Los 6.000 espectadores que se dieron cita en el pabellón se volvieron locos y el bosque de brazos levantados fotografiando y grabando con cámaras de fotos y teléfonos móviles prácticamente no dejaba ver a los músicos. Tras un excesivamente largo “Bring it on”, Kravitz y sus muchachos continuaron con algunos de sus clásicos como “Always on the run”, “Dig in”, “Fields of joy” o “It ain’t over ‘til it’s over”, dando una auténtica lección desde un principio de cómo se canta y cómo se hace música en directo.

A estas alturas del concierto Lenny Kravitz ya tenía a toda la audiencia en el bolsillo pero acabó de ganársela del todo halagando las grandezas de la ciudad de Barcelona y felicitando a los españoles por “patear en el culo” (literal) a toda Europa deportivamente hablando, tanto en el fútbol como en el tenis. Estaba pletórico y se le veía a gusto, encantado de estar en la ciudad donde un día quiso comprarse un apartamento, y así lo demostraba durante todo el concierto acercándose al público, tendiendo la mano a las primeras filas y subiéndose en las pasarelas laterales del escenario para estar más cerca de su público.

Tras este primer bloque de grandes éxitos de su carrera les llegó el turno al funky “Dancing til dawn” y al rock n’ roll “Love, love, love”, ambos publicados en su último trabajo discográfico “It’s time for a love revolution”. A continuación vendrían “Be” (con un eterno solo de trompeta) y “Stillness of heart”, temas que darían paso a “I’ll be waiting” interpretado por un Lenny Kravitz sentado delante de su horterísimo piano transparente con acabados dorados y luminosos. Así llegábamos prácticamente al ecuador del concierto.

La última parte antes de que la banda se retirara a los camerinos por primera vez estuvo compuesta por tres de los más recientes éxitos de Lenny Kravitz como “Where are we running”, la versión de los míticos Guest Who “American woman” y el coreado “Fly away”. Tras ellos llegó uno de los momentos estelares de la noche, la puesta en escena del tema “Let love rule” que fue alargado más de dieciocho minutos y durante el cual Lenny Kravitz bajó al nivel del público para subirse por las gradas e introducirse entre medio de la gente cual mesias ante sus fieles, con robo de abanico a una de sus fans incluido. La verdad es que el tema se hizo demasiado largo y no hubiera estado mal acortarlo un poco para, o bien interpretar más temas en el mismo espacio de tiempo o en todo caso acabar antes la actuación dadas las horas que eran. Tras este momento de catarsis, el grueso del espectáculo llegaba a su fin con el tema que da nombre al último álbum y a la gira de Lenny Kravitz, “Love revolution”.

Estaba claro que el concierto no podía acabar de esta forma, así que Lenny y su banda volvieron al escenario para hacer dos bises más, el primero de ellos interpretando “Believe”, donde Craig Ross se salió en el solo de guitarra; y el segundo y último el esperadísimo por todos “Are you gonna go my way”. Sin duda fue una formidable manera de bordar la espléndida actuación de uno de los grandes del mundo de la música actual.

Muchos han acusado a Lenny Kravitz de repetitivo, de comercial, de poco original y de dejar ver demasiado sus influencias en sus canciones, en su sonido y en su actitud en el escenario; pero lo único cierto y lo verdaderamente importante cuando uno se gasta 45 Euros en la entrada de un concierto es que, tanto él como la magnífica y profesional banda que le acompaña (empezando por el guitarra Craig Ross, acabando por la veterana sección de vientos y pasando por la sólida parte rítmica), dieron un auténtico espectáculo de rock n’ roll, funky y soul que muchos tardaremos en olvidar. Un diez para el tío Lenny.

El Artista Multimedia del Bajo Aragón

Concierto de Bellrays (Granada 18/06/2008)

2008-07-27T08:04:00.000Z

Bellrays: La chica es guerrera

Por qué negarlo. El mundo del rock es machista por tradición y códigos. Existe una descompensación de género brutal entre iconos de ambos sexos. Por eso, asombra la figura de Lisa Kekaula, una vocalista de color y arrobas que concentra todas las virtudes del manual del buen ‘front-man’. En las dos últimas décadas ha consolidado una marca que, a pesar de las variaciones en la formación, encarna el empuje y el arrojo del rock de Detroit, la afectación del soul, la inmediatez del riff y la profundidad de aristas del linaje afroamericano.

Sin pelo en pecho ni ‘baby’ a quien apelar, al concierto de Bellrays sólo le faltó una banda de metales para rozar lo sublime. Los californianos se encontraron una sala El Tren llena, agitada por la victoria ‘in extremis’ de España ante Grecia –que pudieron seguir en una pantalla gigante– y ya sudados tras la actuación de los teloneros –también de protagonismo femenino–, The Ettes. Presentaron su último trabajo, ‘Hard, sweet and sticky’, o sea, duro, dulce y pegajoso, que es como definen su sonido. La mezcla que algún rocker equiparó a lo que saldría si alguna vez Tina Turner se aliara con Motörhead.

Sirvieron trallazos de su flamante cancionero, como ‘The same way’ o ‘Psychotic hate man’, apisonadoras de rock n’ roll que con las grietas de la garganta de Kekaula ganan en intensidad y hasta en credibilidad. Incluso la vertiente soulera de temas como ‘The fire next time’, con esa evocadora sofisticación, se vio teñida por la torrencial descarga de voltaje. Nadie echó en falta la garrafa de testosterona. Sobraron ovarios.

Eduardo Tébar

Concierto de Bob Dylan (Jaén 05/07/2008)

2008-07-15T18:01:00.000Z

Bob Dylan: Su causa es el blues

La recóndita superficie del ferial de Jaén acogió un recital del escritor de canciones más influyente de la historia del rock. Suena extraño, pero ya nos vamos acostumbrando a estas inverosimilitudes materializadas por obra y gracia del caudal público. Escenificado entre olivos, Dylan no pronunció ni una palabra sobre las delicias del aceite autóctono. El PP de la capital acusa al Ayuntamiento de despilfarrar los 406.000 euros que Zimmerman cobró por el bolo. Pero que nadie se engañe. Bob pasa cuatro pueblos del agua de Zaragoza y de la privilegiada agricultura jienense. Como tampoco picha en su programa de radio a Amaral o a Quique González, su telonero en el enclave andaluz. Al cantautor, como a cualquier otro trabajador, le gusta hacer caja y emigra a los destinos donde mejor pagan. Las causas loables dejaron de suponer un estímulo creíble más o menos cuando grabó ‘Hurricane’.

En el repertorio del Bob Dylan de 67 años no aparece la proclama a Huracán Carter. Ni siquiera las múltiples alusiones españolas de su cancionero –Madrid, Barcelona o Durango han sido espacios recurrentes en sus relatos–. El de Duluth se aferra al blues en el crepúsculo de su carrera. A la raíz de la música popular norteamericana, que explora con cariz de alumno aventajado, como un ratón de biblioteca que se niega a abandonar una búsqueda interminable. En su caso, un tour que no se acaba nunca. La luctuosa banda que le sigue ejecuta con obediencia y destreza el sonido primigenio que quiere el jefe. Un ‘swingueante’ rock n’ roll de entreguerras que se recibe con decoro y suavidad gracias a la prodigiosa pericia de instrumentistas como Denny Freeman a las seis cuerdas.

El autor de ‘Blonde on blonde’ presenta irreconocibles autoversiones de la rama más blues-rock de su temario. Es cierto. Aunque nadie ha subrayado el hecho de que calque con una precisión propia de John Myatt piezas de ‘Modern times’ como ‘Rollin’ and tumblin’, que beben directamente de las aguas de Muddy Waters. ¿Conclusión? La veterana estrella ha encontrado un sitio confortable entre los vetustos vinilos. Y saca brillo a las secuencias melódicas de la América profunda con su inabarcable manantial literario. A pesar de que su vocalización resulte pésima y de sus lacónicos fraseos de garganta de lija.

Dylan aguantó de pie en el teclado durante todo el concierto. Regaló contadas sonrisas a la audiencia. Y cuando caminó por el escenario, lo hizo con andares de granuja pinturero. El público cazó al vuelo las del último disco. Intuyó ‘Lay, lady, lay’, ‘Memphis blues again’, ‘Highway 61 revisited’ y la oscarizada ‘Things have changed’. Del resto se rascó poco, si bien ese final con ‘Like a rolling stone’ supo a golosina de premio. Con la graciosa síncopa de verse uno cantando el clásico a la manera del álbum mientras el compositor de la pieza casi la leía en plan informativo. Con todo, los 5.000 asistentes salieron contentos y con la sensación de sueño cumplido, aunque quizá a destiempo. Acceder a Bob exige esfuerzo y cierta cultura. Alguno se quedó solo llamando a las puertas del cielo. Ah, pero nadie le llamó Judas.

SET LIST:

• Watching the river flow
• Lay, lady, lay
• The levee’s gonna break
• Stuck inside of mobile with the Memphis blues again
• Moonlight
• Rollin’ and tumblin’
• Workingman’s blues #2
• Things have changed
• The lonesome death of Hattie Carroll
• It’s alright, Ma (I'm only bleeding)
• Spirit on the water
• Highway 61 revisited
• Ballad of Hollis Brown
• Summer days
• Ain’t talkin’

• Thunder on the mountain
• Like a rolling stone

Eduardo Tébar

Concierto de Jean Michel Jarre (Barcelona 21/04/2008)

2008-07-05T08:50:00.001Z

La sombra de ti mismo

Con motivo de la reciente celebración de los treinta años de la publicación de “Oxygène”, y después de haber realizado grandes hazañas dignas de figurar en los Record Guiness, Jean Michel Jarre huye de los enormes estadios y lugares públicos/míticos (pirámides de Egipto, por poner un caso) para dejarnos entrever su lado más íntimo, menos automático y más artesanal.

El concierto empezó con un leve retraso de unos diez minutos, absolutamente perdonables, mientras el respetable, desesperado por haber dejado pasar quince años desde que tocó por última vez en la Ciudad Condal, parecía una olla a presión a punto de reventar. Eso sí, con la justa elegancia y contención, que para algo estábamos en el Liceu.

Si bien todos los ojos estaban puestos en el escenario, del cual el que escribe no tenía ni idea de cómo sería, me sorprendió (y creo que a todos los que esperábamos) que la estrella mediática que es Jarre apareciera en el escenario desde el pasillo central del patio de butacas, estrechando manos y hablando una mezcla de inglés-catalán-francés, desapareciendo brevemente por su derecha para reaparecer de nuevo, y sin dejar de hablar pese a los aplausos, en el escenario. Éste estaba compuesto por cuatro “islas” de sintetizadores de hace treinta años, auténticas joyas de la época que el bueno de Jarre tenía en su estudio. Como es evidente, las tres “islas” de atrás estaban ocupadas por los miembros integrantes del equipo: Francis Rimbert, Dominique Perrier y Claude Samara, los cuales dejaban en un primer plano a Jarre, instalado a su vez en su “isla” particular, mucho más grande y con una salida que le posibilitaba la interacción con el público y los solos en momentos tan memorables como el del Theremin, el del Moog o el de la especie de guitarra digital que se asemejaba a un tubo.

Bien, todo lo anterior no es nada demasiado diferente al concierto que se proyectó en los cines hace unos meses y que se editó después en DVD con varios formatos (incluido uno en 3D) con el nombre de “Jean Michel Jarre, Oxygène: Live in your living room”, pero la verdad es que el concierto fue memorable por varias razones aunque se podrían destacar tres.

La primera ya la he comentado: el hecho de contar con la presencia de una leyenda a menos de cinco metros del que escribe (esto, evidentemente es una razón puramente subjetiva) y poder sentir el calor de las piezas tocadas en directo, equivocándose en algunos pasajes (improvisando y, a veces, alargando casi innecesariamente algo que ya de por sí es magnífico en su concepción original).

La segunda razón, sin duda más técnica, es la de ver esas maravillas electrónicas en funcionamiento. Cabe decir que al final del concierto, a modo de bis, se improvisó una tarima en la que Jean Michel Jarre tocó “Oxygène 13” con tan solo dos teclados, en los que tenía previamente pregrabados secuencias, ritmos, sonidos, etc., lo que da que pensar, teniendo en cuenta que momentos antes habían sido necesarios aproximadamente veinte aparatos y cuatro personas para ofrecer el mismo resultado.

Y, sin duda, la tercera razón (pero no por ello menos importante) es la de poder constatar que hay un numeroso público seguidor de este “congregador” de masas que le está ayudando a conseguir lo que se proponía al empezar la gira: el poder acercar su música de un modo más personal, más “íntimo” si se quiere, al público.

En el aforo había desde los típicos seguidores entusiastas, que echarán de menos en esta crónica un examen exhaustivo de los instrumentos que usa Jean Michel Jarre y su equipo, pero para eso está Internet; hasta familias con sus hijos los cuales no habían nacido cuando se publicó “Concerts in China” (1983). Es decir, una amplia variedad de edades.

Todos los temas del concierto fueron espectaculares, aunque sólo fuera por la calidad de sonido (excelente) y la sobriedad del escenario (apenas un espejo compuesto por seis partes algo “castigadas” en alguna de sus esquinas y una pantalla que casi al final proyectó un viaje virtual a través del cráneo de “Oxygène” además de alguna que otra animación). Por otra parte estaba la luz, muy bien compuesta, muy bien sincronizada con la música y, definitivamente, sobria y elegante.

Como resumen final me gustaría permitirme una pequeña excentricidad: el concierto tuvo cierto aire encantador, decadente si se quiere, si no tenemos en cuenta algunos momentos (Jean Michel Jarre yéndose un poco demasiado por las ramas en los solos con el Theremin o el Moog, dándose a doblarse casi por la mitad “exprimiendo” los instrumentos, o saltando en determinados momentos para alentar al público).

El ambiente del Liceu, las butacas, la perspectiva desde uno de los palcos, el Jarre hierático atenazando los botones de sus reliquias instrumentales, los tres acompañantes, sobrios, pausados, eficientes, sin hablar y sin gestos exagerados, los dedos casi danzando en los teclados y la oscuridad de ciertos pasajes daban cierto aire extraño al conjunto, casi atemporal. Quedé bastante asombrado de reencontrar a un Jean Michel Jarre tan situado, tan autolimitado, disfrutando realmente de lo que hacía y acordándose, de vez en cuando, del público y de lo que le ha permitido la fama: ser ahora (de momento) un auténtico dinosaurio (en el mejor de los sentidos) al margen de lo comercial, demostrándonos que, señores, esto fue su principio, ha viajado en el tiempo y lo que ven no es sino la sombra de sí mismo.

El Incal Negro

Concierto de Flor Venenosa (24/05/2008)

2008-06-01T14:48:00.004Z

Concierto homenaje a "El mar no cesa"

Veinte años han pasado ya desde que apareciera, en 1988, el primer álbum del grupo de rock español más internacional hasta nuestros días, Héroes Del Silencio; por eso mismo, por lo que fueron, y por lo que seguirán siendo siempre para nosotros, este vigésimo aniversario de El Mar No cesa, no podía pasarse por alto. Gracias a la iniciativa de Jorge (Insulina Morgan) y la predisposición de Toni (Wasabi), Paquillo (Sick Brains), y Alex (Mister Hyde), el pasado sábado 24, se celebró en Zaragoza, un tributo en toda regla.

Con un poco de retraso sobre la hora prevista, empezaron a sonar las primeras notas de El Estanque, haciéndonos revivir la última vez que disfrutamos de Héroes en directo. Tema tras tema, los jóvenes músicos, ataviados por supuesto, de riguroso negro, demostraron ser más que unos meros imitadores, incluyendo su propia personalidad en cada canción.

Alex Elías, el cantante, vocalista de Mister Hyde, nos eclipsó con la potencia y calidad de su voz, sin embargo, para algunos de los allí presentes, faltó un ápice de sentimiento, quizá la chispa adecuada. A pesar de todo, su actuación fue muy digna de los aplausos que recibió, y más sabiendo la responsabilidad que supone ocupar el lugar de Bunbury.

No podía faltar la presencia de un invitado especial, y por eso, Gabi, de Insulina Morgan, subió a compartir escenario con otro de los componentes de su grupo, Jorge, batería de Flor Venenosa, para interpretar Fuente de Esperanza con una fuerza y una energía inmensurables.

Recorriendo las diferentes épocas del grupo y obsequiándonos con temas tan poco comunes como Hologramas, o tan geniales como Sirena Varada, vimos vibrar de nuevo las cuerdas del maestro Valdivia, esta vez, en manos de Toni, pero no con menos –valga la redundancia- maestría.

Tras varias despedidas simuladas, con una perfecta combinación de guitarra, bajo y batería, se propusieron no dejarnos aire que respirar; sonaba Entre Dos Tierras y se aproximaba el adiós. Necesitábamos un Hechizo para prohibir la decadencia y tener un final en acorde con el resto de la actuación; un final tan poderoso como había sido el tema No Más Lágrimas, y lo tuvimos.

Entonces, la cuenta atrás comenzó. Nueve, Ocho, Siete...

Texto: Irene Ruiz
Fotos: Susana Almarcha

Concierto de Mar (Torrent 19/04/2008)

2008-05-18T18:49:00.000Z

Esto es el Mar (Pabellón El Vedat, Torrent 19/04/2008)

Los valencianos Mar aspiraban a llegar a la final en el concurso que bajo el nombre de “Sona la Dipu” organiza la Diputación de Valencia con el objetivo de tomar el pulso a la música valenciana. Pues bien, la prueba de fuego para el grupo fue el pasado 19 de Abril en el Polideportivo El Vedat de la localidad de Torrent. Junto a ellos y precediéndoles, actuaron los grupos 7º Sueño y Enderrocks que también dieron muestras de su calidad rockera sobre el escenario. Aunque la noche fue de Mar. Desde el principio el grupo salió para darlo todo, arrancando el concierto con un tema nuevo llamado “Recuerdos” que recogió los primeros aplausos merecidos de la noche. El grupo continuaba con “Dime qué” tema perteneciente a su único disco hasta el momento y en el que su cantante Toni aprovechó para mostrar su actitud y saber estar sobre el escenario mientras las cámaras de Canal 9 grababan todos los detalles del concierto. Como es habitual siempre que suena esta canción, Toni sacó de uno de los bolsillos de su chupa de cuero una baraja de poker con el As de picas en primer lugar para lanzarla sobre el público. A continuación llegó el turno para “El hombre que vendió el mundo”, una versión del clásico de Bowie con la que la banda participó en el homenaje al Duque Blanco “Camaleones” con artistas y grupos como Bunbury, Tahúres Zurdos, Distritocatorce, Santi Rex... Una adaptación que cualquiera podría afirmar que pertenece a Mar si no se conoce la original de Bowie. Nuevamente Mar presentó un tema nuevo llamado “El corazón” con protagonismo para la guitarra de Nicola Turchetti, aunque siempre arropado por el bajo de Ángel “El Gitano” y la batería de Manolo Cáscales. Seguramente será un tema imprescindible en el próximo repertorio de la banda por su intensidad y letra que, haciendo referencia a su título, llega al corazón.

El tiempo de participación no daba más de sí y el grupo decidía poner punto y final con otro tema nuevo titulado “Te vas” en el que Toni pidió el apoyo del público para que encendieran las luces de sus móviles para así iluminar el recinto y recordar a las personas que ya no se encuentran entre nosotros. Emotivo tema cuyo estribillo, a pesar de no estar editado aún, fue coreado por todos los allí presentes. Gran concierto a pesar del escaso tiempo de duración (hubo ganas de que el grupo siguiera tocando) y de no tener aún rodados los nuevos temas, aunque por el acogimiento de las más de 1500 personas que asistieron pasaron la prueba de fuego.

A los minutos de su actuación y antes de la aparición del grupo invitado El Efecto Mariposa, el presentador de la noche, Ramón Palomar, aparece para anunciar que el grupo Mar es el seleccionado de la noche para pasar a la final del concurso. Alegría incontenida de los cuatro componentes del grupo que saltan sobre el escenario para agradecer tal consideración.

La final se celebrará el próximo 6 de junio en Utiel junto a Seguridad Social como grupo invitado.

Juan Garrancho

Concierto de Distritocatorce (Zaragoza 09/02/2008)

2008-02-23T09:30:00.011Z

Distritocatorce & Amigos: “Al final habrá un día en el que yo me vaya...”

Desde que en Julio del año pasado Distritocatorce anunciasen a través de un sentido comunicado el punto y final a su dilatada carrera, muchos éramos los que esperábamos el concierto con el que el grupo diría adiós a todo su público. Un último concierto en el que ya adelantaban que estarían acompañados en el escenario por un buen número de amigos que de una forma u otra habían formado parte del grupo a través de estos 25 años de travesía musical. Tras varios cambios de fechas motivados por la preocupación de Mariano Casanova y Quique Mavilla para que nada quedase suelto y al azar y también para facilitar la asistencia al mayor número posible de seguidores, finalmente el día elegido era el sábado 9 de Febrero en la Sala Multiusos de Zaragoza. Un lugar amplio donde poder desplegar el gran dispositivo técnico preparado para la ocasión con Carlos Martos y Héctor Sagrario tras la mesa de sonido y el director Juanma Bajo Ulloa (Airbag, Alas de Mariposa) tras la cámara, para registrar y filmar todo cuanto iba a acontecer en esta mágica noche para su posterior edición en Cd y Dvd.

Sobre las 21 horas las puertas se abrían dejando paso a los primeros seguidores que ya esperaban para acceder al recinto. A medida que iban entrando, a todos se les entregaba un bonito folleto con las fotos de los músicos participantes, los créditos de todo el equipo y un texto en el que se reflejaba la idea de esta actuación. Algo así como, el primer pero a la vez el último concierto de una gran gira por la que desfilarían muchos de los amigos que habían compartido momentos junto a Distrito. También, en el puesto de merchandising se podían encontrar camisetas conmemorativas de este concierto con unas llamativas amapolas estampadas en la parte delantera bajo el nombre de Distritocatorce & Amigos diseñadas por Susana Madueño.

Poco a poco el auditorio comenzó a llenarse de un público ansioso por contemplar la que sin lugar a dudas sería la actuación más emotiva de toda la historia del grupo. Rebasadas las 22 horas, las luces se apagaban y la música de fondo dejaba de sonar para dar paso sobre el escenario a Carlos Martín, director teatral y responsable de la escenografía del show. Ejerciendo de maestro de ceremonias, Carlos empezó a recitar el texto que aparecía en el folleto que se entregó a los asistentes a la entrada terminando con una sola palabra dedicada a todos los allí presentes: GRACIAS.

Acto seguido, los músicos fueron ocupando sus respectivos lugares con Mariano Casanova y Quique Mavilla al frente. Mariano, vestido elegantemente con un traje negro, arrancaba el concierto improvisando una verso (“No hay palabras...”) a modo de introducción para dar paso al primer tema de la noche, la melancólica “Hogar dulce hogar” de su último disco de estudio “El sueño de la tortuga”, mientras que por una enorme pantalla situada al fondo del escenario, se proyectaba una gran imagen de una luna llena. Y es que desde el primer momento cualquier detalle, tanto de puesta de escena como de ambientación, estuvo cuidado al milímetro. Sobre el escenario numerosos instrumentos hacían prever que a lo largo de la noche serían muchos los músicos que acompañarían al grupo, como la presencia de Clara Téllez (Los Peces) y Fernando Font (Intrusos) en los coros. Tras el primer tema de la noche y con los primeros aplausos ya ganados del público, el grupo comenzó su viaje a través del tiempo recalando en tres temas de su disco “La calle del sol”: “Noviembre”, “Eras tan feliz” y “La guitarra y el puñal”, esta última toda una declaración de principios donde se refleja el espíritu luchador que siempre les ha permitido crecerse ante las adversidades.

Nuevamente volvían a su último disco de estudio para presentarnos “Sunday’s girl” (inspirada en alguna de sus estancias en New York), la optimista y contagiosa “Lo mejor del mundo” con los coros de Clara y Fernando muy presentes y “Si tuviera un día más” intensa y emotiva con esos cambios de ritmo y distorsiones de guitarra que consiguen atraparte desde el principio. Concierto eléctrico y poético como así lo corroboraba la siguiente canción, “Perro de la lluvia” uno de los temas de su disco “El cielo lo sabe” considerado por Matías Uribe (uno de los críticos musicales más reconocidos de todo Aragón) como : “Uno de los mejores elepés que se ha grabado nunca en Aragón”.

En este punto de la noche, por el escenario ya había pasado algunos de los músicos que formaron parte de la banda como Javier Paricio y Juan Millán a la batería o Joaquín González a la guitarra y Alberto Gambino en el acordeón. Así que ahora era el momento de rescatar a Alberto Moliner al bajo, Tito Gracia a la guitarra e Iñaki Fernández a la batería los miembros de la formación original para recordar la aventura vivida por tierras germanas en la grabación de lo que fue su primer disco el cual nunca llegó a publicarse, permaneciendo aún hoy en día dentro del baúl de los recuerdos del grupo. Un tema que sonó potente y enérgico, aunque seguramente no tan punk como la primera etapa del grupo.

El tobogán de emociones continuaba, sin presentaciones (solo los nombres de los músicos que iban apareciendo por la pantalla del fondo del escenario) ni palabras entre canción y canción. Y es que no hacia falta añadir nada, ya que las propias canciones se encargaban de evocar sensaciones y sentimientos como la bellísima y onírica “Visita mis sueños” o “Noches con sol”, transformada respecto a la versión original gracias al trombón del ex “Huracán Ambulante” Javier García Vega y al ritmo de blues que le imprimieron.

Superado el ecuador del concierto, era el turno para una de las grandes invitadas de la noche: Aurora Beltrán. La mejor voz y compositora rockera femenina por antonomasia de nuestro país apareció radiante y bellísima con su guitarra acústica al hombro para acompañar al grupo en dos de sus grandes temas “El final” y “El sabor de mi pasado”. Aurora, junto a la voz de Mariano, se encargó de bordar dos temas que ya de por sí son de lo mejor del repertorio del grupo. Y es que las voces femeninas siempre han sentado muy bien a los temas de Distrito como lo demuestran en sus discos en directos “Noches con sol” y especialmente en el directo en Cuba “A mitad de camino” donde se aprecian los preciosos coros femeninos. Del directo de Cuba (aunque también incluido en el Cd/Dvd del “Concierto en Veruela”) y ya sin Aurora, fue el siguiente tema que interpretaron, “Ojos de miel”. Una preciosa canción con aires de vals y hermosos arreglos.

Tras Aurora, el siguiente invitado estrella de la noche subía al escenario. Enrique Bunbury se unía a Distrito para recordar tiempos pasados cuando colaboró en el disco “El cielo lo sabe”. Aunque esta vez el repertorio elegido perteneció a discos posteriores “Frío” de “El sueño de la tortuga” (canción que Bunbury ya había realizado una versión con su proyecto de “Los Chulis”) y “Soñando otra vez” incluido en “Live in Chicago” y “Concierto en Veruela”. Un mano a mano entre dos de los más grandes músicos y compositores que han surgido de Zaragoza. La ovación por parte del público fue mayúscula al finalizar cada uno de los temas, al igual que el abrazo que se dieron de despedida.

Mientras tanto, el director de cine Juanma Bajo Ulloa se movía de un lado a otro del escenario filmando con su cámara todos los detalles que ocurrían. El es el director de una película documental sobre esta despedida de Distritocatorce, para la que ha preparado un guión original. Esta peli, además de ser presentada en importantes festivales de cine, formará parte del DVD que acompañará al CD con la grabación de este concierto que se editará en los próximos meses.

La actuación prosiguió con dos piezas rockeras como “La maldición” y “Corazón Rebelde”, para luego cambiar el ritmo, pero no la intensidad, con la intimista “Canción con un verso roto”. Tras la batería pudimos ver a Ramón Gacías, otro componente destacado que pasó por el grupo aportando, no solo su batería, sino también sus conocimientos en el estudio de grabación tras la mesa de sonido.

El primer Bis del grupo llegaba con “Dices que te vas”, tal vez mi tema favorito de Distrito, que Mariano a mitad de canción dedicó a Ringo, percusionista que llevaron en sus aventura cubana y que no pudo estar presente en este concierto despedida. No sé porqué, pero esta canción me la imaginaba con los Amarales. Desconozco si hubiera sido la elegida por ellos para interpretarla, pero seguro que la voz de Eva y la guitarra de Juan le hubieran dado otra visión interesante. Finalmente Eva y Juan no pudieron acudir al concierto de despedida ya que esa misma semana se encontraban grabando su nuevo disco en New York. Otra ausencia fue la de Antonio Vega que seguramente hubiera salido para interpretar “Valium & Champagne”, una de las canciones en la que ya colaboró cuando Distritocatorce grabaron “El sueño de la tortuga”. En cualquier caso ninguna de las dos ausencias del cartel deslució un concierto idílico.

Finalmente, un nuevo descanso hacia presagiar el momento que nadie quería que ocurriese. Mariano, con su inseparable guitarra y respaldado siempre por Quique Mavilla, iniciaba los acordes de unos de los temas emblemáticos del grupo “Días de gloria”. El concierto fue una gran fiesta y una celebración por todo lo alto, aunque lógicamente el ambiente de que algo llegaba a su fin, también estaba patente. Así que todos los sentimientos y nervios contenidos por Mariano estallaron nada más comenzar a cantar la primera estrofa de “Días de gloria”. Visiblemente emocionado y con la voz entrecortada, dejó que todos los allí presentes cantásemos por él unidos en una sola voz, hasta que consiguió reponerse para retomar la canción. Poco a poco todos los músicos invitados comenzaron a reaparecer sobre el escenario para unirse a esta gran despedida y poner el broche de oro a una historia llena de pasión, lucha y amor por la música. Aplausos, vítores y lágrimas para despedir a uno de los grupos más grandes que ha dado Zaragoza. Distritocatorce nunca volverán sobre un escenario, pero sus canciones siempre permanecerán en el tiempo y en la memoria, generación tras generación, haciéndonos soñar otra vez.

Juan Garrancho

Concierto de New Cool Collective (Granada 23/11/2007)

2007-11-27T20:54:00.000Z

New Cool Collective: ‘Boogacool’

La nutrida formación de New Cool Collective ofreció en Granada un concierto de esos que dejan huella y crean afición. En su caso, devoción por el jazz de aliento étnico, bifurcado hacia el Sur por los vestigios afro-latinos. Y parece mentira que unos holandeses estén dando la vuelta al globo para ofrecer lecciones de negritud. El octeto de Ámsterdam, elegante y de etiqueta, pasó por el Boogaclub como un vendaval ábrego. Durante más de dos horas, repasaron gran parte del repertorio que les ha hecho famosos por todo el mundo en los últimos 15 años y que ahora patentan en ‘Big Band live’ tras ganarse el respeto del ultracopiado baterista Tony Allen –quien le otorgó el ‘beat’ al afrobeat, según los expertos–.

En verdad, la música de estos centroeuropeos suena contagiada por una fuerte resistencia rítmica –tres percusiones, y a veces incluso más–, que les entronca con la reiteración negra del groove. Mucho boogaloó y tildes latinas que rallan el ‘son cuero’ de Ray Barretto. El saxofonista, Benjamin Herman, ofició de líder, maestro de ceremonias y vocalista ocasional con esmerado acento ‘felakutiano’. De esta manera, el baile estaba asegurado, aunque resulte incomprensible que se habilitaran mesas y sillas justo enfrente del escenario. Con tal riqueza de metales, bajo ubicuo, guitarra afilada y compás en pulso, la pista se vio invadida por los del picor en los pies. Un espectáculo que puso broche dorado a un ciclo paralelo –‘New Jazz Experiencie’– a la altura del cartel grueso del Festival Internacional de Jazz de Granada. Ah, y el Boogaclub lleno hasta la bandera. Cosa que, por cierto, no hubo.

Eduardo Tébar

Concierto de Jean Michel Jarre en los cines – 30 años de Oxygène.

2007-11-24T21:01:00.000Z

Con motivo del trigésimo aniversario de la publicación del álbum Oxygène de Jean Michel Jarre y a sabiendas de que este es un blog donde todo tipo de música tiene cabida, me atrevo a comentar brevemente la proyección del concierto del día 21 en los cines CINESA Diagonal de la ciudad condal.

Para los que no lo conozcan Jean Michel Jarre es, por decirlo rápidamente, un señor francés, hijo del multigalardonado Maurice Jarre (el de la banda sonora de Lawrence de Arabia, entre muchas otras) que se dedica a reunir periódicamente a más de 1.500.000 personas tirando a lo bajo en lugares tan característicos como Paris, Lyon, Houston, las pirámides de Egipto, etc, etc, envolviéndolos con su música electrónica y con un juego de luces, láseres y demás artificios que dejan en pañales a cualquier otro.

A pesar de lo anterior, y de la evolución (algunos dirán involución) hacia lo digital, y teniendo en cuenta la tendencia tecno que tienen algunos de sus últimos trabajos (que, personalmente, no acabo de aceptar demasiado), cabe decir que el señor Jarre ha hecho esta vez un giro de 180º y se ha dedicado a desempolvar los viejos instrumentos analógicos de sus primeros discos.

El concierto, vendido de antemano como una retransmisión de alguno de los 10 que tiene previsto para este mes de diciembre en el Théâtre Marigni de París, no fue más que una retransmisión de un DVD que sale a la venta este 4 de diciembre (al principio, el 26 de Noviembre, pero eso sólo pasará en Francia). Es por ello que, aunque pareciera que iba a ser ‘en directo’, realmente resultó un poco frustrante encontrarse ante la pantalla de un cine, con unas 60 personas, y que apareciera el menú de un reproductor de DVD, como si estuviéramos en el salón de casa…algunas risas se oyeron por lo bajo.

Dicho DVD sale a la venta además en una versión 3D, que lo que permitirá es, con las típicas gafas de colores, situar al Jarre tocando Oxygène: Live in your room (que es como se ha dado a llamar al concierto) pues eso, como si estuviera en tu salón. Lo bonito del caso es que, si eres el afortunado poseedor de una pantalla Philips WOWvx 3D, ese efecto 3D no hace falta visualizarlo con las dichosas gafitas. En fin, una pijería más que lo que hace es que salga otra versión del concierto y otra versión de CD/DVD. Las majors mandan, vamos si mandan…(3 versiones para un mismo concierto, es un pelín bestia…)

Pasemos ahora al concierto. Lo primero que sorprende es que no hay, o al menos, no se ve, al público, con lo cual se apoya más la idea de que esto está hecho para promocionar los conciertos y la venta del DVD. Durante un momento se aprecia a un cámara medio escondido, pero es el único elemento ‘externo’ que se aprecia en la grabación. Otra cosa que sorprende: la austeridad. No hay artificios salvo una pantalla de video retroproyectado tamaño ‘normal’ en la que se proyectan imágenes 3D bastante cutrecillas y que raramente se sincronizan con la música y una iluminación a base de lámparas de pie que resulta bastante propia de una jam session de las de antes.

Luego están los instrumentos, que son una delicia analógica y, entre los cuales hay Moogs, Fairlights, Theremin, etc, etc, y que son tocados por el propio Jarre, en primer plano, o sea delante, y por Francis Rimbert, Claude Samard y Dominique Terrier, que están ubicados en sus respectivas ‘islas’ de teclados más atrás y en fila.

En cuanto a la calidad del sonido, la del DVD parece ser que es la bomba en 5.1 y demás florituras, pero cabe decir que la del cine era un poco desastre: conocidos efectos rudimentarios ahora, pero espectaculares en su época, y que se basaban en algo tan simple como el cambio de canales de stéreo, eran obviados en el cine, con lo que más de un suspiro se oyó en la sala. Eso, y los chasquidos que se daban en algún altavoz cuando los sonidos emitidos estaban un poco saturados.

La calidad del video, pues más de lo mismo: impactante el hecho de poderle ver casi las cicatrices al amigo Jarre y a sus compañeros/súbditos (puesto que queda claro que la star es él y que los demás están sólo de apoyo; si Jarre tuviera 8 brazos no estarían por allí), aunque cabe decir que el tema de los enfoques en primer plano de una mano que no se mueve, dejando la que está tocando la melodía en ‘borroso’ atrás, no apoyan demasiado el uso de cualquier cámara super digital de ultimísima generación. Por otro lado, el uso indiscriminado de la setady cam, que da la sensación de estar entre los músicos hace que, por una parte, la imagen tiemble como una mala cosa y que, a veces, los propios elementos del escenario impidan, por estar en el campo de visión, ver qué demonios toca y como lo toca tal o cual músico.

En fin, como resumen, y dejando aparte que los músicos pierden el compás más de una vez y que, incluso, alguno de ellos las pasa verdaderamente p… para seguir al amigo Jarre, reconozco que debe ser bastante difícil tocar un concierto de una horita, en la que se mezclan los antiguos temas de Oxygène con un par de Variations nuevos, sin perderse ni una sola vez y más aún teniendo en cuenta las dificultades técnicas de algunos instrumentos, con cables conectados a LFO’s, potenciómetros, lucecitas y hasta un sinfín de botoncitos de colores.

Sí es un lujo ver que Jarre sigue ahí, que no olvida sus orígenes y que es capaz de montar semejante tinglado para tocar un disco que, hoy día, se podría tocar con el software de cualquier portátil en la habitación de tu casa, pero es que eso no impide opinar que, de haberlo preparado un poco mejor, el resultado del concierto hubiera sido de verdad mucho más espectacular. Espero sinceramente que, en los conciertos de diciembre, ya con público presente en la sala, parezca de verdad algo más coherente y no un ‘ensayo general’, que es la impresión final con la que salí del cine. Con eso, y con la esperanza de que la experiencia se repita para otros discos posteriores y aún más elaborados (Magnetic Fields, Equinoxe, etc…).

Saludos y hasta otra.

El Incal Negro

Concierto de Héroes del Silencio (Zaragoza 12/10/2007)

2007-11-18T10:21:00.000Z

Héroes del Silencio se despide de Zaragoza en el día del Pilar

A la misma hora, en el mismo lugar, pero dos días más tarde y con entrada general en lugar de preferente, el que escribe volvía a estar en la calle esperando a que La Romareda abriera sus puertas para poder ver el segundo concierto de Héroes del Silencio en la ciudad de Zaragoza. El ambiente que se respiraba era mucho más multitudinario que el del miércoles anterior y el origen de la mayor parte de los asistentes era mucho más heterogéneo. Galicia, Andalucía, Madrid, Asturias, Cataluña o Murcia, eran algunos de los lugares de procedencia que se podían intuir en los acentos del castellano hablado por todos los allí congregados. Verdaderamente eran pocos los aragoneses que parecían haberse dado cita para ver a Héroes del Silencio en ese día del Pilar, el día grande de las fiestas de Zaragoza, lo cual no hacía más que confirmar el fracaso en la venta de entradas por parte de Ibercaja en tierras aragonesas. En esta ocasión, a diferencia del día 10, sí que había reventas en la calle, y cuando digo reventas no me refiero al típico espectador que le sobra una entrada y que intenta venderla a precio de taquilla por tal de recuperar el dinero, me refiero a señores de entre cuarenta y cincuenta años, con mirada aviesa y aspecto de maleante, que venden localidades a precios desorbitados. La verdad es que resultó muy cómico ver cómo localidades generales que se estaban vendiendo por 80 ó 75 Euros varias horas antes de empezar el concierto, poco después de abrirse las puertas pasaron a venderse por 20 ó 15 Euros.

A mí personalmente la espera se me hizo mucho más larga y pesada que la del día 10. El hecho de tener una entrada general en lugar de una preferente me hacía estar mucho más nervioso por ser una incógnita la distancia desde la cual iba a acabar viendo el concierto. El clima tampoco tenía nada que ver con el de la fecha anterior. En esta ocasión ni llovía ni amenazaba tormenta, lo que caían del cielo eran unos penetrantes rayos de sol que, sumados a los nervios anteriormente comentados y al tostonazo que dieron dos personajes con un par de guitarras y un micrófono interpretando con más pena que gloria un repertorio compuesto por canciones de Héroes del Silencio y Bunbury durante toda la mañana delante de la puerta 20 del estadio, aún lo hacía todo más desesperante.

El caso es que, con mayor puntualidad y con un poco más de orden, a las 17:00 h. se abrían las puertas de La Romareda y la manada de fans corría escaleras abajo en busca de la ubicación perfecta. Como ya me temía, el primer sitio en el que me coloqué estaba a bastante distancia del escenario principal. Las pantallas, que el día anterior me habían parecido enormes, ahora no las veía más grandes que la televisión del comedor de mi casa. Eso en cuanto a la distancia, porque en cuanto a la aglomeración, a falta de 4 horas de dar comienzo el concierto, el agobio era tal que no tuve más remedio que salir del mogollón y buscar algún lugar un poco menos centrado pero algo más amplio. La parte trasera de la torre de luces de la derecha fue el lugar elegido. Un buen sitio si no fuera porque no caí en la cuenta de que la grúa con la cámara móvil ubicada allí mismo se me iba a poner delante durante determinadas partes del concierto, impidiéndome a ratos la total visibilidad del escenario.

Después de esta pequeña introducción sobre las horas previas al segundo concierto de Héroes del Silencio en Zaragoza, voy a centrarme en lo verdaderamente importante y en lo que realmente le interesará a la gran mayoría de los que se hayan puesto a leer esto que no es otra cosa que el show. Pido disculpas a todo aquel que no le importe ni lo más mínimo mi experiencia personal, pero es que me resulta muy difícil hacer una crónica de un evento que me ha mantenido en tensión durante tantas horas sin explicar mi particular punto de vista y mis propias vivencias.

Sobre las 21:00 h. aproximadamente se apagaron las luces empezando a sonar “Song to the siren”, tras la cual comenzaría “El estanque” con el mismo ritual de las sombras de Enrique y de Juan proyectándose sobre el agua. En esta crónica no voy a repasar el repertorio completo otra vez puesto que en su mayoría fue idéntico al del día 10. Únicamente destacar que, en el primer bloque de canciones, el lugar que el miércoles anterior había ocupado “Bendecida”, el día 12 lo ocupó “Agosto”, el tema publicado en su primer LP “El mar no cesa”. Otro de los cambios con respecto al anterior concierto de Zaragoza fue la indumentaria de alguno de los miembros del grupo. Enrique, Pedro y Gonzalo mantuvieron sus vestimentas, pero en esta ocasión, Joaquín Cardiel lució su clásica cinta en el pelo de los tiempos de “Avalancha” y Juan Valdivia un abrigo largo como el que porta en la fotografía del libreto de “El espíritu del vino”, bajo el cual podía verse una camiseta de “Blackdivia”, su club de fans oficial cuya página web tuve el enorme placer de dirigir durante el año 2003. Después de “Mar adentro” Enrique dio la bienvenida a toda la audiencia afirmando estar muy contento de tocar en Zaragoza el día 12 de Octubre, un día que definió como de “celebración” a secas.

Cuando llegó el momento de cruzar la pasarela y agradecer al público su presencia, su apoyo y su entrega, a Enrique Bunbury se le notó poco comunicativo y con la voz bastante estropeada. Durante las canciones del primer set no se apreciaron demasiados problemas de entonación ni de afinación, pero cuando Enrique comenzó a hablar ya se intuía que algo no iba bien. Las presentaciones y la improvisación de “La mala hora” fueron prácticamente idénticas a las del pasado concierto y, una vez en el mini escenario central, el segundo bloque también comenzó con “La herida”. Efectivamente algo pasaba. Enrique pidió disculpas por sus problemas de voz causados por la gripe traída desde América y, prácticamente pidiendo permiso a los espectadores, anunció la retirada de la banda durante cinco minutos para recuperarse un poco y volver con más fuerza. Ante este imprevisto el público no pudo más que responder con un fuerte aplauso aunque muchos vieron planear el espíritu de Zuera por encima del escenario. Esta vez no fue así. A los cinco minutos clavados el grupo volvía a cruzar la pasarela para continuar el segundo bloque de canciones con “Fuente esperanza”, la cual sustituía a “Flor venenosa” en el repertorio de su anterior actuación.

Si algo tiene de especial el ver un concierto desde la lejanía es que uno puede disfrutar más de todo el montaje de luz y color que rodea a lo puramente musical. Muchos han criticado la actitud de Héroes del Silencio sobre el escenario afirmando que éste les viene grande y que es mucho escenario para una banda tan estática. Es posible que, exceptuando a Enrique Bunbury y a Gonzalo Valdivia, tanto Joaquín Cardiel como Juan Valdivia no sean precisamente dos animales escénicos, pero es que nunca lo han sido, el problema es que en un escenario tan enorme aún se nota más. La repercusión de esta gira hubiera hecho imposible la celebración de los conciertos en salas con capacidad para 1.000, 3.000 ó 10.000 personas como ocurría antes de su disolución, y puestos a celebrar macroconciertos para 40.000, 70.000 u 80.000 personas, ¿qué mejor escenario que uno en el que si no puedes ver a los músicos por lo menos puedas disfrutar de las imágenes que aparecen por las pantallas y de un magnífico espectáculo visual? Eso es precisamente lo que se ha hecho para este Tour 2007 de Héroes del Silencio, un espectáculo en el que, además de la música, los espectadores pueden disfrutar de las combinaciones comáticas con las que los técnicos de iluminación van jugando en las columnas y en las cortinas de leds que rodean el escenario principal, y de las imágenes proyectadas sobre las dos enormes lonas ubicadas a ambos flancos del escenario y a a través de las pantallas que quedan en la parte superior de éste, imágenes con ligeras referencias a la temática de las canciones que van sonando durante el concierto.

La verdad es que no hubo muchas más novedades. Después del descanso antriormente comentado, los tres últimos bloques de canciones transcurrieron con total normalidad y los temas fueron encadenándose con el mismo orden y la misma parafernalia escénica que el día anterior, es decir, el tercer bloque abrió con "Nuestros nombres" y cerró con "Avalancha", el cuarto abrió con "Oración" y cerró con "La chispa adecuada", y el quinto lo hizo con "Tesoro" y "En brazos de la fiebre" respectivamente. Quizás en esta ocasión hubo menos fallos de coordinación entre los músicos pero, en líneas generales, todo fue de forma más o menos similar en este segundo y último concierto de la gira y quizás de Héroes del Silencio en su Zaragoza natal.

La moraleja que saco de haber repetido concierto pero en diferente ubicación, es que ver un concierto en zona preferente y verlo en zona general es como ver dos conciertos diferentes. A cualquiera que pueda tener dudas sobre si gastarse 20 Euros más o gastarse 20 Euros menos en un concierto, decirle que si aprecia la comodidad y el disfrute de la música, que no se lo piense dos veces y que pague 20 Euros más porque verdaderamente vale mucho la pena. Eso si encuentra entradas preferentes a la venta y si no se encarga Ibercaja de venderlas, claro.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Concierto de Héroes del Silencio (Zaragoza 10/10/2007)

2007-10-18T10:39:00.000Z

El reencuentro de Héroes del Silencio con su ciudad natal

Siete meses después de ponerse a la venta las entradas del concierto que iba a suponer la vuelta de Héroes del Silencio a los escenarios de Zaragoza, la ciudad que les viera nacer, por fin había llegado el día. Atrás quedaban meses de espera, comentarios en foros de Internet, quejas por la organización en la venta de localidades, especulaciones sobre el posible repertorio de los conciertos, opiniones acerca de la forma física y musical de los diferentes miembros del grupo y todo lo demás. De una vez por todas, las más de 37.000 personas que Héroes del Silencio habían congregado para esta cita, por fin íbamos a poder vivir en primera persona el tan esperado regreso de nuestros ídolos musicales.

Durante la tarde del día 9 de Octubre ya podían verse en los noticiarios del canal autonómico de Aragón imágenes de algunos fans acampados en las inmediaciones del estadio de La Romareda con el fin de conseguir una posición que les permitiera ver a el concierto con todo lujo de detalle. La verdad es que, en un recinto tan grande, si no se tiene una buena ubicación es más que probable que no se llegue a ver absolutamente nada. El punto de vista del que escribe es el de uno de los afortunados que pudimos conseguir una entrada preferente, así que quizás alguno no comparta del todo mi opinión sobre lo vivido aquella noche, más que nada porque igual no percibió lo mismo que yo.

Las dudas sobre la hora de apertura de puertas para acceder al estadio se despejaron cuando, a las 17:30 h. y con las primeras gotas de lluvia cayendo del cielo, se abrían los accesos de La Romareda y se desataba la locura entre los miles y miles de fans del grupo aragonés que ya llevaban horas pululando por la zona. Cualquier parecido con lo que se conoce por una cola o fila india fue pura coincidencia. Lo importante era entrar y los vigilantes de las puertas no parecían dispuestos a poner orden entre la estampida de enloquecidos seguidores cuyo único objetivo era llegar lo más cerca posible del majestuoso escenario ubicado en el gol norte del estadio.

Lo que ya se presagiaba a la entrada finalmente se confirmó sobre las 18:00 h. cuando las negras nubes que se aproximaban por la zona de tribuna comenzaron a descargar agua dejando como sopas a los fans más puntuales. Muchos tuvieron la idea de arrancar el plástico que cubría el césped donde juega el Real Zaragoza para refugiarse de la lluvia, quedando éste en un estado lamentable. El agua, sumada a esas ráfagas de aire frío tan característico de las fiestas del Pilar, consiguió que más de uno acabara quedándose helado a falta de tres horas para el inicio del show. Los nervios empezaron a florecer entre el público cuando Nacho Royo (manager de Enrique Bunbury y promotor del Tour 2007 de Héroes del Silencio) asomó la cabeza desde detrás de las pantallas para observar el estado en el que se encontraba el suelo de las pasarelas del escenario, como si de un árbitro de Primera División que analiza el terreno de juego para ver si es posible disputar un partido de fútbol se tratase. Los nervios no tardaron en disiparse cuando, sobre las 19:30 h., poco a poco iba amainando la tormenta que, pese a ser ligera, fue suficiente para dejarnos a todos congelados durante el resto de la noche.

A las 21:20 h. se apagaban las luces de los focos de La Romareda y los cuatro símbolos de Héroes del Silencio desaparecían de las cuatro pantallas gigantes que presidían el escenario. Segundos más tarde, con los corazones de los allí presentes acelerándose de forma progresiva mientras el grito unánime de “¡Héroes, Héroes!” inundaba el estadio, empezaron a sonar las primeras notas de “Song to the siren”, el tema de Tim Buckley interpretado por “This mortal coil” con el que históricamente Héroes del Silencio siempre han abierto sus conciertos. Tras esta introducción, las dos pantallas centrales se encendían mostrando proyectadas sobre un fondo marino las siluetas de Enrique Bunbury empuñando una guitarra acústica y de Juan Valdivia empuñando una Fender Stratocaster mientras sonaban los primeros acordes de “El estanque”. Las pantallas fueron elevándose poco a poco dejando a la vista de todos, por primera vez en España después de once años, a Héroes del Silencio al completo tocando en directo sobre un mismo escenario.

Enrique Bunbury ataviado con un reluciente traje de vinilo, Juan Valdivia con americana de piel y camiseta de “Las Líneas del Kaos”, Joaquín Cardiel cubierto por un sombrero de cowboy, Pedro Andreu en mangas de camisa y Gonzalo Valdivia con americana y gafas de sol, todos ellos de riguroso luto, interpretaron de un tirón “El estanque”, “Deshacer el mundo”, “Mar adentro” y “La carta”, con la única interrupción de Enrique Bunbury interesándose por la temperatura del público antes de presentar “Mar adentro”. Las variaciones en el repertorio están siendo mínimas durante toda la gira. En todos los conciertos se han tocado el mismo número de canciones y sólo alguna de ellas ha oscilando entre uno y otro. Dentro de los temas variables se encuentra “Bendecida”, y fue el que vino a continuación antes de proseguir con “La sirena varada” y “Opio”.

Lo que muchos ya habíamos visto en los diferentes vídeos caseros que circulan por la red grabados durante sus conciertos en América, definitivamente quedaba demostrado. Los Héroes del Silencio del 2007 están más vivos y más en forma de lo que muchos jamás hubiéramos podido imaginar. Durante todo el concierto Enrique no dejó de pasearse de arriba a abajo del escenario, dirigiéndose en actitud provocativa al público de Zaragoza siempre que podía y gesticulando de igual forma que hace una década. Juan Valdivia y Joaquín Cardiel siguieron en su línea de no moverse demasiado sobre las tablas pero tocaron de una forma soberbia y digna de admiración para dos músicos que llevan más de diez años de inactividad. Sorprendieron gratamente las improvisaciones de Juan Valdivia que dieron un toque especial a cada una de las canciones. En cuanto a Gonzalo Valdivia, la nueva incorporación en la guitarra rítmica y una de las sorpresas de la gira, tocó con una frescura, una felicidad y una personalidad impensables para un guitarrista de apoyo recién llegado a la formación. Caminaba de una punta a la otra del escenario, tanto para disfrutar de sus propios momentos de soledad ante el público en la pasarela de la izquierda, como para compartir escena con su hermano Juan en la pasarela de la derecha, subirse a la parte alta del escenario con Pedro Andreu o hacer coros y tocar a la par con Joaquín Cardiel.

A todo el grupo se le notaba tremendamente emocionado de volver a tocar en Zaragoza y ni más ni menos que ante 37.000 personas en el estadio de La Romareda. Este hecho quedó plasmado cuando Enrique se encaminó al mini escenario central para lanzar un discurso de agradecimiento a la ciudad de Zaragoza y a sus gentes, antes de presentar al resto de la banda. “Mr. Pedro Andreu”, “El último indio Cherokee del rock & roll: Joaquín Cardiel”, “El alqumista, hermano, sangre de su sangre: Gonzalo Valdivia” y “El maestro Juan Valdivia”, fueron las etiquetas que les puso a sus compañeros mientras estos, a excepción de Pedro Andreu que apareció con batería incluida de debajo del escenario, se iban acercando a él a través de la pasarela central entonando una versión de “La mala hora” en clave de blues.

Ya en el mini escenario central, el repertorio también volvió a repetirse con respecto al de otros conciertos de la gira. “La herida”, “Flor venenosa”, “Apuesta por el rock & roll”, “Héroe de leyenda”, “Con nombre de guerra” y “No más lágrimas” fueron los temas que compusieron este set, más íntimo y mucho más próximo a las filas delanteras de la zona general. Fue muy especial la interpretación de algunos de los temas como “Apuesta por el rock & roll”, con dos solos de guitarra ejecutados por cada uno de los hermanos Valdivia y una dedicatoria a todas las emisoras de radio y televisión por parte de Enrique Bunbury; la nueva visión mucho más rockera de “Héroe de leyenda”; y la versión de “No más lágrimas”, similar a la registrada en los discos “En directo” y “Rarezas”. No menos sorprendente fue la inclusión de “Flor venenosa”, otro de los temas variables dentro del repertorio de la gira y según Enrique el que menos le gusta a su madre. Durante toda esta parte del concierto Juan Valdivia permaneció sentado en un taburete. Gonzalo Valdivia, que tenía otro en su posición, prácticamente no le dio uso ya que no se pudo resistir a mantenerse de pie interactuando directamente con el público.

Si tengo que ser sincero, estuve tan ensimismado disfrutando de la proximidad de los músicos y de su puesta en escena que prácticamente no pude apreciar el montaje escénico, la luminotecnia y las imágenes que iban proyectándose en las pantallas del escenario. Prácticamente sólo pude ver el anteriormente comentado efecto de “El estanque” y las dos enormes hélices que aparecieron rotando en las pantallas centrales mientras toda la banda regresaba por la pasarela al escenario principal. Después de esto daba comienzo la parte más contundente del espectáculo encabezada por “Nuestros nombres” y seguida por “El mar no cesa”, “Entre dos tierras”, “Maldito duende”, “Iberia sumergida” y “Avalancha”. Personalmente hubiera preferido que estos seis temas hubieran sido los que cerraran el concierto. Tanto las distorsiones aplicadas en la guitarra por parte de Juan Valdivia, como la potencia vocal imprimida por Enrique Bunbury (vestido con camisa plateada de purpurina al más puro estilo de la gira Avalancha ‘95), hicieron enloquecer a toda la Romareda y en mi opinión hubiese sido un brillante colofón del espectáculo. Pero, a pesar de que el grupo se despidiera de Zaragoza y se retirara a los camerinos después de tocar “Avalancha”, aún quedaba la parte final del show, compuesta por buenos temas aunque algo menos enérgicos que los anteriores.

Después de la larga espera en la calle hasta el momento de la apertura de puertas, después de las casi cuatro horas esperando en el interior del estadio a que comenzara el concierto, después de empaparnos durante casi una hora debajo de la lluvia y después de las más de dos horas que llevábamos de actuación, en La Romareda nadie daba muestras de cansancio. Todo el mundo seguía coreando el nombre de su grupo y nadie parecía dispuesto a aceptar que el espectáculo hubiera acabado. Y así fue. Héroes del Silencio volvían al escenario capitaneados por un Enrique Bunbury desafiando al frío cubriendo su torso únicamente con un chaleco, para interpretar “Oración”, “Tumbas de sal” y “La chispa adecuada” antes de volverse a retirar. A estas alturas Enrique ya comenzaba a resentirse de la gripe que había traído consigo desde México y solicitó la ayuda del público para corear “La chispa adecuada”, así como para la iluminación de todo el estadio mediante mecheros y teléfonos móviles. La estampa de las gradas de La Romareda iluminadas por minúsculos puntos de luz mientras Enrique Bunbury cantaba arrodillado "La chispa adecuada" fue uno de los momentos más emocionantes de la noche, junto con la lluvia de confeti plateado que serviría de rúbrica a la canción antes de que la banda volviera al “backstage”.

Por última vez en toda la noche, Héroes del Silencio regresaban al escenario para dar fin al concierto con “Tesoro”, “Malas intenciones” y “En brazos de la fiebre”, esta última iniciada con Enrique y Juan sentados juntos en uno de los escalones del escenario, y finalizada con Enrique iluminando con un foco a Juan y al público de La Romareda durante el solo de guitarra final. Tras el solo, con los últimos gemidos del “feedback” de guitarra aún sonando, todos los miembros del grupo se retiraban de forma bastante discreta y sin demasiada efusividad en la despedida, dando así por concluido el primer concierto en España del Tour 2007 de Héroes del Silencio.

Con los corazones todavía encogidos por la emoción, el cuerpo dolorido por el sacrificio físico de todo el día y con una amplia sonrisa en los labios, los cerca de 40.000 asistentes al concierto comenzaron a desfilar por las escaleras de La Romareda satisfechos y felices por lo que allí se acababa de presenciar. Evidentemente hubo algún que otro fallo en la ejecución de determinados temas, quizás causados por los nervios, la emoción y la gripe, pero estos fueron subsanados mediante la improvisación y la maestría de los músicos, haciéndolos del todo insignificantes dentro de la globalidad del espectáculo, un espectáculo que muchos tardaremos en olvidar.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Concierto de Héroes del Silencio (Ciudad de Guatemala 15/09/2007)

2007-09-19T06:42:00.000Z

Héroes del Silencio con su magia convirtió a Centro América en una sola nación

Sólo Héroes ha superado a Héroes y difícilmente alguien más lo hará, porque si el Rock N' Roll fuera una Religión, entonces los 5 maños heroicos fueran los profetas en esta tierra, esta tierra que todavía está vibrando por la fuerza descargada de esos imponentes riffs que echaban fuego a través de las guitarras de los hermanos Valdivia en el estadio del Ejercito. Todavía se siente el rebote del poderoso ritmo que marcaba la batería de Andreu, no digamos las notas rítmicas de un bajo colgado en los hombros del Chaman Cardiel, y en todo el valle de la Asunción, queda el eco de los rugidos emanados del corazón, sí, por que salieron del mismísimo corazón, de Bunbury.

Han pasado más de 24 horas, pero el estadio aún se siente el aroma a HERMANDAD HEROICA, porque este concierto no fue para Guatemala, no, este concierto fue para Centro América. Así fue como celebramos más de 186 años de independencia y la celebramos unidos, abrazados, nación con nación, enlazados todos con el sentimiento y fervor que se celebra a los Héroes de la Independencia, a nuestros Héroes del Silencio.

Desde horas de la mañana, incluso una noche anterior, los fieles seguidores ya se plantaban para acaparar el mejor lugar posible, para no perderse hasta el más mínimo detalle. Todo el día fue una fiesta internacional. Era de caminar y caminar alrededor del recinto viendo caras nuevas, algunas pintadas, caras quemadas por el sol, caras extranjeras, algunas caras de ansiedad, pero todas eran caras de armonía, felicidad y pasión.

8pm casi en punto y el silencio de once años estaba por romperse. Sonó el mítico “Song to the siren” y todos, los casi 25.000 presentes, sabíamos que el momento había llegado, ese momento que añoramos desde una década, ese momento que jóvenes nunca vivieron y siempre anhelaron, ese momento que marcaría la existencia de muchos, porque estoy seguro que a partir de este concierto habrá un antes y un después en la vida de muchos.

Los temas conforme fueron pasando, fueron repasando la historia de la banda. En lo personal, cuando las escuchaba, en mi cabeza fueron proyectadas imágenes de lo largo de mi vida, porque para muchos Héroes del Silencio ha sido el sound track de nuestras vidas y cada disco es una época y hasta década diferente, y al escucharlas con el fervor y coreada por 25 mil almas, los sentimientos estaban a flor de piel y el ambiente era único, era perfecto, porque ya somos más viejos y sinceros y qué más da.

La interpretación general fue estupenda de principio a fin, a pesar de unos errores por ahí que para nada afectaron en la calidad del show y nos desmostraron que también son humanos, también se equivocan al igual que todos nosotros, pero los errores fueron enmendados por un apoteósico concierto de adrenalina pura.

Gracias, Héroes por bendecirnos con su música, gracias a todos los ticos, mexicanos, salvadoreños, hondureños, panameños, colombianos, nicaragüenses, españoles, a todos los extranjeros en general, porque sinceramente sin todos ustedes no hubiera sido lo mismo.

Mike Muga
http://www.elpulsosindescanso.net

Concierto de Héroes del Silencio (Ciudad de Guatemala 15/09/2007)

2007-09-18T18:42:00.000Z

La gira del milenio ha empezado

Estaba muy cansado del día anterior, prácticamente vengo desvelado desde el miércoles a la fecha, pero cuando hoy abrí mis ojos me dije: “ya, al fin es el día y aún no puedo creerlo”. Estábamos apenas a unas cuantas horas de que empezara lo que todos estábamos esperando, aquella deuda pendiente por la frase “nos vemos en la gira del próximo milenio”.

Nos levantamos, desayunamos y nos fuimos volando al estadio, (nuevamente como mil gentes apretadas en un taxi) pero qué importaba, lo que queríamos era llegar rápido, ya habían varios fans en los alrededores pero, como buena tradición chapina, todo a última hora, empezamos a movernos por todos lados, la fila, los pases, llamadas telefónicas para reunirnos. Ya nos lo decía un español “esto no parece un concierto, parece un gran festival, veo mucha gente reunida caminando por todos lados, comprando cantando”.

El clima los últimos días estuvo con algunas lluvias, pero hoy estaba todo despejado, sin nubes, pero con viento que incluso se llevo parte de la carpa que cubría el techo del escenario. Afortunadamente sucedió temprano así que los de staff procedieron a reparar todo. En si todo el día paso con sol y muchos nos quemamos, pero valía la pena. Entre los de staff vi algunos conocidos quienes me pasaban los informes de última hora, lo primero era que iban a abrir las puertas temprano a las 14.00 hrs.

Ya la aglomeración de fans era más que notoria, incluso las calles eran poco transitables para los automóviles por nuestra invasión. Los vendedores de camisetas vendieron todo. Recuerdo que había un toldo que tenía bastantes y en la tarde estaba todo vacío. El ingreso se retrasó una hora más de lo planeado pero aún así entraron temprano al estadio. Por aparte la prensa iba a ingresar hasta las 17.30 hrs. por lo cual tenían que esperar un poco más. Mientras tanto adentro el ambiente respiraba a rock del bueno, habían algunos que bebieron de más que no pudieron contenerse y estaban tirados, lamentablemente para ellos se perdieron de un evento nunca antes visto por acá.

Para los enviados de los medios de comunicación habían unas reglas estrictas, sólo iban a ingresar para cubrir las 2 primeras canciones, no podían grabar en video y las fotos debían ser sin flash. Al momento de ingresar se veía increíble ese escenario y toda la gente a su alrededor. Los medios de comunicación no perdieron tiempo y algunos ya tomaban sus fotos cubriendo cada detalle posible.

Había música de fondo y las pruebas en las cámaras de video se llevaban a cabo. Pudimos observar que tenían un alcance impresionante, en especial cuando hicieron una toma hacia la luna y se observaba nítidamente. Ya entrada la noche empezaron algunos a brincarse las barreras que dividían cada sección y los de staff corrían tras ellos para sacarlos. Sigo pensando que al menos en Guatemala es una tontería hacer divisiones en el campo porque tal como sucedió, un par de barreras no fue suficiente como para detener tanta gente en su área y al final ese par de barreras salieron volando y una avalancha de fans se fueron de lleno hasta llegar a la zona VIP.

Las apretazones eran demasiado fuertes y ya habían personas que pedían favor a los de staff que los sacaran del frente porque no aguantaban y varias vallas delanteras se quebraron a pesar de estar contra-peso.

Los Héroes vuelven...

Ya entrada la noche se apagaron las luces y todos los fans gritaban eufóricamente. Era increíble, había esperado mucho tiempo este momento y ahí estaba parado a unos segundos de que mi sueño se hiciera realidad, sabía que los ojos del mundo iban a estar pendientes de lo que sucediera hoy y cada canción que tocaran quedaría en la historia del primer concierto del regreso más esperado por todos nosotros.

Se encendieron las luces principales de la parte superior y empezó a sonar “Song to the siren”, una intro que nos traía nuestra mayor ilusión. Las luces se encendían más fuertes y sólo se miraba la silueta de una gran multitud viendo hacia un enorme escenario y al finalizar la “Sinfonía” como la mencionaban en el set-list, la gente gritaba maás fuerte porque sabía que lo próximo en sonar iba a ser algo que jamás íbamos a olvidar.

Los gritos aumentaban cuando empezaron a sonar las primeras notas de esta bella canción que poco a poco se iba encendiendo. Las cuatro pantallas del frente que se encontraban abajo se encendieron y proyectaron una hermosa toma del mar que se unió con la silueta de los Héroes quienes estaban con sus guitarras. La gente empujaba más y más y varios se subían en los hombros de sus compañeros para ver mejor la entrada y eso dificultaba las grabaciones. El intro continuaba y poco a poco iban elevándose las pantallas dando lugar a las primeras frases “Las leyes salvajes empañan mi huída"... Y los gritos se elevaron como nunca.

Todavía estábamos gritando cuando acabó “El estanque” y una frase nos interrumpe diciendo “Empezar porque si”… Ahora sí esa música nos abría secretos y soltamos toda la energía que se sentía en el ambiente. La voz de Enrique estaba potente y cada una de las pantallas nos ofrecían un espectáculo visual impresionante, cada imagen estaba preparada especialmente para cada ocasión y éramos testigos de que los Héroes estaban tocando de una manera intachable.

Ya los Héroes andaban entregados al publico, Juan demostrándonos porque es el maestro de la guitarra, Joaquín disfrutando al máximo con una gran sonrisa, Enrique paseando guitarra en mano por la pasarela, Gonzalo subiendo a la tarima superior donde se encontraba Pedro con su batería adornada con el logo de la gira. En las pantallas gigantes se podían observar las tomas de los Héroes y de fondo otras tomas variadas, que le daban un toque único para cada canción.

Cuando tocaron “La carta” paso algo curioso. Enrique se confundió en la letra, pudo haber sido por nervios o simplemente se le olvidó, pero de lo que me di cuenta con eso es de una imagen que estará en mi mente siempre. Justo en el momento que Enrique olvidó la letra capté bien que él quería retomar la canción pero no sabía por donde iba. Juan se dio cuenta y sólo le hizo una sonrisa a Enrique como diciéndole “Wow qué nervios” y que esperara a retomar el estribillo para continuar. Enrique también le hizo la misma de “Ok” y cuando llegaron a esa parte continuaron, “Siempre he escuchado y ya no te creo”.

Cuando tocaron “La carta” paso algo curioso. Enrique se confundió en la letra, pudo haber sido por nervios o simplemente se le olvidó, pero de lo que me di cuenta con eso es de una imagen que estará en mi mente siempre. Justo en el momento que Enrique olvidó la letra capté bien que él quería retomar la canción pero no sabía por donde iba. Juan se dio cuenta y sólo le hizo una sonrisa a Enrique como diciéndole “Wow qué nervios” y que esperara a retomar el estribillo para continuar. Enrique también le hizo la misma de “Ok” y cuando llegaron a esa parte continuaron, “Siempre he escuchado y ya no te creo”.

A los que dudaban si Juan estaba recuperado les puedo decir que en el solo de “La sirena varada” se desenvolvió demasiado bien, andaba caminando por su parte del escenario e incluso saludando a los fans.

Enrique hizo comentarios de todos los países centroamericanos que habían llegado para el concierto. Luego de un discurso de Enrique fue presentando a todos los Héroes que se dirigían al set acústico y conforme fueron llegando empezaban a tocar sus instrumentos en un medley. El primero en presentar fue Pedro Andreu, luego le toco el turno a Joaquín Cardiel, el siguiente fue El Alquimista Gonzalo Valdivia y de ahí alguien muy esperado el maestro Juan Valdivia. Me gustó la manera en que Juan saludaba a los fans. Al llegar todos empezaron a entonar “La herida”.

Para mí fue muy especial que tocaran “Apuesta por el rock’n’roll” en su primer concierto. Enrique dio una intro muy similar a la que usaba de solista y empezamos a apostar por lo que nos unió esa noche. Había una canción que había quedado pendiente desde hace once años y un día. Una intro interesante preparaba el primer éxito del grupo y nos pusimos a cantar “Héroe de leyenda”. Le hicieron unos arreglos que quedaron acordes a la ocasión. Y una escena de Joaquín y Gonzalo viendo con alegría la entrega de los fans quedo grabada de manera impresionante en las pantallas gigantes.

Ya de regreso al escenario principal, las pantallas frontales sacaban imágenes de hélices que dando vueltas daban la impresión que se elevaban cuando las pantallas subían hasta la parte de arriba y los acordes de “Nuestros nombres” sonaron. Juan andaba de un lado a otro y haciendo las muecas que lo caracterizaban, Enrique entregándose a las estrofas que cantaba justo como lo recordábamos antes.

El repertorio continuaba éxito tras éxito y ahora le tocaba su turno a “Oración”, los cinco españoles se lucían especialmente al momento del solo de la canción. Joaquín y Pedro estaban impresionantes y no se notaba que estábamos a más de diez años de su último concierto. Los efectos de las luces ofrecían un show visual de lo mejor. El espectáculo nos sorprendía cada vez mas, efectos de luces, pantallas con tomas increíbles, papeles volando del escenario hacia los fans, fuegos artificiales, miles de personas cantando unidas y lo mejor aún, nuestros Héroes del Silencio sobre el escenario.

Cuando tocaron “La chispa adecuada” me fascinó la parte en la que Juan le hizo el arreglo de la versión de “Trigonometralla”. Esta canción es muy especial para mí y pues hasta se me erizó la piel cuando llegaron al solo, justo al final de la canción salió del set acústico una gran cantidad de papeles al aire que junto a las luces del escenario principal dieron un toque increíble a esa bella canción.

Los Héroes se despedían y la gente coreaba “otra, otra” y así hasta cumplir 25 canciones para saciar la sed que teníamos desde 1996. Al finalizar “En brazos de la fiebre” nos brindaron un final de fiesta, de celebración que quedó acorde a nuestra fiesta patria con fuegos artificiales y los chapines empezamos a corear nuestro himno nacional al tiempo que las pantallas gigantes bajaban con el logo de los Héroes y un efecto como de fuego les quedo muy bien.

Al momento de salir escuchaba comentarios de todos que estaban muy impresionados por lo que vieron, que jamás se esperaban algo así, que había valido la pena lo caro del boleto, que los Héroes volvían mejor que nunca, que después de tanto tiempo de espera nadie podía creer aun que ya podríamos decir con orgullo: “Yo estuve en la gira del milenio”.

Fernando García

Concierto de Andrés Calamaro y Fito & Fitipaldis (Barcelona 28/07/2007)

2007-08-30T05:18:00.000Z

Despedida y cierre de la gira “2 son multitud”

Los conciertos de “2 son multitud”, la gira conjunta de Andrés Calamaro y Fito & Fitipaldis organizada, a priori, para reivindicar el rock en castellano, desde un principio fueron pensados como una serie de minifestivales que debían celebrarse al aire libre en grandes espacios abiertos. En el caso de Barcelona el recinto elegido fue el denominado “Parc del Fòrum”. Para el que no conozca la Ciudad Condal, simplemente decir que el “Parc del Fòrum” es una enorme explanada de cemento ubicada donde Cristo perdió la alpargata que, debido a su proximidad con una planta depuradora de agua, huele a cloaca de una forma insoportable. La única manera de llegar a dicho lugar desde el centro de Barcelona o desde cualquier zona del área metropolitana, haciendo uso del transporte público, es mediante el tranvía o a través de un tramo de la Línea 4 de metro, actualmente anulado por obras. Pese a que el tramo de metro anulado ha sido reemplazado por un servicio especial de autobuses, cualquiera se puede imaginar que ni la velocidad ni la periodicidad del metro y del autobús son las mismas, con lo cual, cuando se celebra algún evento multitudinario en el Fòrum como lo fue el del pasado día 28 de Julio, el servicio se colapsa y se hace muy difícil llegar, pero mucho más salir, puesto que el tranvía no funciona durante toda la noche. Como imagino que habrá que darle uso de la forma que sea a toda aquella infraestructura para justificar la pasta invertida en el año 2005 con motivo de la celebración del “Fòrum de les Cultures”, pues tendremos que ir acostumbrándonos a que se celebren macroconciertos allí, a pesar de disponer en la ciudad de un estadio olímpico de putísima madre, con mejores accesos y mucho mejor comunicado con cualquier parte de Barcelona. Agradezcámosle pues los descomunales pitotes que se forman cada vez que hay un concierto por aquella zona al ex–alcalde Joan Clos, promotor de toda la pantomima del Fòrum de los cojones.

Una vez allí, nada más entrar y dejando el mar al frente, uno se encontraba a mano derecha un escenario flanqueado por dos enormes banderolas con las esfinges de Calamaro y Fito, y a mano izquierda unas pequeñas gradas con algunos puestos de repostería y merchandising al lado. La verdad es que el recinto se adaptaba perfectamente a las necesidades del evento: Gran espacio al aire libre con diversas casetas de bebidas y bocadillos para aguantar las más de dos horas de espera desde la apertura de puertas hasta el inicio del concierto, y las cuatro horas de duración del propio espectáculo. Una de las cosas más curiosas de toda la infraestructura que se montó era que para poder tomar una cerveza primero había que pasar por una garita en la que se compraban unas fichas de plástico (al más puro estilo autos de choque de feria). Cada una de estas fichas llevaba grabadas la cara de Calamaro o de Fito por un lado, y el logotipo de Motorola (patrocinador omnipresente del evento) por el otro. Después de adquirir estas fichas ya se podía pasar por la barra para canjearlas por las correspondientes consumiciones. Los bien pensados podrán pensar que esto se hace así para centralizar la recaudación en un único lugar y ahorrar complicaciones con cobros y devoluciones de cambio a los camareros. Los mal pensados (como yo) pensarán que esto se hace así para que los fans más coleccionistas compren fichas y se las guarden sin pasar por la barra para recoger su consumición, consiguiendo así dos formas diferentes de ingresar dinero, una por las bebidas y otra por los coleccionistas.

Con casi tres cuartos de hora de retraso debido al tapón que se formó en la entrada del recinto según se anunció por megafonía, sobre las 22:45 h. y con la luna llena reflejándose sobre la oscura superficie del mar, saltaban a escena Fito, sus Fitipaldis, Andrés Calamaro y los tres músicos que acompañaban al argentino, iniciando el concierto con la interpretación conjunta de “A los ojos”, “Viene y va”, “Quiero ser una estrella” y “No se puede vivir del amor”. Andrés Calamaro con un extraño modelo de Gibson Les Paul, Fito con su clásica Fender Telecaster azul, Carlos Raya y los dos guitarristas de Andrés Calamaro con sus respectivas guitarras, Candy Caramelo con el bajo, Tito Dávila y Joserra Samperena con los teclados, José “El Niño” Bruno con la batería y Javier Alzola con el saxofón y las percusiones, hacían prácticamente inaudibles las voces de Andrés y de Fito. Esto, sumado a la pésima acústica que siempre tienen los recintos al aire libre, hizo que los allí presentes no pudiéramos disfrutar al máximo de esta parte del concierto, en mi opinión la más interesante de todas por lo excepcional de poder escuchar a Andrés Calamaro cantando canciones de Fito y a Fito cantando canciones de Andrés Calamaro. A pesar de estas pequeñas deficiencias sonoras, Andrés Calamaro hizo una auténtica demostración de versatilidad vocal cantando los temas de Fito con una facilidad asombrosa y con la originalidad que siempre le ha caracterizado en las múltiples versiones que ha llegado a hacer a lo largo de su carrera. Fito cantó los temas de Calamaro de forma correcta pero sin demasiadas florituras.

Después de muchos (demasiados) abrazos, besos, achuchones y agradecimientos mutuos, Fito y parte de los Fitipaldis se retiraban del escenario. Únicamente se quedaron en su sitio Candy Caramelo y José “El Niño” Bruno, que junto al teclista Tito Dávila y a los guitarristas Julián Kanevsky y Diego García, conformarían la banda con la que Andrés Calamaro iba a desplegar su repertorio.

Los que amamos la música, las canciones y la voz de Calamaro sabemos que sus discos más gloriosos como “Alta suciedad”, “Honestidad brutal” y “El salmón” son verdaderas colecciones de canciones de estilos muy variados que poco tienen que ver la una con la otra. En un mismo álbum tan pronto podemos disfrutar de un rock como de un tango, una ranchera, una cumbia, un reggae o un bolero, y eso es precisamente lo que Andrés Calamaro hace en sus conciertos, un poco de todo. Sus seguidores agradecemos toda esta variedad porque cualquier cosa que haga Calamaro nos encanta, pero a la hora de elegir el repertorio, quizás a Andrés se le escapó el detalle de que en esta ocasión no se trataba de un concierto para su público sino de un concierto para su público y para el de Fito & Fitipaldis, posiblemente poco acostumbrados a escuchar algo que no sea rock o pop-rock. Temas como “El salmón”, “Te quiero igual”, “Crucifícame”, “Corazón en venta”, “Alta suciedad”, “Horarios esclavos”, “Canal 69” y “Paloma” fueron jaleados y obtuvieron una buena respuesta por parte de la práctica totalidad del público; pero “O.K. perdón”, “Tuyo siempre”, “Todo lo demás”, “Lo que no existe más” o “Crímenes perfectos”, la verdad es que cortaron un poco el rollo por la tristeza y pesimismo que transmiten. Es complicado tocar para un público que no es el propio, pero eligiendo mejor el repertorio quizás no se hubiera visto en la obligación de pedir disculpas por la espera a los fans más fundamentalistas y radicales de Fito & Fitipaldis. También hay que decir que es admirable que Andrés Calamaro no utilizase el recurso fácil de interpretar mayoritariamente temas de Los Rodríguez. Sorprendieron gratamente las versiones de “Loco” (fusionada con un fragmento de “Huracán”), “Hacer el tonto” (fusionada con fragmentos de “Maradona”) y “Días distintos” (con aires de cumbia y reggae, y final entre el hard-rock y el ska).

Durante toda su actuación, además de cantar, Andrés tocó la guitarra eléctrica teniendo así mucha más libertad sobre el escenario que en la pasada gira “El regreso” donde no se movió de detrás de su teclado. Aún estando en bastante peor forma física que la última vez, vocalmente continúa estando en plenitud de condiciones, lo cual hace incomprensible que no haga más giras propias en lugar de esporádicos conciertos mixtos con otros artistas como hizo el verano pasado con Ariel Rot y este con Fito & Fitipaldis.

Tras un par de bises, Fito y el resto de Fitipaldis volvían al escenario para interpretar junto a Andrés y los suyos el tema “Estadio Azteca” con el tango “Los mareados” como introducción, dando así por concluido el set de Andrés Calamaro y la primera parte del espectáculo.

Después de unos minutos de descanso, Fito & Fitipaldis tomaban el relevo de Andrés y saltaban al escenario de la misma forma que lo hicieran en el Palau Sant Jordi el pasado mes de Diciembre, interpretando su ya clásico “Un buen castigo”. A este le seguirían otros cañonazos rockanroleros como “Por la boca vive el pez” y “Como pollo sin cabeza” con los que enloquecieron los allí presentes. Las comparaciones son odiosas, pero es inevitable decir que la entrega del público durante estos primeros temas nada tuvo que ver con la respuesta ofrecida por el respetable durante algunos de los temas de Andrés Calamaro. A Fito & Fitipaldis se les notaba mucho más rodados y mejor engrasados que a Andrés, y eso también se transmite al público. De todas formas es normal puesto que los conciertos de “2 son multitud” pillaron a Fito & Fitipaldis en plena gira de promoción del álbum “Por la boca vive el pez” y los músicos están mucho más conjuntados.

“Donde todo empieza” y “Me equivocaría otra vez”, esta última con una introducción al más puro estilo David Gilmour en “Shine on your crazy diamond” con Fender Stratocaster roja incluida, serían las siguientes piezas en sonar. Tras ellas llegarían “214 Sullivan Street”, “Cerca de las vías”, su particular versión de “Deltoya” de Exremoduro y “A la luna se le ve el ombligo”, durante la cual se proyectaron por las pantallas imágenes de la luna llena que presidía el cielo de Barcelona. A continuación Fito presentaría a su banda compuesta por Carlos Raya, Javier Alzola, Joserra Samperena, Candy Caramelo y José “El Niño” Bruno, además de un personaje de nombre “Nitrato” que acompaña durante toda la gira a Fito & Fitipaldis ejerciendo de técnico de escenario, el cual se marcó un “break dance” mientras los músicos tocaban Billie Jean de Michael Jackson.

El show de Fito & Fitipaldis no podía haber finalizado de forma más apoteósica que con “La casa por el tejado”, la siempre bien recibida y coreada “Soldadito marinero” y “Acabo de llegar”, alargando esta última algo más de 8 minutos de reloj durante los cuales todos los músicos corretearon en fila india por el escenario como formando una especie de conga rockera. Llegado este punto, el escenario quedaría vacío durante unos minutos, los suficientes como para que Fito y los suyos descansaran antes de encender la traca final, y durante los cuales Calamaro no pararía de lanzar al público desde el "back-stage" peticiones de “ruido”.

Cinco minutos después, de igual forma que al inicio del concierto, todos los músicos volvían al escenario dando las gracias a Barcelona por su entrega y arrancando el último bloque de canciones compuesto por “Me arde” (fusionada con una versión del clásico de los Rolling Stones “Dead flowers” cantado en castellano), “Whisky barato”, “Medalla de cartón” (que para mí fue el mejor tema del concierto) y, como brillante colofón, la clásica “Flaca” coreada por las 32.298 almas allí presentes.

Tras una larga y verdaderamente emocionante despedida en la cual todos los músicos se abrazaron, se besaron, bailaron unos con otros y en la que incluso Calamaro se llegó a echar al hombro a Fito como si de un muñegote se tratase, a las 2 y pico de la madrugada, cuatro horas después de su comienzo, el espectáculo llegaba a su fin. Sinceramente fue una noche inolvidable pero un tanto pesada por la cantidad de horas que nos vimos obligados a permanecer de pie. A pesar de todo, y con la serenidad que da explicar las cosas un mes después de que hayan sucedido, desde aquí no tengo más que decir que todo el sacrificio valió muchísimo la pena por todo lo vivido durante aquella velada. De todas formas yo personalmente me sigo cagando en el puto “Fòrum”.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Concierto de los Rolling Stones (El Ejido 01/07/2007)

2007-07-04T07:06:00.000Z

El sueño de una noche de verano

“Hola, El Ejido. Buenas noches, Andalucía. Sentimos mucho el año de retraso y estamos encantados de estar aquí. Vamos a pasar un buen rato”. Con estas palabras, Mick Jagger y los suyos se presentan en la localidad almeriense. En el recuerdo, la caída de cocotero de Keith Richards y la oprobiosa cancelación, el verano pasado, por una afonía del cantante. Inverosímil pero cierto: 30.000 devotos de los Rolling Stones colonizan un pueblo de 76.000 habitantes.

El acceso a El Ejido despista. Las hectáreas de plásticos blancos conforman un océano de invernaderos. ¿Será aquí donde va a tocar la mayor banda de rock del planeta? Para un melómano, la sensación de extrañeza resulta parecida a la del pez tropical zambullido en un cóctel. Entre cultivos y sucursales bancarias, otro mar de grúas indica el frenesí urbanizador del municipio con la renta per cápita más alta de Andalucía. Llegar al Estadio Santo Domingo es fácil: el faraónico escenario de los Stones se ve, como una atalaya, desde cualquier punto. Además, el Ayuntamiento ha dispuesto señales por todas las arterias de tránsito. “Siga la flecha”, hasta el imagotipo de la lengua.

La tarde transcurre con rapidez. Y con mucho calor. En los laterales del recinto, miles de personas, diversos acentos y una riada de vendedores de camisetas, bebidas y bocadillos. Hay carpas donde sirven, gratis, 10.000 litros de gazpacho elaborado con hortalizas de la tierra. Una bendición a estas horas, que, por lo visto, no agrada a Mick Jagger, quien deja constancia, estomagante, en el ‘show’.

El circo del rock

Dentro, impacta la arquitectura del circo del rock n’ roll. Esa fachada de Guggenheim neoyorquino se convertirá en un arsenal de pirotecnia y fantasía. Los Rolling Stones conocen al dedillo los códigos del negocio. Saben darle al público lo que busca. El sueño de dos horas con el mejor espectáculo de rock posible. Desde que se levantan hasta que se acuestan, la formación de sesentones vive entregada al hecho privilegiado de ser un ‘rolling stone’. El promotor Gay Mercader, íntimo amigo de Keith Richards, los trajo a España por vez primera en 1976 y también ahora. Dice que “no pueden vivir sin esto”. Más tajante, el guitarrista apunta: “No puedo ni pensar en hacer algo con la idea de que sea la última vez”.

Parecen tocados por la mano de Dios. Lejos de cualquier grupo de ‘oldies’ en estado lamentable, los Stones les sacan los colores a muchos cadetes. Mick Jagger no para de correr y bailar durante toda la actuación, igual de apolíneo que un atleta veinteañero, y con la voz intacta a sus casi 64 veranos. Uno, de verdad, se queda boquiabierto. Porque, con un repertorio de copete inalcanzable, siempre pasean nuevas canciones en cada gira. Ni los accidentes de Richards jugando en árboles palmáceos. Ni los ingresos de Ron Wood en clínicas de rehabilitación para alcohólicos. Nada rompe la eternidad de las Satánicas Majestades. Y Jagger se ríe cuando le hablan del final: “Es una buena pregunta. La primera vez que me la hicieron fue en 1966”.

Guitarra ‘estoniana’

El estadio de fútbol de El Ejido, la “ciudad de los Rolling” por una noche, acoge al mismo tiempo la ‘Snake Room’ del pirata Keith Richards, donde el músico juega al billar con Ron Wood. Estas distracciones amenizan el tiempo de los guitarristas. A Richards, el rock le debe una opípara colección de ‘riffs’ y una manera de tocar. El gesto diletante y el sonido de la guitarra ‘estoniana’. En vivo gustan porque mantienen esa chispa. Aparentan improvisar, hacen el payaso y se divierten. Cada cual en su papel. Ron Wood serpentea con el ‘slide’. Charlie Watts, en cambio, devuelve ritmos exquisitos desde su pequeña batería, con el semblante enjuto de mayor de la clase. Pero Mick Jagger protagoniza más minutos en la pantalla gigante, que retransmite sus alardes de agilidad, chulería y gracia.

A las 22.43 horas, abren con ‘Star me up’, a la que sigue ‘You got me rocking’. A parir de aquí, un clásico tras otro. Vienen con ochenta temas preparados, aunque se decantan por la cosecha de los setenta: ‘Rocks off’, ‘Bitch’, ‘Tumblin’ dice’… Sorprenden desempolvando ‘Ruby Tuesday’, ‘Midnight rambler’ y ‘Paint it black’. Homenajean a James Brown con ‘I’ll go crazy’. No fallan las fijas: ‘Miss you’, ‘Honky tonk women’, ‘Sympathy for the devil’, ‘Jumping Jack Flash’… En el escenario móvil, entre el público, inyectan adrenalina sonando ‘It’s only rock n’ roll’ y ‘Satisfaction’. Cierran con ‘Brown sugar’ y el destello de fuegos artificiales. Final de la función. El crujir de las tripas advierte que volvemos al mundo real. Los afortunados se van a dormir a un hotel. Algunos lo intentan en sus coches. Otros, en el suelo a la espera del primer autobús de la mañana. Para los prosélitos, no se trata de simple rock n’ roll. Es mucho más.

Adiós, Trogloditas

Por la tarde, antes del concierto de los australianos Jet, Loquillo y Los Trogloditas comparecen media hora en lo que es la despedida del grupo después de tres décadas en activo. Se marchan preludiando a los Stones, por la puerta grande y al ‘Ritmo del garaje’. “Somos la banda más importante de España por galas, historia y discos vendidos”, según palabras de su enorme líder. La nota emotiva la pone Sabino Méndez, guitarrista y compositor original, que salta al redil y agarra el micro: “Esta canción la hice hace mucho tiempo, sin saberlo, para todos vosotros”. Reconocemos los primeros acordes de ‘El rompeolas’. El estadio se une al coro: “No hables de futuro, es una ilusión, cuando el rock n’ roll conquistó mi corazón”.

Texto: Eduardo Tébar
Fotos: Fernando Moreno

Conciertos de Southern Arts Society, Howe Gelb & Isobel Campbell (Granada 22/06/2007)

2007-06-25T08:05:00.000Z

Sonidos alternativos en la intimidad granadina

El viernes, la banda Dream Theater reunió a 6.000 personas en el Coliseo de Atarfe, que disfrutaron de un concierto bizarro (¡tres horas!), en el que abundó el virtuosismo inteligente durante la interpretación de ‘suites’ sinfónicas bañadas en rock progresivo y en metal. Los veteranos de la Berklee presentaron parte de su nuevo disco, Systematic chaos, que licencian a través de la etiqueta Roadrunner Records, donde también celebran el fichaje de The Cult. Mientras, en la capital granadina, poco más de un centenar de curiosos variopintos poblaban las butacas del Teatro José Tamayo en la segunda jornada del ciclo itinerante ‘Pop-Rock’, organizado por la Junta de Andalucía, después de la conmovedora actuación inaugural de Stuart A. Staples.

En el cartel, nombres de postín: Andy Jarman, Isobel Campbell y Howe Gelb. El ambiente desangelado debió sorprender a Jarman, una de las estrellas del festival Primavera Sound hace tres semanas. El londinense abrió con puntualidad y simpatía el cancionero que ahora descubre bajo el rótulo de Southern Arts Society, formación en la que todos son españoles menos el líder. Superadas sus aventuras con Strange Fruit y A Popular History Of Signs, el bajista y cantante se mostró mucho más desenvuelto en su papel de ‘crooner’ de pop-rock claro, directo y conciso a pesar de la nube sensorial que envuelve los temas.

Jarman no escatimó en comentarios con un perfecto acento andaluz, que labró durante sus años bohemios en Granada y que actualmente pule en su residencia sevillana. Lamentó que el público no pudiera bailar, porque sus canciones se antojan más naturales en el hábitat de la sala con barra. En cambio, las proyecciones de fondo en la pantalla gigante creaban una sensación cinematográfica. Más bien, parecía una película cuya banda sonora se ejecutaba allí mismo, con imágenes de ‘road movie’ en sincronía espacio-tiempo, senderos, tumbas, estrellas y oleajes. Faltó la viola de Alberto Pielfort, aunque se bastaron con la base efectista de los teclados de Jesús Bascón, la guitarra apacible de Israel Diezma y el apoyo de la batería. Quizá, la música de unos Montgolfier Brothers o Piano Magic más telúricos. El estilo refinado de U2 en alianza con Brian Eno, cuando un día se llamaron Passengers. A todo eso, y a los álbumes que ya no le salen a REM, se parecen Southern Arts Society.

La frontera americana

Por su parte, Howe Gelb epató como cabeza del letrero y con la carga de un currículo envidiable. Pionero del sonido neo-country-rock americano, Gelb integra el oráculo de artistas fundamentales de las dos últimas décadas. Una garganta autorizada que se ciñe al repertorio, olvidando cualquier parafernalia adicional. Muy sobrio, de vaquero y con sombrero tejano, inició su recital sentado frente al piano con dos piezas ‘jazzies’, que sirvieron de introducción y a las que volvería al modo de los intermedios en la radio de entreguerras.

Lo milagroso de Gelb es su pericia instrumental, capaz de otorgar a las teclas un ‘swing’ extemporáneo y chispear las cuerdas de la guitarra de manera renovadora y, a la vez, tradicional. En esta ocasión, John Convertino y Joey Burns no acompañaron a quien fue su maestro y semilla en Calexico. Sin embargo, el de Tucson se trajo a un experto de la guitarra-slide como Dave McGowan, al bajista Coger Lund y al baterista Peter Dombernowsky, clave en la intimidad acariciadora de las escobillas. Con esta pléyade, aún pasea por esos territorios fronterizos a los que acostumbran las publicaciones de Giant Sand, Band Of Blancky Ranchette o Arizona Amp And Alternador. Porque Gelb no sufre déficit inventivo: lanza tres o cuatro trabajos anuales con cualquiera de esas pieles.

Ahora prepara uno de duetos en el que participa Isobel Campbell, lo que ha dado pie a que la británica siga a Gelb en esta gira. En Granada, puso la nota decorosa con su violonchelo y una dulcísima voz, contrapunto del vocalista de Arizona, en un tórrido balanceo Gainsbourg-Birkin. Ella, más cerca de Bille Holiday que de los Belle & Sebastian ‘noventeros’ en los que empezó. La pareja interpretó en el tramo final del concierto algunas de las canciones del reciente disco que Campbell ha grabado con Mark Lanegan, destacando la reconstrucción de Honey child what can I do?.

Luego se encendieron las luces y la audiencia se trasladó al puesto de venta del sello Green Ufos, en la puerta del teatro. Muchos aprovecharon la oportunidad para comprar algunas rarezas de Howe Gelb, un tipo extraño, de humor seco, que nunca hace dos ‘shows’ iguales y que ganó algunas decenas de fans en Granada. Pero su mejor definición la escribió un cronista: “Howe Gelb tiene la dicción de Lou Reed, la entonación de Dylan, el riesgo de Tom Waits, la libertad de Thelonious Monk, la intensidad de Zeppelin, el sentimiento de Hank Williams y el ingenio de Lenny Bruce”.

Eduardo Tébar

Jerry González y Jorge Pardo: velada con sabor (Granada 02/06/2007)

2007-06-09T07:33:00.000Z

(Sala La Telonera de Armilla, Granada, 2 de junio de 2007)

Dos titanes del jazz. Dos mundos encontrados. Una pareja de talentos de grueso calibre, con inquietudes similares y gusto por la mezcla. El trompetista neoyorquino Jerry González y el saxofonista madrileño Jorge Pardo se reunieron en La Telonera, sala residencial para el primero, acostumbrado a tocar en Granada dos o tres veces al año. En esta ocasión, como todas, rezumando el aforo hasta la gota gorda.

El calor humano, constante en los conciertos de Jerry González, se une al ardor de sus actuaciones, cuya pureza se debe al compromiso intratable de experimentar hasta la anarquía. Desde su instalación en España, a rebufo de la película ‘Calle 54’, de Fernando Trueba, ha hecho de la mezcolanza una condición obligada. Entre ‘jazzeros’, flamencos y roqueros, Jerry busca infatigable “la clave” de la reinvención. Es un corsario de voz ajada y desafiante, “el último pirata del Caribe”, como le llamó el cineasta. Y así, siempre con modernas gafas de sol en lugar de parche, navega por el Atlántico con la obsesiva conquista de la música afroamericana.

Un ojo puesto en ‘Sketches of Spain’, que grabó Miles Davis inspirado en nuestra Semana Santa. El otro, en la libación del guaguancó cubano. La puesta de largo de Jerry González, ya sea con una ‘Big’ o una ‘Small Flamenco Band’, se nutre, por definición, del maridaje de la rítmica colorida con la tradición ‘bebop’ de Charlie Parker y Thelonious Monk, a quienes versiona con increíble rebrotar latino.

Este segundo ‘show’ anual de Jerry en Granada fue menos flamenco y menos eléctrico que los anteriores, aunque se eche de menos otra ‘jam’ con el portentoso guitarrista israelí Dan Ben Lior, habitual durante el invierno pasado en los locales de la ciudad. En cambio, Jorge Pardo llegó tras una fructífera etapa con Chick Corea y fue aplaudido con verdadera ansiedad. Sentado, a las órdenes del jefe filibustero, insertó su saxofón y su flauta dibujando tonalidades sobre la acelerada base festiva de la banda. Tinturas de ‘latin-jazz’ y bulerías que provocaron agitados sudores en La Telonera.

Jorge Pardo contemplaba el ambiente, se deleitaba, esperaba la aprobación de Jerry González y después intervenía. Y es que Jerry exige, eso sí, un minucioso buen hacer y abronca al que se despista. ¡Incluso si es del público!

Además de sus conocidas trompetas con sordina, Jerry González incrementó el ajetreo tocando el cajón, llegando a haber cuatro percusiones simultáneas. Junto al baterista Kike Ferrer como motor multilingüe, a quien vimos en ‘Habana Blues’, y una tercera estrella de la noche, Javier Massó, bautizado por Enrique Morente como ‘Caramelo de Cuba’. Massó es una de las mayores eminencias del piano que hay en el mundo, un mulato de sonsonetes ebrios y costeros. Ante la presencia de treintañeros ávidos de excitación, con un exquisito como Jorge Pardo y un calavera como Jerry González, imagínense la que se lió. Un banquete musical rico, rico.

Eduardo Tébar

Concierto de Jethro Tull (Atarfe 24/05/2007)

2007-05-27T08:11:00.000Z

¿Demasiado viejo para el rock and roll?

Parece una broma. Hace treinta años, Ian Anderson se sacó de sus mangas de indigente uno de los títulos más lapidarios de la historia: ‘Demasiado viejo para el rock and roll, demasiado joven para morir’. En cuestiones de rock, está claro que el tiempo es selectivo. Y casi siempre sardónico. Cuando publicaron el disco, Jethro Tull gozaban de acomodo en el floreciente rock duro de los setenta. Antes, habían experimentado con blues, jazz, folk y rock progresivo. Pero los escoceses destacaban por una cualidad tan vistosa como la mota roja en la bandera nipona: su cantante tocaba la flauta.

Anoche, Ian Anderson volvió a Atarfe tres años después de su anterior pisada en suelo granadino. Está a punto de cumplir los sesenta. Ya no es el hippie melenudo y taciturno que actuaba como un demonio inquieto en la Isla de Wight o en el ‘Rock and roll circus’ de los Stones. Ahora camufla su calvicie con un pañuelo, se permite un chaleco colorido y luce una perilla de señor atildado. Es un hombre de orden. Recientemente saboreó el éxito empresarial en el negocio de las piscifactorías de salmón.

A estas alturas del partido, Ian Anderson ajusta el repertorio a sus limitaciones vocales y físicas. Cantó muy poco. Y aunque conserva la mirada anfibia, sus estiramientos de rodilla pasaron a la historia y sus poses no son las de antes, cuando sacudía la flauta con la misma rapidez y sentido del espectáculo que Jimi Hendrix con las seis cuerdas. De vez en cuando, se esforzaba en rememorar la silueta que, sin duda, le pertenece en el diccionario gráfico del rock: la del flautista en acción con forma de hache.

Anderson estuvo acompañado por un grupo en el que destaca el veterano guitarrista Martin Barre, verdadero motor del combo, que lleva en Jethro Tull desde su debut en 1968. Barre ha sido la cruz de guía de varias generaciones de músicos amantes de la precisión, la limpieza y la versatilidad. Un cimiento de la era progresiva que coordinó al pianista y acordeonista John O’Hara, al bajista David Goodier y al baterista James Duncan. Repasaron todas las etapas, algo sencillo para un elenco de músicos catedráticos, preparados durante muchos años en disciplinas ‘jazzeras’ y de ‘world music’.

No les costaba mucho alcanzar las notas de Mozart, el musical ‘America’, el ambiente cinematográfico de ‘Sweet dream’ o el punto Dire Straits en ‘Budapest’. Sin embargo, más de uno hubiese firmado escuchar ‘Aqualung’ entero y prescindir de las veleidades del flautista, que dejó fuera mucho material que los seguidores cuarentones esperaban oír.

De todos modos, Ian Anderson sigue siendo un maestro de los arpegios con la guitarra acústica. Al agarrarla y gotear los primeros acordes de ‘My god’, resultó inevitable sobrecogerse ante la canción más completa de su joya discográfica ‘Aqualung’, en su momento prohibido en España. El tema, una letanía de rock duro que causó furor en 1971, asentó el cristianismo antisistema entre los roqueros.

Y es que los primeros trabajos de Jethro Tull fueron los que levantaron buena parte del concierto. El comienzo prometedor de ‘Someday the sun won’t shine for you’, la continuación con el aclamado ‘Living in the past’, el ‘hard rock’ comprometido de ‘Thick as a brick’ o la también setentera ‘Bourée’. Todo a la manera de la tercera o la cuarta edad del rock, que quizá hubiera brillado más ante las butacas de un teatro. El inmenso Coliseo de Atarfe se quedó grande.

Eduardo Tébar

Concierto de Roger Waters (Barcelona 21/04/2007)

2007-05-22T05:16:00.000Z

El espíritu de Pink Floyd invade Barcelona

Durante toda la tarde del sábado día 21 de Abril ya se palpaba en el ambiente que, una vez más, Barcelona iba a ser el escenario de un acontecimiento histórico, de esos que difícilmente se olvidan. A pesar de coincidir en el mismo fin de semana la celebración del Salón Internacional del Cómic y la Feria del Turismo en los pabellones de la Fira de Mostres de Barcelona, muy próxima al Palau Sant Jordi, la multitud de personas venidas desde todas regiones de España enfundadas en sus camisetas de Pink Floyd, no pasaban inadvertidas paseando bajo un sol espléndido camino del recinto donde Roger Waters iba a ofrecer el único concierto en España de su gira “Dark side of the moon 2007”.

Las giras de Roger Waters, tanto con Pink Floyd como en solitario, siempre se han caracterizado por su espectacularidad y por su parafernalia escénica. En este caso, nada más entrar al pabellón, enseguida se intuía que el eje central del espectáculo visual iba a radicar en una gigantesca pantalla ubicada en la parte trasera del escenario. La primera imagen que uno podía ver en ella era la de una mesilla con una botella de Johnny Walker, un vaso y una radio “vintage” sobre la que reposaba la reproducción en miniatura de un avión militar de los años 20. Así como se acercaba la hora del concierto, una mano con un cigarrillo entre los dedos se servía un wisky detrás de otro e iba sintonizando la radio en busca de alguna canción. Los temas que sonaron durante estos instantes previos fueron desde “School days” de Chuck Berry hasta “Dancing Queen” de Abba.

Sobre las 21:30h. el Palau Sant Jordi ya estaba repleto con 18.500 almas que enloquecieron cuando, tras el grito de “Eins, Zwei, Drei, Vier”, y coincidiendo con una brutal explosión pirotécnica, Roger Waters y su banda entonaron los primeros acordes de “In the flesh”. Fue tan grande la emoción de este momento que incluso pude ver a gente llorando y con las manos en la cabeza con gesto de incredulidad por el hecho de tener delante, y tocando en directo, a una de las piezas fundamentales de la historia de la música del siglo XX. Tras recibir una grandísima ovación por parte de los allí presentes, Roger continuaría con “Mother” y con un emotivo “Set the controls for the heart of the sun”, interpretada mientras al fondo iban pasando imágenes en blanco y negro de los primeros tiempos de Pink Floyd. No menos sentida fue la puesta en escena de “Shine on your crazy diamond” que, con la proyección de imágenes psicodélicas, fotografías del difunto Syd Barrett y una lluvia de pompas de jabón, servirían de homenaje al genio fundador de Pink Floyd. “Have a cigar” y “Wish you were here” fueron los temas siguientes tras los que se daría paso a un set compuesto por algunas de las piezas más emblemáticas de la carrera en solitario de Waters como “Southampton Dock”, “The Fletcher’s memorial home” y “Perfect Sense”, esta última con la impresionante voz de la corista Katie Kissoon y con la aparición de un astronauta volando por los aires. Hasta ese momento Roger Waters fue parco en palabras con el público pero iba lanzando guiños, sonrisas y miradas de complicidad a los espectadores de las primeras filas y de las gradas laterales más próximas al escenario.

Tras este primer bloque Roger por fin decidió dirigirse al público de manera directa para presentar “Leaving Beirut”, un tema bastante reciente dedicado a la hospitalidad de una familia que le acogió durante un viaje en autostop desde Beirut a Londres cuando tenía 17 años. La canción fue íntegramente escenificada en las pantallas traseras del escenario en forma de viñetas de cómic, con una sincronización perfecta entre lo que se escuchaba y lo que se veía y leía. La pieza que sonó a continuación fue “Sheep”, uno de los momentos estelares de la noche con la aparición de un cerdo volador completamente “tatuado” con todo tipo de pintadas reivindicativas y pacifistas, el cual iba pasando sobre las cabezas del público. Después de este espectáculo visual y musical, y de provocar el asombro de todo el mundo, Roger Waters se despediría momentáneamente para descansar antes de la parte central del show, la interpretación del álbum “Dark side of the moon”.

Si bien es cierto que toda la promoción de la gira está centrada en la completa puesta en escena de “Dark side of the moon” en directo, a mí personalmente esta es la parte que menos interés me despertaba de todo el concierto. Evidentemente tiene mucho mérito interpretar en vivo y de cabo a rabo todo un disco de cuarenta y tantos minutos sin pausas entre canciones, pero en la práctica totalidad de los temas Roger Waters simplemente es el bajista del grupo. La ejecución fue perfecta, digna de músicos de primera fila (a destacar el batería Graham Broad, el saxofonista Ian Ritchie, los guitarristas Snowy White y Dave Kilminster, este último ejerciendo también de vocalista, y las voz femenina de Katie Kissoon), pero musicalmente, en todo este set Roger Waters pasó completamente desapercibido. Aún así, tanto la escenificación como la interpretación de todos los temas fueron magníficas, dejando lugar a algunas desviaciones con respecto a los temas originales, lo cual también es de agradecer. Tras los últimos latidos de corazón que cierran la obra “Dark side of the moon”, la banda decía adiós a Barcelona con la típica reverencia conjunta de todos los músicos, retirándose a los camerinos.

Cualquiera que haya leído hasta aquí pensará... “¿Ya está?”... Efectivamente, la noche todavía no había acabado. Después de varios minutos de peticiones por parte del público, la banda volvía al escenario y Roger presentaba a todos los músicos que le vienen acompañando durante esta gira, alguno de ellos (como el guitarrista Snowy White) fieles a Roger desde los tiempos de “Animals”. Tras las presentaciones llegó una pequeña recopilación de clásicos del álbum “The Wall”, compuesta por “The happiest days of our lives”, “Another brick in the wall part II” (con referencias en las pantallas traseras al muro levantado por Ariel Sharon entre Israel y Palestina), “Vera” y “Bring the boys back home”. Si la primera parte del concierto fue tremendamente emocionante desde el punto de vista de la nostalgia y la pomposidad escénica, esta tercera no lo fue menos por toda la temática tratada y todo el aire crítico que se transmitía a través de las proyecciones. En ellas se alternaban imágenes de diferentes conflictos bélicos con las de personajes de la política del siglo XX y XXI, los cuales eran abucheados por todo el estadio. Y como no podía ser de otra forma, el show llegó a su fin con la siempre apoteósica “Confortably numb”, dejando a las miles de personas que allí estábamos suspendidos en una nube de magia, emoción y satisfacción de la cual a algunos nos ha costado varias semanas descender.

Pese a actuar únicamente uno de sus componentes, a mí personalmente el concierto me transmitió más emociones y me supo más a un verdadero concierto de Pink Floyd que aquellos aburridos conciertos de la gira “The division bell” encabezados por Gilmour, Mason y Wright. Es una lástima que, estando los cuatro todavía en plena forma, tengamos que conformarnos con verlos por separado; pero bueno, sólo nos queda esperar que algún día los astros se alineen y tengamos la oportunidad de ver una gira de regreso de los Pink Floyd de verdad, los de toda la vida.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Aterciopelados en Granada: el latido de la tierra (Granada 12/05/2007)

2007-05-14T08:35:00.000Z

El grupo colombiano Aterciopelados actuó por segunda vez en Granada, sólo siete meses después de su anterior visita, para presentar su brillante último disco, ‘Oye’. Esta vez en la Industrial Copera, un recinto más amplio y más invernado en conciertos de pop-rock que el recogido Centro Cívico del Zaidín. Aunque anoche compareció la mitad de la naranja, porque el bajista Héctor Buitrago se quedó en las Américas estrenando paternidad. Así que Andrea Echeverri concentró la dirección musical y pasional, algo que en directo resulta inevitable por su acentuado carisma.

La cantante latina, también madre desde hace poco, ha sellado patente con la diferencia, lo que no deja de pasmar en este proceso que vivimos de galopante globalización de modas. Aterciopelados gozan de un posicionamiento privilegiado en Estados Unidos. ¡Sin sonar a Strokes! Ni siquiera se apresuran a salvar el rock como White Stripes. Andrea vive lejos de la gran ciudad, montaraz entre vegetales. Cuida de su hija y practica yoga. Su música, aunque basada en los códigos del estándar pop, tiene un punto autóctono e intransferible de canto de la tierra, de bálsamo terapéutico procedente de viejos rituales precolombinos.

Su voz férrea empieza a modular roturas que recuerdan a Chavela, con todo lo emocionante que eso implica. Encima está guapa: se lo gritaron un centenar de veces. Y hace gala de un lenguaje propio; una poesía cuidada, inocente en forma y mordaz en fondo, con hábiles dardos de retruécano. Enemiga de la superficialidad, la Echeverri se pone sarcástica en este álbum para atacar el capitalismo en ‘Don Dinero’ (“cómo te quiero”) y el rol de la mujer como objeto sexual en ‘Oye mujer’. Una llamada a la esencia sobre la apariencia que también esgrimió con ‘El estuche’. Por cierto, antiguas o nuevas, la gente entonaba con igual memoria el repertorio de esta cantautora total, sublime, a su vez, cuando habla de amor (‘Insoportable’).

Con dos grandes orejas de atrezo situadas a ambos extremos del escenario, la vocalista vino a Granada para comunicarse y desear “que la felicidad les atropelle”, invocando buenos augurios con esos largos brazos que extiende y mueve como hélices. Secundada por una banda eficiente y limpia que toca para ella, dinámica en los ritmos –batería y percusión hindú– y étnica en matices como las flautas indígenas. Había mucho público español y algo de latinoamericano. Pero, como dijo Andrea, “en un concierto todos somos de la misma tribu”.

Eduardo Tébar

Concierto de Nick Cave (Málaga 22/04/2007)

2007-05-01T07:16:00.000Z

La voz de la caverna

El primer concierto peninsular de Nick Cave, con el monopolio del cartel y al margen de su intervención en el FIB años atrás, estuvo salpicado por la confusión hasta el mismo momento en el que se personó en el escenario del Teatro Cervantes de Málaga. Hace unos meses surgieron los rumores: el legendario líder de Birthday Party y ‘crooner’ oscuro por excelencia de los últimos veinte años podría actuar en la capital andaluza. Pasaron semanas hasta la confirmación de la hipótesis. En pocos días se vendió el aforo del recinto decimonónico, muy apropiado para el cabaret-rock decadente del australiano. Lo importante era ver en directo a una referencia incuestionable de la música contemporánea.

Ante un público selecto, desconcertado por lo que se iba a encontrar y procedente de distintos puntos del país, Cave apareció en compañía de la banda con la que acaba de publicar ‘Grinderman’, su reciente aventura paralela, para extraer lo mejor de su cancionero en retrospectiva. Nada más cerca de sus míticos Bad Seeds. Excepto el guitarrista Mick Harvey, que ya llevó a Málaga su trabajo en solitario el año pasado, las ‘malas semillas’ estaban representados en el Cervantes por el polifacético Warren Ellis -violín y guitarras-, el batería Jim Sclavunos y el bajista Martin P. Casey.

Cierto es que de por sí emociona el simple hecho de estar frente al cantante de las ánimas. El ‘bluesman’ del matadero parece rodeado de un aura divina: impone. Con su silueta alta y delgada, mostacho de pistolero tejano a lo Sam Bigotes y enfundado en traje de diseño. Elegancia calabresa para el perdón de los pecados.

Nick Cave tocó el piano casi todo el tiempo. Un enorme piano de cola, tan negro como sus textos, siempre plagados de metáforas sobre abismos y verdades incómodas. Unas veces con la sutileza del club nocturno en altas horas. Otras, como una tormenta de violencia. Porque presenciar al reinventor de ‘In the gettho’ es, ante todo, someterse a un vendaval de romanticismo. Tanto más por los contorneos de su compañero Warren Ellis, un Rasputin de la calaña de su jefe; barbudo y productor de sonidos con las cuerdas. Desde las butacas, pasaba por el violinista más famoso del celuloide, pese a no haber tejado ni cinc.

No obstante, el rapsoda dialogó con la audiencia entre tema y tema. Escuchaba cada una de las peticiones con cortesía, lo que tampoco le apartó de la rigidez del guión. Sonó ‘Tupelo’, sí, cuando correspondía. Y así un largo desglose de todas sus etapas -‘The mercy seat’, ‘Hallelujah’, ‘God is in the house’-, alternando tempos y dejando para una fase final el contacto con la guitarra. Para el recuerdo, la interactuación total con los presentes en ‘The lyre of Orpheus’. Tampoco se escapa la crudeza de ‘Henry Lee’ sin el frote de P.J. Harvey. Pero el comentario a la salida era elocuente: “¡Qué voz!”. No sabemos cómo cantaría Jim Morrison a los 49 años. Aplicaremos lo de los buenos vinos. La última se la tomó en Málaga.

Eduardo Tébar

Gran éxito de Karhe en Zaragoza (Zaragoza 23/03/2007)

2007-04-10T06:24:00.000Z

Sala Cabaret Pop, Zaragoza

Después de ganar el prestigioso premio al Mejor Grupo 2006 de los Premios de la Música Aragonesa KARHE actuaron de nuevo en Zaragoza para deleitar a sus muchos fans y asombrar y convencer a los nuevos que se acercaron a la elegante sala Cabaret Pop dejando a todo el mundo impresionado por su directo perfecto en ejecución y apasionado en su fondo y forma.

Desde el comienzo aquello fue el delirio, hacía tiempo que no veía en mi ciudad una cantidad tan grande de gente entregada en karaoke colectivo cantando y vibrando de ese modo con una banda independiente al margen de radiofórmulas y marketing, basado su éxito sólo en el directo, discos autoproducidos y difusión del boca a boca gracias a Internet y algunos medios zaragozanos.

Carlos Vellador vocalista de la banda salió elegantemente vestido con un traje negro y pelo recogido en un moño que posteriormente deshizo mostrando su melena más rockera y desde el principio hasta el fin se entregó sin límites bordando las baladas, dejando atónitos a todos con nuevas tesituras vocales en la más pura línea de Tom Jones y rompiéndose en los temas más metaleros como si de un Skid Row se tratara pero con su personal estilo puesto que no se parece a nadie, en realidad es sólo buscar un referente para situar su amplio registro de tonos y colores de voz.

Si el primer espada fue el más grande recreándose en la belleza de su arte, la banda fueron la cuadrilla idónea para el triunfo más apoteósico en plaza de primera con público exigente pero entregado. La guitarra, la batería y el bajo aportaron un sonido contundente y emblemático carácterístico de su personalidad tan llena de matices y contrastes entre el Rock y el Pop y el teclado las melodías de ensueño para las baladas. Un idilio que dura años entre banda y fans lleno de fidelidad y magia.

Una a una fueron sonando con seguridad y brillantemente canciones de éxito y otras menos conocidas, siempre presente la coordinación entre sus miembros sorprendiéndonos con dos temas nuevos de su próximo disco que saldrá en mayo de 2007 seguramente. Una de las canciones promete ser un pelotazo por su ritmo y estribillo contagiosos. Tiempo al tiempo.

Es difícil destacar una canción entre tantas que el público demanda y que son como himnos pero yo destacaría por su intensidad "Wild is the wild" que grabaron para el tributo que hicimos a David Bowie en Bunburyclub llamado Camaleones y que ya es un tema obligatorio por su éxito en directo y derroche de facultades vocales de su frontman. Pero no puedo olvidar los minutos más románticos con "Eterna y fiel","Sad Words" pasando sin descanso a la otra cara de su personal estilo que es el Rock como en "Evidencia o realidad"o "P vs. R".

Por si fuera poco todo esto que ya es bastante Raúl Estaún conocido por ser el realizador del DVD próximo de Gonzalo Valdivia de The Wall, vídeoclips de la banda entre ellos el ganador al Mejor Videoclip del Año 2005 en Los Premios de la Música Aragonesa y webmaster de www.karhe.net enriqueció el fondo de la escena con proyecciones multimedia que pusieron el marco artístico para tan magna obra musical. Pudimos comtemplar en una pantalla gigante al fondo del escenario bonitas fotos del grupo, logos en color del famoso símbolo de la banda,martillos y larvas en homenaje a The Wall, dibujos simbolizando las espinas amargas para ambientar el tema "Bitter Thorns" y unos muñecos andando juntos representando la unidad del grupo con una letra cada uno del nombre que forma KARHE.

Al final la gente pidió más y cantaron un bis terminando a pesar de dejar ganas de mucho más para dar paso a la programación de la sala en horario de noche.

El próximo 12 de abril jueves tocarán en acústico en Bodegas Almau para iniciar una nueva etapa en su andadura en la que presentarán su nuevo disco en los próximos meses y de ello daremos buena cuenta.

Los ingredientes básicos para que KARHE enganche como lo viene haciendo desde hace largo tiempo son estos: voz única en personalidad y arrebatadoramente potente, bella y amplia en tonos, atractiva imagen, actitud, dominio de la escena, banda que suenan en directo magníficamente y todo ello unidos a canciones con letras y melodías de calidad.

Susana Almarcha Mingote (SusanQ)

Concierto de Corcobado (Granada 23/03/2007)

2007-04-01T12:38:00.000Z

Corcobado, siempre (Sala Industrial Copera, Granada, 23/03/2007)

El festival Extratonauta 2007, que reunió en Granada a Niños Mutantes, Dorian, los Fantasma #3 de Julio de la Rosa y al galáctico Phil Hartnoll (Orbital), tuvo en Corcobado un inesperado plato fuerte. El veterano músico, poeta y novelista sonó escandalosamente bien un año después de su anterior concierto en la ciudad, más retrospectivo y accidentado.

Sin bises ni ambages, comenzó el desglose de su flamante ‘Editor de sueños’ con la instrumental ‘Invernadero’, una bacanal de ruido, rock n’ roll en vanguardia sideral, con ‘groove’ insistente y picos de ‘free jazz’. Primer puñetazo en la mesa para captar a los modernos atraídos por la sensación Dorian. En este último disco, Javier Corcobado se fija más en la canción que en el poema homérico. Por eso le salen temas tan pegajosos como ‘Todo empieza con un beso’ o ‘Susurro’, sin descuidar un más que solvente trabajo de instrumentos: guitarras ‘tormenta’, teclados MS 2000 de su musa (la ahora rapada) Paula Grau y la reincorporación del viejo lobo Javier Arnal, que en los noventa grabó las guitarras de ‘Arco iris de lágrimas’. Ha ordenado todo lo hecho hasta ahora y lo devuelve reluciente. ¡Que levante la mano el que no se estremeció al escuchar ‘Desde tu herida’ como si fuese escrita ayer!.

Bien escudado, a Javier se le ve en forma tras el letargo de vida espartana en la costa almeriense. Su pantagruélica puesta en escena ofrece alimento para todos los gustos, siempre emocionante, singular y con el alma a cuestas. Un ‘soul man’ inconformista, arrebatado, de imposible domesticación y deletéreo a escasos metros. Siempre maestro del rock vaporoso y chirriante con denominación ‘avant-garde’. Siempre él: Corcobado.

Eduardo Tébar

Concierto de The Yum Yums (Granada 04/03/2007)

2007-03-17T12:38:00.000Z

Punk-Powerpop de prescripción facultativa (Sala Planta Baja, Granada, 04/03/2007)

La visita de estos noruegos fue el mejor broche para un buen fin de semana de conciertos en la capital granadina. The Yum Yums supusieron una terapia de lujo para reanimar los cuerpos sacudidos durante las dos noches previas. La del domingo sirvió de quedada para músicos y activistas mods habituales en todos los garitos de la escena. También se acercaron los sucedáneos malagueños Airbag. Y con motivo, porque los nórdicos son para ellos algo así como el espejo frente al que se miran todas las mañanas. Ni que decir tiene que lo vivieron en primera fila casi tanto como el quinteto septentrional.

Muchos de los asistentes se acordaban de la memorable actuación de The Yum Yums en el Planta hace cinco años. Entonces ya eran presentados como la mejor banda de punk-powerpop de Europa, introducidos en España por el desaparecido Kike Turmix, que los publicó en su sello Safety Pin. Además, un ilustre madrileño de adopción como Paul Collins ha tutelado en cierto modo al grupo, en cuyas canciones es evidente la influencia de The Nerves y The Beat, aunque los Ramones siguen presidiendo su capítulo de referencias.

Liderados por el veterano Morten Henriksen, que canta como los ángeles y puntea las cuerdas como cualquier deidad del rock duro, los Yums tocan piezas de no más de tres minutos con una precisión nanométrica, en las que concentran toda la sabiduría de la música contagiosa para izar ánimos bailando. De esta parte se encargó la musa Vibeke Saugenstad, una estrella en Noruega. La hermosa rubia acaparó todo el protagonismo visual, porque encima regalaba sonrisas casi personalizadas. Gestos con los que iluminaba la negrura de la sala desde su posición en el teclado.

Y radiante es el repertorio de los escandinavos. Son buenos, es obvio, pero las tablas pesan mucho. Morten Henriksen tiene más de quince años de experiencia privilegiada, tanto en The Yum Yums como antes había aprendido junto a Steve Baise en The Vikings. Sus conciertos deberían estar recetados por los doctores para despejar dolores del alma y la atrofia en los huesos. Ya sea con clásicos a la fuerza como Come on, come on (dígase «jamón, jamón»), Here comes summer, la «ramoniana» Biggest man o la sugerencia vía Phil Spector de Baby (be my).

Eduardo Tébar

Concierto de Yann Tiersen (Granada 03/03/2007)

2007-03-11T08:57:00.000Z

Eclipse ‘Tiersen’ (Sala Industrial Copera, Granada, 03/03/2007)

Noche de luna llena y de eclipse en Granada. Noche con más calor de la cuenta y con ecos poéticos en las melodías de un francés rubicundo, juvenil y tímido de 36 años. Bajo ese “nimbo divino de plata”, que hubiese descrito Juan Ramón Jiménez, algo mágico pasaba.

La primera toma de contacto del músico multidisciplinar con el público granadino no pudo ser más apoteósica. Cinco días antes del concierto en la sala más grande de la ciudad, la Industrial Copera, se habían agotado todas las entradas. Algunos esperanzados acudieron a las inmediaciones del recinto con la fe depositada en el mercado subsidiario de la reventa. Con y sin ‘ticket’, todos se unieron en una cola kilométrica, escasamente iluminada por el fenómeno lunar, que convocaba a gentes de todas partes y de toda índole. ¿Qué tendrá la música de este franchute que gusta a nietas y abuelas?

Probablemente la profunda belleza de sus composiciones. Delicadas, sensibles, embriagadoras. Su papel de autor en las bandas sonoras de ‘Good bye Lennin!’ y, sobre todo, ‘Amélie’, le ha popularizado en sectores del extrarradio independiente. Conecta con un amplio abanico de personas que se declaran simpatizantes de sus portátiles orquestas emocionales.

Pero los menos introducidos en su discografía se llevaron una sorpresa. Yann Tiersen está harto de ser ese chico triste que toca pianos, acordeones y violines. El melancólico dibujante de postales sonoras se ha tomado un descanso para dejar paso un roquero con unas ansias rabiosas de comunicar. “El rock es la música con la que me he identificado desde que era adolescente”, contaba a los medios. Su formación dual, entre el conservatorio y las salas del circuito ‘underground’ parisino, le permite colgarse la guitarra eléctrica y pegarle hachazos con el mismo virtuosismo que pone en su piano académico.

Limpieza y sordidez. Refinamiento y desinhibición. La Europa de los Tiersen o Neil Hannon parece empeñada en asumir un legado doble. Se nota que el galo viene de un país con una tradición inmensa para la élite del pop y del rock n’ roll abierto a nuevas posibilidades, desde Boris Vian, Eddy Mitchell, Johnny Hallyday y un largo etcétera.

Guitarra al hombro

El francés se trajo una banda esencial de guitarras, bajo, teclados y batería. Con ella reinventó sus canciones más famosas adaptándolas a la clave rock. A veces psicodélico (las ondas Martenot de Chritine Ott protagonizaron gran parte del espectáculo) y otras cerca del punk-rock ‘nuevaolero’.

Yann Tiersen tiene la formación roquera que siempre soñó, contagiada de sus excentricidades, y con ella se atreve a cantar con más soltura. Mientras, Marc Sens saca sonidos rarísimos para lo que suele salir de una guitarra eléctrica, que además toca con arco (en Granada, incluso con ¡un globo!, que le lanzó alguien de las primeras filas), como Eddie Phillips (guitarrista de The Creation) antes de que Jimmy Page le quitara la patente.

Tiersen ofreció las versiones más crudas de ‘Bagatelle’ y ‘Monochrome’, en su día grabadas con la voz de Dominique A. Cogió el violín en contadas ocasiones para tocar clásicos de su repertorio, con movimientos de cintura de lo más lascivos, como ‘La crise’, ‘Le quartier’ o ‘Sur le fil’. Por supuesto, una poco reconocible construcción de ‘La valse D’Amélie’, y el obsequio de un nuevo tema, ‘La rade’, de genuino pop francés que le aproxima a sus cantautores contemporáneos, tipo Dominique A, tipo Benjamin Biolay. Porque Yann Tiersen se ha cansado de ser especial y quiere parecerse a todos.

Eduardo Tébar

Homenaje a Guille Martín: “Ráscale Guille” - Parte 3 - (Zaragoza 26/01/2007)

2007-02-27T05:26:00.000Z

Bunbury daba paso a otro gran amigo de Guille Martín y un referente de la música de nuestro país: Jaime Urrutia. Con su inconfundible pose, Jaime supo rodearse de buenos amigos esa noche contando con Amaral para tocar “Completamente feliz” o con Bunbury para recordar “¿Dónde estás?” la canción que les unió en un mismo estudio junto a Loquillo, Calamaro y por supuesto Guille Martín. Además también sonaron “Mentiras” y “Barbaridad” con Leiva al bajo.

Y si Jaime Urrutia es un referente, Aurora Beltrán, cantante de Tahures Zurdos, no podía ser menos. La rockera por antonomasia de la música española salió acompañada por Gabriel Sopeña para interpretar cuatro temas, uno de ellos en el que hacían mención a Guille Martín. También en otro tema se les unió José Lapuente cantante de Dos Lunas (ex Proscritos).

Si hablamos de estrellas rockeras, en un homenaje de tales características no podía faltar una de las grandes figuras del Rock en español. César Láinez lo presentó de una forma clara y sencilla: “Un tío con dos metros de huevos”. Evidentemente se trataba de Loquillo y los Trogloditas, otras de las actuaciones más esperadas ya que fue la última banda en la que estuvo Guille Martín y con la que grabó el DVD y CD “Hermanos de sangre”. Por esto mismo fue el grupo que más tiempo estuvo sobre el escenario escogiendo para la ocasión temas como “Arte y ensayo”, “Veteranos” (junto a Carlos Segarra de Rebeldes), “Feo, fuerte y formal”, “Cuando fuimos los mejores”, “Las chicas del Roxy”, “Rock ‘n’ roll actitud”… Además tuvieron un invitado muy especial, ya que Sabino Méndez se unió con su guitarra para poner la guinda en clásicos como “El rompeolas” y “Rock ‘n’ roll star” (en esta última, Jaime Urrutia también apareció para cantarla junto a Loquillo y Sabino).

Tras Loquillo, fue el turno de Los Cármenes otro grupo de Zaragoza con el que Guille Martín compartió, sobre todo con su guitarrista Nacho Estévez “El niño”, noches tocando por bares hasta las tantas de la madrugada. El grupo tocó “Dignidad” (tema de su primer y único disco) y “Para no olvidar” de Los Rodríguez.

La primera impresión que tuve al ver el cartel del homenaje a Guille fue de asombro total. Pensaba que alguien había hecho un montaje con el Photoshop y había seleccionado grupos y artistas imposibles de conseguir. Pero conociendo el temperamento y la amabilidad del guitarrista, era lógico que todos estos músicos se volcaran voluntariamente en la participación del mismo. Además el cariño de la gente hacia Guille no venía solo del mundo de la música, sino que había gente como el concejal zaragozano Luis Pastor que también quiso mostrar su afecto apareciendo en escena. Él fue el que unió en matrimonio a Guille y al amor de su vida, su mujer Gabi, que conoció en Zaragoza. Seguro que para ella fue una noche muy especial llena de emoción y recuerdos.

La noche del 26 de enero del 2007 sin lugar a dudas formará parte de la historia de la música de este país por congregar a tantas figuras sobre un mismo escenario. Aunque también quedará grabado en la memoria de todos por el regreso (en realidad nunca se han marchado) de una formación mítica zaragozana: Niños del Brasil. El grupo reaparecía con la formación básica, más la incorporación del guitarrista Jafi Marvel, después de 5 años sin pisar un escenario como Niños del Brasil para celebrar su 20 aniversario. Espectacular fue el sonido y la puesta en escena para tocar temas como “Al oeste” y “Party party”, además de una sorpresa en forma de versión adaptada al castellano del “Wonderful life” de Black que Santi Rex cantó a dúo con, según palabras textuales suyas, “uno de los mejores vocalistas de este país”: Javier Ojeda de Danza invisible. Sin duda alguna, la vuelta de Niños del Brasil uno de los grandes acontecimientos de este año que tendrá continuidad a partir de Mayo.

Javier Ojeda continuó en el escenario para presentar un par de temas de su primer disco en solitario “Polo Sur” en el que ha contado con la colaboración de Nacho Serrano (teclista de Niños del Brasil) en la producción o del bajista de Héroes del silencio Joaquín Cardiel. Javier demostró que, a parte de tener una gran voz, sobre un escenario siempre es pura energía.

Otros que no podían faltar eran el mítico grupo La frontera. Una actuación muy especial ya que Guille estuvo con ellos en la inolvidable gira de 1992 que daría como resultado el disco “Capturados vivos” uno de los mejores directos editados en España. Sonaron clásicos como “Viento salvaje”, “Cielo del sur”, “Juan Antonio Cortés” o la siempre aclamada “El límite”.

Más amigos que también quisieron unirse al homenaje fueron Lou Garx, que interpretó su tema “Caminando” y el argentino Andy Chango que para la ocasión eligió una mezcla de clásicos de Loquillo, Gabinete Caligari…

Los siguientes en salir fueron Rubén y Leiva aunque esta vez no lo hicieron para acompañar a alguien, sino para interpretar dos temas de Pereza: “Animales” y “Pelos de punta”.

Y como todo lo bueno tiene un fin, que mejor forma que hacerlo de la manera más emotiva. Como punto final, el hermano de Guille, Fernando Martín, salió para recordar la memoria de su hermano y agradecer la presencia tanto de músicos como de todas las personas que habían hecho posible este homenaje (incluido público). Fernando, entre lágrimas, comentó la relación tan especial que tenía Guille hacia Zaragoza y todo lo que en ella había encontrado. Junto a los componentes de Pereza tocó dos temas de Desperados, el grupo que tuvo conjuntamente con su hermano, además del clásico de Burning “Una noche sin ti”, dedicada a Johnny ya que Burning también estaban en el cartel de esa noche, pero por motivos de salud de su vocalista, no pudieron estar presentes. Y para terminar, como buen broche de oro, Fernando Martín invitó a subir al escenario a todos los músicos y gente que desde un lateral observaban el concierto para cantar todos a la vez una versión en español del “Dead flowers” de los Rolling Stone.

Al final, caras de satisfacción, entre el público, una organización perfecta y la sensación de haber vivido una noche mágica difícil de olvidar. Seguramente desde una posición privilegiada junto a Jimmy Hendrix, Brian Jones o Pepe Risi, Guille Martín se sentiría especialmente feliz viendo a tantos amigos juntos. Seguro que allá donde esté sigue rascando su guitarra celestial y montando una auténtica fiesta.

Texto: Juan Garrancho
Fotografías: Ángel Burbano - Aragón Musical

Homenaje a Guille Martín: “Ráscale Guille” - Parte 2 - (Zaragoza 26/01/2007)

2007-02-25T09:32:00.000Z

La noche seguía y una nueva formación subía al escenario. Era el turno para los antiguos Sullivans y renombrados De Vito que estrenaban proyecto sonoro entre la experimentación, la distorsión y las programaciones electrónicas. Una propuesta sorprendente que seguro dará mucho que hablar.

Clara y Santi Comet de Los peces también quisieron salir del agua para aportar su granito de arena con la interpretación de un nuevo tema que formará parte de su próximo disco y con una versión de “Flaca” de Calamaro que contó con Rubén de Pereza como invitado a la guitarra. De hecho Clara comentó una pequeña broma que Guille les hacía comentando que si alguna vez se juntaban Los peces con Pereza para tocar, el cruce podría llamarse “Pecera”.

Tras Los peces nuevamente los presentadores volvían a recordar a Guille mostrando en la pantalla el videoclip de “Rock ‘n’ roll actitud” extraído del directo “Hermanos de sangre” que grabaron Loquillo y los Trogloditas con la presencia de Guille en la guitarra. Aplausos y emoción tras la proyección del mismo.

La siguiente formación en aparecer fue el grupo Guisante constituido en su mayoría por ex integrantes del “Huracán Ambulante” más la presencia del cantante de Especialistas Santi del Campo al saxo, todos ellos capitaneados por el guitarrista del “Huracán” Rafa Domínguez. Posteriormente a ellos se les unió Juan Aguirre y La costa brava con Sergio Algora al frente.

La primera impresión que tuve al ver el cartel del homenaje a Guille fue de asombro total. Pensaba que alguien había hecho un montaje con el Photoshop y había seleccionado grupos y artistas imposibles de conseguir. Pero conociendo el temperamento y la amabilidad del guitarrista, era lógico que todos estos músicos se volcaran voluntariamente en la participación del mismo. Además el cariño de la gente hacia Guille no venía solo del mundo de la música, sino que había gente como el concejal zaragozano Luis Pastor que también quiso mostrar su afecto apareciendo en escena. Él fue el que unió en matrimonio a Guille y al amor de su vida, su mujer Gabi, que conoció en Zaragoza. Seguro que para ella fue una noche muy especial llena de emoción y recuerdos.

Los Gandules fueron los siguientes en subir al escenario y acomodarse… nunca mejor dicho lo de “acomodarse” ya que los componentes del trío, haciendo gala de su nombre, aparecieron luciendo batas como aquel que va por su casa. Pusieron la nota festiva y canalla con un popurri de versiones pero con las letras transformadas con un tono más humorístico. Revisaron temas como “La camisa negra” de Juanes, “Días de verano” Amaral (el público estalló en carcajadas cuando empezaron diciendo “No queda tinto de verano…”) o el mítico “Boys, boys, boys” de Sabrina.

Para quien seguro que también resultó ser todo muy especial fue para Amaral. Ya participaron en el homenaje de Guille Martín que se organizó en Madrid, aunque esta vez volvían para estar presentes en su tierra. Eva y Juan estuvieron acompañados con el hermano de Guille Martín, Fernando Martín, en los temas “Revolución” y “Toda la noche en la calle” y con los Leiva y Rubén de Pereza para rescatar un tema del primer disco, “No sé que hacer con mi vida”.

Labordeta puso el ecuador a la noche. El cantautor también quiso estar presente interpretando con su inseparable guitarra el tema “Recuérdame”.

Muchos eran los que esperaban la aparición de Bunbury sobre el escenario. Apartado momentáneamente de las intensas giras, Enrique hacía unas semanas que había concluido junto a Nacho Vegas unas actuaciones por México presentando su sorprendente disco “El tiempo de las cerezas”. Bunbury volvía a reencontrarse con su público trayendo consigo parte de la banda que le ha acompañado en los conciertos del disco de “El tiempo de las cerezas”. Siguiendo la estela de su compañero Vegas, Bunbury no se separó de su guitarra para, en sus propias palabras “celebrar una vida de Rock ‘n’ roll” y ofrecer temas como “Lady Blue”, “Los restos del naufragio”, “Puta desagradecida”, “Infinito” y “El viento a favor”.

Texto: Juan Garrancho
Fotografías: Ángel Burbano - Aragón Musical

Homenaje a Guille Martín: “Ráscale Guille” - Parte 1 - (Zaragoza 26/01/2007)

2007-02-24T23:41:00.000Z

Sala Multiusos, Zaragoza 26 de Enero de 2007

Sería largo y complicado nombrar todas y cada una de las participaciones que hiciera el guitarrista Guille Martín a lo largo de toda su vida. Pero más extenso y difícil aún sería intentar contar la cantidad de amigos y allegados que sentían un gran cariño y afecto hacia él. Y es que allá por donde iba, Guille contagiaba a cualquiera con su desbordante personalidad y simpatía. Incluso padeciendo un mal tan terrible como es un cáncer, Guille no dejó nunca la sonrisa de lado ni su espectacular vitalidad. Su prematura muerte fue un jarro de agua fría para todas las personas que llegaron a conocerle tanto a la guitarra como de forma personal. No es de extrañar que desde entonces el mundo de la música se haya volcado para homenajearle de la forma más grande posible. El año pasado ya se celebró en Madrid un concierto homenaje con grandes artistas, pero eran muchos más los que querían rendirle respeto así qué el 26 de Enero volvía a convocarse un nuevo concierto esta vez en Zaragoza, ciudad donde encontró todo aquello que andaba buscando. Además el concierto tenía la peculiaridad de que la taquilla recaudada sería donada a una asociación contra el cáncer infantil. Para la ocasión también se crearon camisetas y chapas con el lema “Ráscale Guille”.

Tal y como estaba previsto en el horario, el homenaje iniciaba su andadura a las 21 horas con Luis Roderas (presentador del programa televisivo “Alta tensión) y César Láinez (ex portero y campeón de la copa del Rey que el Zaragoza consiguió en 2004) como maestros de ceremonias y conductores del evento a lo largo de toda la noche. Una gran labor ya que muchos eran los invitados y amigos que pasarían por el escenario para recordar a Guille.

Los primeros en pisar el escenario fueron Los Twans que, ataviados con gorros árabes y gafas de sol, arrancaron con su rock enérgico (por ejemplo, sonó el “Rock n’ roll radio” de los Ramones) para calentar motores entre los asistentes que poco a poco iban llenando completamente el aforo de la sala (5000 personas) dispuestos a disfrutar de una velada que se auguraba muy especial.

Los segundos en aparecer fueron El galgo rebelde con Jesús López, uno de los mejores compositores de toda Zaragoza, al frente. Para la ocasión tocaron dos temas, “El galgo rebelde” y “Beatriz”, extraídos de lo que hasta la fecha es su único disco el cual ha conseguido elogios de artistas como Amaral o Bunbury.

Tras ellos llegaba Gonzalo Alonso “Gonso”, otro reputado músico de rock zaragozano que contó con amigos como Rafa San Hemeterio o Fernando Frisa, cantante de Los Cármenes para interpretar un par de temas.

Los Gandules fueron los siguientes en subir al escenario y acomodarse… nunca mejor dicho lo de “acomodarse” ya que los componentes del trío, haciendo gala de su nombre, aparecieron luciendo batas como aquel que va por su casa. Pusieron la nota festiva y canalla con un popurri de versiones pero con las letras transformadas con un tono más humorístico. Revisaron temas como “La camisa negra” de Juanes, “Días de verano” Amaral (el público estalló en carcajadas cuando empezaron diciendo “No queda tinto de verano…”) o el mítico “Boys, boys, boys” de Sabrina.

A continuación, detrás de un piano, aparecía otro de los músicos más reconocidos del panorama aragonés, Juanjo Javierre. El que fuera cantante del grupo Mestizos hacia gala de su potencial en directo. Además contó con la colaboración del guitarrista de Amaral, Juan Aguirre, para interpretar el tema que ya grabaran juntos en el disco de Javierre “Primera vuelta completa”.

Después de Juanjo, el escenario era ocupado por Cuti otro rockero de pro que, acompañado por la banda de los Reverendos, también desprendió energía sobre el escenario. Juan Aguirre también les acompañó en un tema.

Según comentaron Luis Roderas y César Láinez, muchos fueron los músicos amigos que se habían ofrecido para participar en este sentido homenaje a Guille, ya que el guitarrista se hacía querer con la gente que se cruzaba allá por donde iba, pero el tiempo y el espacio limitaban estas participaciones. Uno de los amigos que sin duda le hubiera gustado estar sobre el escenario esa noche fue Calamaro. Por motivos personales, Andrés no pudo asistir, aunque no obstante mandó un mensaje disculpándose y recordando a su amigo con el que compartió vivencias y experiencias en Los Rodríguez o en su etapa en solitario. Como pequeña aparición, sobre una pantalla gigante que colgaba tras el escenario se proyectó el vídeo de Calamaro “Corazón en venta”.

Texto: Juan Garrancho
Fotografías: Ángel Burbano - Aragón Musical

Concierto de Thunderbolts (Granada 26-01-2007)

2007-02-01T07:25:00.000Z

Nieve, bombas y truenos (El Tren, Granada, 26/01/2007)

El viernes hacía un frío que pelaba. Cuando nieva y encima los exámenes le soplan la nuca al estudiante de turno, es comprensible que uno opte por el calor del hogar. Digo esto para razonar la escasa asistencia a la sala El Tren (no muy céntrica, además), porque, en verdad, los conciertos granadinos tienen tres amplios sectores de público: músicos, periodistas y universitarios. En muchos casos, hay quien reúne todas esas condiciones. Pero en la cita con el súper-combo madrileñoneoyorquino faltó mucho de los terceros. No había ni que quitarse el abrigo, algo de vital necesidad en ocasiones normales.

Abrió Luís Rikardo Borrikero, que, con sus 'amigos farfollas', fue el amo y señor del escenario durante una hora. Parece mentira pero el telonero sí que congregó a su selecto club de fans, seguidores que se saben al dedillo sus letras macarras. Borrikero es bien conocido en la provincia, donde lleva más de una década dando guerra con actitud punkie, rock callejero de escuela madrileña y rasposa poesía urbana.

Por otro lado, los Thunderbolts reunían todos los componentes para arrasar como un huracán. Un grupo de colegas, ídolos y leyendas. Con lo mejor de cada casa, ahí estaban los hermanos Miguel (voz) y Fernando Pardo (guitarra), escuderos de la banda de rock más internacional del underground español: Sex Museum. Con Juancho Bummer, que también es el bajista habitual de Paul Collins, convertido en pieza de engranaje de la pandilla malasañera. Y con el punto intercontinental del megaguitarrista Ross The Boss y del batería J.P. Patterson (¡el tío iba con camiseta de tirantes y bermudas!), los dos fundadores de Dictators y base de la etapa ochentera de Manowar. Hard rock a raudales sobre las tablas.

Se juntaron casi sin darse cuenta para rendir tributo a Thin Lizzy y sus horas en el estudio se prolongaron más de la cuenta. Cuidado, que estos melenudos de más de cuarenta tacos tienen poco de coña semi-privada. Poseen todas las papeletas para asentarse entre las bandas de referencia en los próximos años. Por lo pronto, su disco presenta un repertorio impecable, con unas composiciones a la altura del mismísimo Andy Shernoff.

Semejante expediente permitió bordar un listado de canciones de gran altura en los parámetros de los setenta y ochenta. No olvidaron de dónde vienen: en la primera tanda podían reconocerse viejas grabaciones de Manitoba’s Wild Kingdom, Manowar y, por supuesto, Dictators. Más cerca del rock duro que del heavy, Ross The Boss concentró todos los objetivos fotográficos como la estrella que es. Y ya conocía la sala porque en 2003 paseó su gloriosa eléctrica en El Tren con los Dictators. Ahora, el conjunto Thunderbolts encaja a la perfección. La voz de Miguel Pardo sonó incluso mejor que en los álbumes. Fernando Pardo se mantuvo en un segundo plano con su crujiente guitarra rítmica y se marcó algún duelo con Ross The Boss de esos que flipan al personal.

Entre otras, tocaron Kings of metal, Who will save rock and roll?, la imperecedera Stay with me, la juguetona Let’s go, y un final apoteósico recordando a los de Phil Lynott, verdadero responsable del fenómeno Thunderbolts: se dejaron para el cierre The boys are back in town y Jailbreak. La mejor receta contra el frío.

Eduardo Tébar

Concierto de Máscara (Granada 20/01/2007)

2007-01-27T13:41:00.000Z

Nuevos tiempos (Planta Baja, Granada, 20/01/2007)

Por fin. El debut discográfico de Máscara es una realidad después de que, en el lejano 2005, ganaran el concurso Arte y Creación Joven del IAJ con el premio de la publicación. El álbum que la banda granadina presentó en un Planta Baja repleto se procesó de manera larga y puntillosa. En parte porque, para registrar la complejidad de su sonido, buscaron los estudios de grabación más cualificados (y solicitados) de la zona: El Refugio Antiaéreo y Producciones Peligrosas. Jota (Los Planetas) se fijó en ellos y por eso lanzan Imaginarium a través de El Ejército Rojo con la distribución de Pias.

Pero han tenido que pasar ocho años desde su formación: el tiempo tiene una cadencia muy particular en Máscara. Otros tiran la toalla. Ellos decidieron sacar adelante un grupo de rock mientras iban al instituto y a la universidad. Se han hecho mayores, aunque estos temas han crecido con ellos; retienen las ideas, los chispazos de genialidad y también las insatisfacciones del veinteañero moderno. Empezaron cuando Pearl Jam, Jeff Buckley y Radiohead eran mitos (unos más vivientes que otro), y eso les convenció de que no estaba todo inventado.

El lleno de la sala tenía el merito añadido de doblegar a la competencia. Dos calles más abajo actuaba el mismísimo 'Honest' John Plain, uno de los nombres más dorados y refulgentes de la historia del punk-rock británico. El fundador de The Boys o The Crybabys, respaldado por Antonio Arias y demás rockers procedentes de Barcelona, era un reclamo de sobrado peso específico.

El caso es que Máscara jugaron con la ventaja de participar en casa. Ahora bien, el público observaba el concierto con un silencio que excedía la contemplación respetuosa. Es de suponer que los allí presentes, entre los que había compañeros generacionales como Alice Moon, Diciembre, Chicago Rails, o los propios Expertos Solynieve, no cumplieron con la preceptiva escucha del trabajo. Menos mal que el cantante y guitarrista Nöel Ruíz tiene un gracejo natural, humilde, que suple lo difuso del mensaje escénico. Y la intervención sorpresiva de un quinteto de percusión, invitados para la ocasión, acabó por trabar el ritmo en los asistentes.

Seamos comprensivos. Imaginarium pasa por ser un estreno demasiado contundente y arriesgado para lo habitual en nuestro rock. Inverosímiles riffs y solos de guitarra en ejercicio de brain-storming por parte de Nöel y la finlandesa Jutta Järvenpää. El aperturismo instrumental, experimental y multiétnico de Santi Ramal, que se encarga de matizar percusiones, colorear el ambiente con teclados de juguete y soltar humo del djeridoo.

Dani Martínez es un enérgico bajista y elegante pianista de carrera. Y el batería Juan Manuel Melchor lleva lo suyo por herencia sanguínea, fue discípulo de Erik Jiménez y –todavía más– se dedica a la investigación del binomio música-matemáticas. Una rara avis, que decían los romanos.

Añadan la actitud del sexteto, absolutamente ajenos al reparto promocional y enemigos de la estandarización de fórmulas. Reivindican a Lagartija Nick, a Sou Edipo y a sus colegas Alice Moon. Y les gustaría, si fuera posible, parecerse a Slint: que alguien les imitara dentro de quince años.

Con estos ingredientes entenderán el abigarramiento caótico de Máscara. Llevar su música al directo requiere un importante galimatías logístico. Tanto que el mismo Pablo Sánchez (artífice del sonido de El Refugio Antiaéreo y de Enrique Morente) se trasladó a Planta Baja para dirigir la labor de mesa.

Y ellos, mientras, ponían sobre el tapete su orquesta eléctrica, con emotivas dosis de sinfonismo (Suco, Función de despedida), rabia (La técnica de Kaito, Mosca) y persistencia en estructuras imposibles (11/8). El tiempo, señores, que es diferente en Máscara.

Eduardo Tébar

Gran éxito de Gonzalo Valdivia y su "The Wall Performance" homenaje a Pink Floyd (Huesca 3 y 4/01/2007)

2007-01-15T18:11:00.000Z

Cuando el talento, virtuosismo, genética y arte se juntan con el trabajo serio y constante de dos años en el local y una banda fantástica sólo puede surgir un espectáculo audiovisual sin igual en este país y Huesca fue testigo de excepción de un concierto único en su concepción y ejecución que ya han disfrutado anteriormente otras ciudades importantes del país.

Durante los días 3 y 4 de enero en el Centro Cultural del Matadero lleno de fans amantes de la música de Pink Floyd, Gox Valdivia y Héroes del Silencio se pudo disfrutar de lo que en DVD gozaremos en el futuro gracias a Producciones Sivrada y Raúl Estaún (Ganador del Mejor Videoclip del Año por Voluntaria Crucifixión de KARHE) que grabaron para la posteridad.

Comenzó el show con el extraordinario tema “Chip” de Trigonometralla de Juan Valdivia de fondo mientras una presentadora virtual, Raisa, nos iba preparando para el comienzo real que enlazado con un atronador sonido de guitarras que hacían estremecerse en un perfecto diálogo entre Pablo Miquel con su Fender Telecaster y Gibson Les Paul a cargo de Gox nos introdujeron de lleno en el concierto en directo. Gonzalo Valdivia tocó dos Gibson Les Paul, una negra y otra rosa y de ellas extrajo el más bello sonido alternando la fuerza rabiosa del Rock con la delicada sensibilidad de los temas más lentos y dolientes.

Tema a tema The Wall fue cautivando al público desde el principio. Tres pantallas, una grande en el centro y dos más pequeñas a los lados recreaban pasajes de la película del mismo nombre que un día Alan Parker estrenó con la música de Pink Floyd de fondo tratando temas como la educación represora, el sexo, las drogas y la desesperación. Para seguir sin perder sentido las canciones abajo aparecen subtituladas todas ellas pudiendo entender sin problema su significado.

Además de las impactantes imágenes de dicho film cobran especial protagonismo las proyecciones multimedia del creador Víctor Recua, un artista digno de conocer por su labor y persona. Imágenes de telediarios, realities, película del Muro, dibujos animados, cuadros bellos y colores embriagadores en toda suerte de formas y texturas. Resulta muy difícil explicar el arte y más en este caso donde no hay tregua al descanso unas veces provocando en el espectador el análisis de la sociedad o política actuales y otras deleitando los sentidos por su belleza. También Nacho Valdivia sobrino de Gox colaboró con unos preciosos dibujos en este fondo visual aportando la visión de un niño.

Temas clásicos como “Another brick in the wall”, “Run like hell”,”Hey you” son algunas de las composiciones que pusieron al público de pie en la sala además de los momentos en que Gonzalo brilla especialmente en complicados solos de guitarra donde se pone de manifiesto que es un guitarrista increíble además de haber adquirido un nivel vocal realmente sorprendente. Desde el primer The Wall que pude presenciar en 2005 se ha podido ver a un artista en clara progresión ascendente consiguiendo una actitud rockera cuando hace falta, expresividad escénica interactuando con los actores de la compañía Jeribeque y recorriendo el escenario y sala en endiabladas carreras saltando al patio de butacas o haciendo brotar sonidos llenos de suavidad y dulzura bajo un foco de luz.

No puedo dejar de nombrar a todos y cada uno de los integrantes de esta fantástica banda: Pablo Miquel, una guitarra que complementa a Gox con un gran nivel y efectividad. Rosa Eva (Dream Eva)que da la réplica vocal a Gonzalo brillando a gran altura en solos y coros. Una voz importante. Esperanza (Queen Faci) al bajo siempre perfecta en su labor y presencia en escena. Carlos Staff a la batería con una contundencia y ritmo determinantes en la base musical del espectáculo. Gran acierto el haber incluído a un teclista, Hugo Romero, en estos dos shows donde temas como “Shine on you crazy diamond” llegan al corazón por la compenetración entre teclado y guitarra.

Mención honorífica también para los actores que reproducen algunos de los pasajes más emblemáticos de la película de The Wall. Pertenecientes a la compañía Jeribeque hábilmente dirigida por María Galindo van pasando de escenas llenas de sensualidad como en la que una prostituta coquetea con Gox hasta algunas llenas de violencia viendo cómo el protagonista de la película destroza una televisión, una lámpara que tira a la primera fila del patio de butacas y arroja ladrillos del muro de cartón que adorna el escenario después de rechazar la invitación de la prostituta. Un maestro anticuado y restrictivo es retado por Gonzalo haciéndole desistir en su empeño y entregándose a la música con un teclado que se cuelga al hombro. En otros momentos una anciana y una joven son sometidas a un juicio por parte del juez maestro. Su labor sirve para adornar más si cabe lo que el público ve y escucha, un concierto, una proyección de imágenes y una representación teatral.

Además de lo que es The Wall como concierto ante la petición de más por parte de todo el mundo que en pie aplaudía tuvieron la generosidad de ofrecer un bis que a todos encandiló por su extensión y adecuado repertorio: "Dogs", "Shine on your crazy diamond", "Wish you were here", "Time", "Money" y "Have a cigar".

Aquí acaban dos años de intenso trabajo y gira, Gonzalo Valdivia anunció tras el concierto del jueves un punto y aparte en esta experiencia. Desde aquí le deseamos toda la suerte del mundo en todo aquello que emprenda puesto que talento y apoyo no le faltarán.

Susana Almarcha Mingote (SusanQ)

Concierto de The Meteors (Granada 08/01/2007)

2007-01-14T10:28:00.000Z

Locura meteórica (Planta Baja, Granada, 08/01/2006)

Los británicos The Meteors, liderados por el carismático Paul Fenech, inauguraron el año de conciertos en Granada. La ciudad está cerrando los últimos ejercicios con una media de 1.500 actuaciones. Esta primera fiesta grande de 2007 corrió a cargo del trío inglés, que se encontró la sala Planta Baja casi llena y caliente en una noche de lunes para su única fecha andaluza.

Antes habían subido el termómetro los almerienses Los Sucios, que vienen practicando punk-rock desde hace cuatro años. Después los granadinos KO3, propuesta integrada por veteranos de la escena local (proceden de Pink Flamingos, Holefuckers, 500 Perros…), cuyo vocalista, Malo Morano, encandiló con sus maneras exuberantes. Bajó a cantar (o ladrar) entre el público un bestiario de canciones, herederas del extremismo del hardcore old school y de los compases sucios de Motorhead y Eddie Cochran, al que recordaron con "C’mon everybody".

The Meteors vinieron a celebrar sus 25 años de carrera. El aniversario fue breve –tocaron una hora– pero intenso. Los rockers congregados querían un espectáculo sudoroso y lo tuvieron. Frente a la fauna de cueros y tupés, el ultra tatuado Paul Fenech desprendió su habitual chulería. Él está de vuelta de todo. En 1980 creó el grupo mientras sufría el desprecio de la comunidad rockabilly de Londres, donde pocos aceptaban su corrupción de un estilo clásico con las disonancias del punk. Así parió el psychobilly.

Sus seguidores tienen un lema: Sólo los Meteors son puro psychobilly. Ellos, en efecto, apoyan la proclama; la han registrado como marca comercial. Son los reyes y pioneros del subgénero. La escasísima voz de Paul Fenech, a través de su dicción ininteligible, intenta mitificar los lugares comunes de Easy raider, o sea, la Harley y el nacido para ser salvaje. Y no es broma: lleva un cuarto de siglo entregado a la vida disoluta. Representa la fracción estética más turbia y macabra del rock & roll.

Cuando canta ajado y toca esa guitarra en permanente distorsión, ventila esquirlas cortantes. Fenech tiene el efecto de una navaja automática. Convierte en héroes a personajes sombríos. En su galería de los horrores se encuentran los asesinos Charles Manson y Mark Chapman (el que disparó a John Lennon). Llámenle herético, que él saca la lengua con cara de poseso.

Esa literatura negra resulta infalible con el bombeo del contrabajo y la cadena de acordes infectados de ruido. Tocaban Fire, fire y el público ardía. Poco importaban los errores de ejecución. Con más de 3.500 conciertos a sus espaldas y una veintena de discos grabados en vivo, saben que su esencia es la actitud. Lo de Granada fue una ceremonia infernal, en conexión directa con el show que Texas Terri ofreció hace tres meses en el mismo recinto.

Eduardo Tébar

Espectacular llenazo de Fito & Fitipaldis en el Palau Sant Jordi (Barcelona 01/12/2006)

2007-01-11T18:27:00.000Z

El hecho de que se agotaran las localidades de pista la primera semana en la que se pusieron a la venta las entradas, y que a mediados de la segunda semana ya no quedaran ni de grada, no fue más que un aviso de que lo que iba a suceder el día 1 de Diciembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona iba a ser algo muy grande. Y así fue, Fito & Fitipaldis ofrecieron un conciertazo de dos horas y cuarto largas ante 18.000 personas, quedando a la altura de cualquier estrella internacional.

A las 20:30 h, una hora y media antes del comienzo del concierto, ya estaban ocupados la práctica totalidad de los asientos del Sant Jordi. No es que los asistentes tuviéramos excesivo interés en ver al grupo The Zodiacs, los cuales actuaban de teloneros de Fito & Fitipaldis esa noche, sino que al no estar numeradas, los que tuvimos que adquirir entradas de grada por no poder conseguir de pista, no queríamos perder la oportunidad de ver el concierto desde una ubicación más o menos aceptable. Este hecho hizo que los nombrados The Zodiacs, una banda de esas de mucho ruido y pocas nueces más pendientes de las posturas y de mantener una actitud macarra que de la propia música, actuaran durante media hora frente a un aforo que muchos grupos consagrados quisieran para sí mismos.

Sobre las 22:00h se apagaban las luces y empezaba la proyección en las pantallas del Palau de una cabecera introductoria de dibujos animados instrumentada con música jazz, más propia del inicio del Show de la Pantera Rosa que del inicio de un concierto. En ella se podían leer unos títulos de créditos presentando a cada uno de los miembros de los reformados Fitipaldis, mientras una caricatura animada de Fito iba moviéndose de un lado para otro. Finalizada la introducción, aparecían sobre el escenario las sombras de Fito Cabrales y Carlos Raya debajo de dos inmensos focos coincidiendo con los primeros acordes de “Un buen castigo”. Si el Palau Sant Jordi tiene fama de no tener una muy buena acústica, y el sonido de los teloneros no hizo más que corroborar esa teoría, Fito & Fitipaldis debieron ser la excepción que confirma la regla porque desde el principio hasta el final desplegaron un sonido limpio e impecable que se escuchaba con total claridad desde cualquier rincón del recinto.

Durante una hora y media fueron sonando tanto temas ya clásicos de la banda (“Un buen castigo”, “La casa por el tejado”, “Wisky barato”, “Estrella de rock”, “Cerca de las vías” o “Para toda la vida”) como algunos de los temas de su último álbum (“Viene y va”, “Por la boca vive le pez”, “Me equivocaría otra vez”, “Sobra la luz” o “Como pollo sin cabeza”). Tras este primer bloque de canciones el grupo se retiraba, volviendo al cabo de 3 minutos para llevar a cabo el típico set acústico con todos los músicos sentados en taburetes en la parte frontal del escenario. “Rojitas las orejas”, “El funeral” o “Quiero beber hasta perder el control” fueron algunos de los temas que sonaron dentro de este mini “Unplugged” en el que también se incluyó “Callejón sin salida”, dedicado a los Estopa que debían andar por la zona V.I.P. Pero lo mejor aún estaba por llegar. El concierto se cerró con temas como “Abrazado a la tristeza”, “Deltoya”, la aclamadísima y coreadísima “Soldadito marinero” con estribillo final de más de minuto y medio cantado por el público, “Medalla de cartón”, “Acabo de llegar” y “Donde todo empieza” para finalizar.

A lo largo de todo el concierto el público de Barcelona se mostró muy entrgado, sobretodo la gran cantidad de adolescentes de genero femenino, las cuales se sabían absolutamente todas las letras y bailaban las canciones de forma asombrosa, mezclando una especie de twist y rock & roll a lo Pili y Mili. Jamás hubiera imaginado semejante aceptación de Fito entre la muchachada, y mucho menos entre las chicas, corriendo los tiempos que corren y siendo Fito más feo que mandar a la abuela a por droga. Supongo que será la consecuencia de salir en los 40 Principales.

En resumidas cuentas, Fito & Fitipaldis se salieron de una forma espectacular. Al margen de la indudable calidad de Fito, tanto en guitarra como en voz, en mi opinión, la renovación de los Fitipaldis con Carlos Raya, Candi Caramelo, El Niño Bruno y Joserra Semperena le ha dado al grupo mucha más fuerza y muchos más aires de gran banda. No en vano, todos ellos tienen un amplísimo currículo acompañando a artistas como Andrés Calamaro, Sangre Azul, M-Clan o Duncan Dhu, y realmente eso se nota sobre el escenario. Con respecto a Javier Alzola y su saxofón, simplemente decir que continúa siendo un pilar básico del sonido Fitipaldi. Un diez para todos ellos.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Concierto de Experimentos in da Notte + Santi Rex y Jafi Marvel (Zaragoza 08/11/2006)

2006-12-16T18:16:00.000Z

Pub “Mar de Dios”, Zaragoza 8 de Noviembre 2006

Muchas eran las expectativas creadas para el concierto de los valencianos Mar (www.marsiempre.com) y su presentación en Zaragoza el viernes 8 de Diciembre. Desafortunadamente una inesperada e imprevista gripe que atacaba al que tal vez sea el instrumento más insustituible de un grupo, la voz de su cantante Toni, provocaba que el concierto se aplazara hasta una próxima fecha aún por confirmar.

Todo podría haber quedado ahí, pero como se suele decir en estos casos: “A grandes males, grandes remedios”. Con un gran esfuerzo y fuerza de voluntad, Octavio Gómez (poeta y agitador cultural de Zaragoza) y Santi Rex (cantante de Niños del Brasil) idearon en un breve margen de tiempo un nuevo cartel para guste y disfrute de todos los que se acercaron al pub “Mar de Dios” (C/ Tenor Fleta nº8) en la noche del viernes. Un pub cuyas dos plantas se encontraban rebosantes de gente animada por poder presenciar la prometedora música de Mar, aunque el cambio de planes no alteró los propósitos de los que estaban dispuestos a pasar una bonita velada de música y poesía.

Alcanzadas casi las 23 horas, sobre el escenario y luciendo orgullosamente una camiseta de Las novias (www.lasnovias.org) hacía acto de presencia Octavio Gómez acompañado a la guitarra acústica por Pablo Malatesta para presentarnos su proyecto poético “Experimentos in da notte”.

Cubierto entre luces azules, verdes y rojas, Octavio empezó a recitar uno de sus poemas mientras Pablo adornaba sus palabras con los acordes de su guitarra. A partir del segundo poema, Pablo Malatesta pasó al teclado y se les unió Jaime Stereant a la guitarra eléctrica dándole una mayor ambientación a los poemas que intensa y dramáticamente Octavio iba desgranando. Entre los descansos y aplausos que precedían cada poema, Octavio presentaba sus versos dedicándolos a poetas como por ejemplo su amigo y maestro Manuel Vilas, comentando como habían surgido o simplemente explicando algunos detalles de los mismos. A lo largo de su actuación pudimos escuchar poesías como “Yo seré el primero”, “No te vayas” o “Nací con el regalo de estos dedos dorados”, éste último inspirado en su amado Leonard Cohen con “Tower of song” sobrevolando entre sus palabras. Una sesión de spoken word que dejó maravillados e hipnotizados a todos los presentes.

Casi sin pausa para el descanso el turno ahora era para Santi Rex al micro y Jafi Marvel a las guitarras y programaciones. Rescatando el siempre vigente legado de Niños del Brasil, el dúo empezó su actuación con “Décima víctima”, tal vez uno de los temas menos conocidos del grupo incluido en su disco “Mundos en eclipse”, pero que no por eso deja de ser toda una experiencia escuchar en directo su letra con una clara alusión al suicidio.

Dejando un lado la seriedad del tema, la primera sorpresa llegaba con una estupenda versión del inmortal “Heroes” que Santi Rex, junto a los programadores “Mecanismo”, grabaron para un reciente homenaje a David Bowie llamado “Camaleones” y que promovieron los chicos de www.bunburyclub.com.

Tras esta fantástica versión (con una parte de la canción cantada en alemán), nos teletransportaban a la época del segundo disco de Niños del Brasil, “Mensajes al viento”, para regalarnos temas tan conocidos como “Pasión”, “Recuérdame” y especialmente “Sed de venganza” que el público no paró de cantar. De hecho ya que menciono a los allí presentes, no puedo pasar por alto que entre los espectadores se encontraban caras conocidas como Mariano Casanova (cantante de Distritocatorce: www.distritocatorce.com), Ainhoa Tilve (presidenta del club de fans de Las novias: www.lasnovias.org), Susan Q (presidenta del club de fans de Karhe: www.karhe.net), Quique Mavilla (bajista de Distritocatorce, El galgo rebelde y del disco de Bunbury y Vegas “El tiempo de las cerezas”) o incluso el propio Nacho Serrano, compañero de teclados y programaciones de Santi en Niños del Brasil.

Tras estos tres grandes temas, Santi y Jafi nos volvían a sorprender con una nueva versión, esta vez de Leonard Cohen que también se grabó para otro tributo titulado “Disparen a Cohen” y editado por www.confesionesdemargot.com.

Con el público ya ganado, les llegó el turno a tres clásicos imprescindibles en la discografía de Niños del Brasil: “Las curvas del placer”, “Mentiras” y “Amor y espinas” muy bien recibidas, especialmente esta última con el público acompañando a Santi en cada una de la estrofas. No es de extrañar que un gran tema así siga teniéndose en cuenta por grupos como Mar los cuales lo han incluido en su primer disco (también con la participación de Santi en los coros). Seguramente la actuación de Mar hubiera contado con la presencia de Santi en esta canción, pero el infortunio ha hecho que tengamos que esperar hasta una nueva fecha que esperemos llegue pronto.

“Amor y espinas” cerró la actuación, aunque no la fiesta ya que tanto Octavio Gómez como Santi Rex, en un mano a mano, nos brindaron una excelente sesión de música tras la cabina. Por los altavoces pudimos escuchar grupos como Las Novias, Héroes del silencio, Luxury Beat, The Misión… y por supuesto Niños del Brasil. Todo un lujo.

Texto: Juan Garrancho
Fotografías: Ainhoa Tilve

Concierto de Wilko Johnson (Granada 23/11/2006)

2006-12-03T18:56:00.000Z

Doctor Wilko (El Tren, Granada, 23/11/2006)

El Alhambra Blues se ha saldado este año con nota. Y alta. El evento hermano del Festival Internacional de Jazz de Granada verifica una vez más que las músicas de raíz sobreviven a los tiempos y a las modas. Al menos en esta provincia, la única del país con dos certámenes internacionales de jazz y un sólido circuito de bandas y locales con programación regular. Amén de la Blues Band de la ciudad, que cumple ahora su vigésimo aniversario. Hay a quien le sale urticaria con la sola idea del concepto instrumental o asiente cuando oye que el blues naufragó en el ostracismo. Pero cada año 60.000 personas pagan una entrada en Granada para ver un concierto de jazz. Y la sala El Tren se llenó la semana pasada con el directo de El Doghouse de Tom Lardner y Richard Dudanski y la leyenda del rock de cubículo Wilko Johnson.

Hubo un tiempo en el que Ian Dury y Richard Hell rivalizaban por la misma mujer y por las medallas al punk iniciático. Corría la década de los setenta y en los antros británicos coincidían bandas como Blockheads o Dr.Feelgood, con sudorosas sesiones de guitarreo en las que los cables cercaban las cervezas del público. Fue lo que se dio en llamar pub-rock. Los doctores 'biensentidos' encabezaron el movimiento. Su Stupidity figura entre los 25 discos grabados en directo más destacados de la historia. Pues bien, el guitarrista de los Feelgood era Wilko Johnson: para muchos, el mejor rítmico del mundo.

Su técnica nada tiene que ver con la multiplicación de escalas por segundo. Él rasca y canta. Trotón, como la cadencia del blues, a la que inyecta la adrenalina del que vive cada noche como si fuera la última. Wilko, de negro y viudo desde hace dos años, conoce muy bien los secretos del buen imán de atenciones. Sus dedos desafían la propia naturaleza humana y apuntan desde la quiromancia. ¿Cómo puede hacer un solo frenético sosteniendo un simple acorde en el mástil? Magia, señores. Suenan dos guitarras y en el escenario hay una. Y él la acaricia, juega con ella, la frota, la palpa, acelera la biela, cambia de postura… Sí, la toca como a una mujer.

Aunque su cabellera ha desaparecido y en su rostro se vayan acumulando pliegues, Wilko Johnson mantiene la misma mirada esquizoide de toda la vida. Se mueve como un teledirigido al que aumentan y reducen la velocidad caprichosamente. Su voz contribuye a la apariencia marciana: negroide y de ningún sitio. Y encaja a la perfección en un repertorio que se ciñe a lo más básico, el lenguaje del rythm n' blues que aprendió de tanto escuchar a Mick Green. "Quien no conoce a los maestros está condenado", sentenciaba antes de la actuación.

En su último disco recoge temas de Van Morrison o del Bob Dylan electrificado en la Autopista 61. Pero en directo la apuesta es infalible; rodillo anfetamínico de Chuck Berry y a bailar al compás de Bye-bye Johnny o Route 66. Porque bailoteó todo el mundo –los que salen, critican menos, dejan en casa la bata, las zapatillas y el maniqueísmo para levantar la vida musical de su tierra–, hasta algún gurú local del rock n' roll comentando entre la muchedumbre: "Los americanos son muy completos, pero los ingleses tienen esto".

Mención aparte para los acompañantes de Wilko Johnson. El solvente batería Monty y el acharolado Norman Watt-Roy (ex Blockheads) en el bajo, con unos dedos larguísimos y una ejecución virtuosísima. Según su jefe, uno de los cinco grandes bajistas que han existido. Exquisito y palpitante para haber empezado en las cloacas del rock. De eso sabe mucho Wilko, que llegó a compartir piso con John Lydon, Joe Strummer y Billy Idol. Cuando el cantante Lee Brilleaux abandonó este mundo murieron muchas cosas, pero no el alma de Dr. Feelgood.

Eduardo Tébar

Concierto de Diamond Dogs (Barcelona 28/10/2006)

2006-11-18T20:55:00.000Z

Cuando hablamos de Suecia lo primero que nos viene a la cabeza son las turistas rubias paseándose en bikini por las playas de Benidorm y los muebles baratos de esos que se monta uno mismo. Pero, ¿alguien al hablar de Suecia piensa en rock and roll?... Pues eso son ni más ni menos los Diamond Dogs, unos suecos que hacen y rezuman rock and roll por los cuatro costados, y que consiguieron meterse en el bolsillo a los aproximadamente 1000 espectadores que llenaron la Sala Apolo 2 de Barcelona la noche del último sábado de octubre.

Todos los carteles anunciaban la apertura de puertas de la sala a las 20:30 h., pero a las 20:15 h. ya estaban sobre las tablas The Dexateens, unos jovencísimos teloneros que reventaron los tímpanos del personal con más decibelios de lo normal en sus amplificadores interpretando un rock callejero, sucio y beodo al más puro estilo de Jet o The Strokes. En el rato que tuve la oportunidad de verlos rompieron dos cuerdas cada uno de los dos guitarristas y tuvieron que despedirse con un “No more strings, no more songs”... Es la otra cara de la rock and roll, una actuación que tiene que finalizar antes de lo previsto por no disponer de cuerdas, y en la que los propios músicos fueron los encargados de recoger sus instrumentos, sus amplificadores y hasta los cascos de las cervezas que se bebieron. Sólo les faltó pasar la escoba.

A las 21:00 h. salían a escena los protagonistas de la noche, unos renovados Diamond Dogs cuya formación fue un tanto diferente a la habitual. En ella únicamente figuraba un guitarrista, el cual no era el mismo que ha participado en la grabación del último trabajo del grupo de título “Up the rock”. Escuchando el disco uno aprecia un ligero cambio en el estilo musical de la banda, un tanto alejado del rock & roll de The Faces o The Black Crowes con los que siempre se les ha comparado, y mucho más próximo al David Bowie más rockero y festivo. En él, a diferencia de los primeros discos, la guitarra queda en un segundo plano siendo los teclados y el saxo los instrumentos principales de la práctica totalidad de los temas. Todo esto se vio reflejado en el directo.

Para este concierto los Diamond Dogs eran cinco: los tres miembros fundadores del grupo, es decir, el vocalista Sulo, el teclista Henrik Wldén y el batería Jasper Karlsson; además del bajista Johan Johanson, el saxofonista Magic y el ya nombrado guitarrista suplente o contratado Lars Added. Sea cual fuere la formación, el grupo estuvo a un nivel excepcional y fue ganándose al público canción tras canción ayudados por el carisma y la simpatía de su líder Sulo, totalmente empeñado en hacer participar al público en la fiesta cantando los estribillos de las canciones y haciendo repetir el nombre del disco hasta la saciedad como si de un grito de guerra se tratase. El resto de los músicos, a excepción del guitarrista que daba la sensación de que se encallaba un poco y que tuvo algunas dificultades con el bottleneck, rozaron la perfección.

En una hora y media de concierto los allí presentes tuvimos la oportunidad de escuchar tanto la mayoría de los temas del nuevo disco como algunos ya clásicos de los Diamond Dogs. Fue una actuación corta pero intensa. Es el problema que tienen los conciertos celebrados en recintos pequeños de Barcelona durante los fines de semana, que una vez finalizados, las salas de conciertos se convierten en salas de baile o pubs musicales y se respetan al máximo los horarios marcados sin dar lugar a posibles bises de los grupos. Así pues, a las 10:30 h. se daba la actuación por acabada. Supo a poco pero dejó un agradable sabor de boca a todos los asistentes que nos fuimos esperando el regreso de estos suecos al país del sol para volver a disfrutar de otra noche de rock & roll con Sulo y sus muchachos. Up the rock!!!.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Concierto de Bruce Springsteen (Granada 22/10/2006)

2006-10-27T19:29:00.000Z

¡Jefazo!. Crónica de un evento histórico

"Deberías ir a Granada, es una ciudad maravillosa", rumorean que le recomendó Michael Stipe (cantante de REM) a su amigo y compañero de cruzada anti-Bush Bruce Springsteen. El roquero recogió el consejo y hace escasas horas culminaba su enésima visita a España, esta vez con la capital de la Alhambra en el itinerario. En su único encuentro con la prensa reconocía no saber "nada de Federico García Lorca" y, de inmediato, la voluntad de querer "saberlo todo" sobre el 'poeta en Nueva York' y mártir de la Guerra Civil española. The Boss se sorprenderá por los paralelismos: también Lorca era trovador urbano. ¿No tiene miga después de que Lou Reed, Bob Dylan, Patti Smith o Leonard Cohen hayan peregrinado a la Huerta de San Vicente guiados por los pasos del poeta granadino?.

Es el lado romántico, qué digo yo, literario, de un acontecimiento histórico para una ciudad que poco a poco eleva su techo convocante. Springsteen se puede permitir muchas cosas: vilipendiar al gobierno más poderoso del mundo, entrar en la Basílica de San Francisco de Asís de madrugada para que le expliquen los cuadros de Giotto, desplazarse a sus destinos en su jet privado… Pero su actuación en Granada –la única en Andalucía– significó un amor a primera vista: más de dos horas de concierto, de miradas cómplices y de embrujo. "Una ciudad muy entusiasta", explicaba en la Plaza de Toros.

Esta gira es excepcional, a la lumbre de una banda grande, multitudinaria, con diecisiete músicos con los que se puede tocar de todo. La Seeger Sessions Band es un capricho único, seguramente irrepetible, que lustra a un icono del rock capacitado para actualizarse. El plantel, con guitarras, banjo, piano, violín, acordeón, metales o coros gospel, aglomera el cruce de culturas y músicas de Nueva Orleans. Como aquellos nómadas irlandeses, españoles, franceses, criollos, antillanos o africanos, la orquesta de Bruce Springsteen suena a trote indoeuropeo con aires celtas, ritmos zydecos, esencia de folk americano y vibrante ragtime. Vamos, una 'big band' de folk and roll, en resumidas cuentas. No obstante, 'We shall overcome' está grabado en directo. Y El Jefe, a sus cincuenta y siete años, parece cualquier cosa menos un abuelo. En Granada, por cierto, no estaba su mujer y componente de su grupo Patti Scialfa. "Los niños están en el instituto y no podían quedarse solos".

El escenario, dispuesto a modo de salón con cortinaje y lámparas arácnidas (echándole poca imaginación pueden regresar del túnel del tiempo Louis Armstrong y Huey "Piano" Smith), resulta de lo más cálido e intimista. Lo que pasa es que, en una Plaza de Toros con 11.000 personas, intimidad hay poca. Pero el de New Jersey sabe conducir un recital sin que nadie se descarríe: al que se despista lo mira fijamente agitando su mano para que entre en su "café-bar".

En este último disco (el mejor en… mucho tiempo), Bruce Springsteen renueva el legado de Peete Seeger, unas composiciones que son como la ropa que se hereda de un hermano mayor. Canción protesta que acoge al agredido racial, al desheredado, al perdedor de clase media… Postulados simétricos encauzados en esa tradición de búsqueda de la identidad norteamericana, la de las carreteras tronadas que no saben a dónde van, la de la Generación Perdida de Hemingway, Dos Passos y Steinbeck. Ha pasado mucho tiempo desde la II Guerra Mundial y el autor de la bruma de 'Nebraska' denuncia los recortes de los derechos civiles más elementales. En realidad, son los presupuestos del primer álbum de Springsteen, aquel directo de 1973: ponerle banda sonora al pueblo, comprometido desde la tribuna de una banda de rock que llene estadios.

Luego, los esquemas sindicales se convierten en fiesta. La voz aguardentosa de Springsteen pone a bailar hasta al taquillero. La fanfarria de los músicos embriaga y deja regusto de melopea de consuelo en la taberna.

Sí, tocó 'The river' como un 'gipsy' en horas bajas. Dedicó 'Promised land' a los andaluces. Nos meció con el clásico 'When the saints go marchin' in' como lo hacían las barcazas del Mississippi. Exclamó "¡fantástico Granada!" antes de desaparecer. Y uno se queda pensando si su guitarra es una máquina de matar fascistas.

Eduardo Tébar

Concierto de Santi Campos (Granada 20/10/2006)

2006-10-22T13:33:00.000Z

Los Amigos Imaginarios: canciones invernales, músicos calientes

Engrosando la nómina de cantautores españoles que visten sus textos con los ropajes del pop-rock clásico, Santi Campos lleva dos años haciendo méritos para ganarse el cielo. Su prolífica cosecha de este último periodo le confirma como un valor imprescindible del panorama estatal. Él lo achaca a que, para 'El invierno secreto', ha encontrado la banda que siempre soñó tener. Los Amigos Imaginarios son para el castellonense barbudo lo que Crazy Horse para Neil Young o The Band para Bob Dylan. Y eso después de veinte años de búsqueda en formaciones como Malconsejo o The Shannons.

Los Amigos son la guitarrista y corista Ester Rodríguez, el bajista Jesús Montes y el batería argentino Sebastián Giudice. En La Telonera faltó el teclista Charlie Bautista, lo que demostró la versatilidad de Santi Campos y su grupo, que suplieron magistralmente el barniz del Hammond con resolutivos embates de Fender. Incluso consiguieron que un tema tan 'raydaviesiano' como 'Mi mitad oscura' se mantuviera en Music Hall sin la ayuda del piano y del trombón.

Cayeron bien el guiño a 'Pulp fiction' y la radiable versión en castellano del 'The days I used to be' de Neil Young –a su vez préstamo de 'My back pages' de Dylan–, y es que uno de los pasatiempos de este músico afincado en Madrid es tocar canciones de otros como "juego doméstico".

Las composiciones de Santi Campos repiten insatisfacciones, relatan el trayecto árido hacia una felicidad que nunca llega, pero sin melindre. La balanza se compensó con el gusto por la canción y las guitarras vitamínicas. La voz de Ester recubrió todo con una dulzura que se tarareaba. La vitalidad ganó. Y el espectáculo también. Todo esto en un ambiente distendido y de inusitado tuteo con el público, que si bien desconocía su cancionero, lo analizaba sobre la marcha invitado por los astutos preludios del artista.

Cerca de Lapido, de Quique González, de Fernando Alfaro ("cuando no se pone demasiado bíblico"), del "Padre Nuestro" Josele Santiago, aunque con referentes anglosajones (hay alusiones entre líneas a Ron Sexmith y la sombra de Elliot Smith es visible), Santi Campos y Los Amigos Imaginarios animan, fortalecen y esperanzan.

Eduardo Tébar

"The Wall Performance" en Gran Canaria (Las Palmas de Gran Canaria 27-28/04/2006)

2006-07-06T18:36:00.000Z

Gonzalo Valdivia y la banda que ha reunido con el fin de tributar a una de las mejores bandas del rock psicodélico de todos los tiempos -Pink Floyd-, visitaron la isla de Gran Canaria, concretamente su capital: Las Palmas de Gran Canaria, el fin de semana del 27 y 28 de abril del 2006, para ofrecernos dos conciertos llenos de las mejores intenciones de unos músicos muy implicados y con ganas de hacernos revivir la gran obra de Roger Waters “The Wall”.

La primera noche, si no mal recuerdo, comenzó con la introducción del tema de Juan Valdivia Navarro “Chip”, de su majestuoso álbum “Trigonometralla”. Durante este primer bolo hubo algunos problemas técnicos, pero pese a ello fue mágica esa actuación, tuvo su encanto, brilló con luz propia. El tema “Time” se dejó caer como paréntesis para subsanar esos problemas técnicos y pese a que éste irrepetible tema no pertenezca a “The Wall”, sino al álbum “The dark side of the Moon, sería fantástico que nos la regalaran Gonzalo y su banda. Ésta primera noche se tocaron casi todos los temas de la obra magna de Roger Waters “El Muro”, y todos los que estuvimos allí presenciamos con intensidad un espectáculo ofrecido por unos músicos muy precisos y profesionales que salvaron perfectamente las vicisitudes que se dieron lugar, con gran elegancia, notándose que sus músicos tienen un importante rodaje.

La segunda noche también se abrió con “Chip” de “Trigonometralla”, como introducción. Éste último bolo fue mucho más perfecto, técnicamente hablando, además los músicos estuvieron más precisos y seguros sobre el escenario. Personalmente me fascinó la voz de Dream Eva, dulce, muy bien modulada, clara, potente, en general una brillante voz que brilla con luz propia. Los bajos de Queen Faci, muy precisos y una gran sensibilidad al piano, Pablo Mikel un guitarrista con muchísimo feeling y con una gran técnica, Carlos un batera que promete mucho, el cual nos hizo disfrutar con sus maravillosas baterías, muy bueno este chaval la verdad, por cierto ha sacado un disco con su banda Staff “Tras mis pies” que está genial, con unos toques funkys fusionados con guitarreos eléctricos rockeros de los que nos hacen subirnos la adrenalina. Gonzalo, es el Gonzalo que hemos escuchado desde siempre en su proyecto El Alquimista o Trigonometralla, un Gonzalo el cual posee la herencia de su hermano Juan Valdivia, del que desde su guitarra Gibson Les Paul notamos la gran admiración que le tiene al irrepetible Juan Valdivia. La voz de Gonzalo estuvo durante ambas actuaciones filtradas con un efecto bastante curioso y agradable, el cual daba volumen a su voz.

En resumen decir que llevaron a cabo las canciones de “The Wall” con mucha precisión y respetando la obra auténtica, pese a que pusieran los músicos su sello en pequeños detalles de este performance de “The Wall”. En general la gente que asistió a ambas actuaciones quedó muy contenta con el espectáculo.

Todos lo que componen “The Wall Performance” son personas muy agradables y muy implicadas en la música, muy luchadoras por hacer llegar a los demás su pasión por melodiarnos y persuadirnos con el arte que desprenden y nos transmiten al subirse a un escenario. A todos ellos se les ve muchas ganas de hacer grandes tocatas, de superarse y de seguir creciendo como músicos. También su manager Ramón y Ruanillo dos personas muy simpáticas y trabajadoras y por supuesto muy profesionales, así como el encargado de las proyecciones, el genial único y auténtico Víctor Recua, un gran profesional en su profesión y una de esas personas que por su carácter, buen humor, humildad, inteligencia, tolerancia, y un largo etcétera, escasean en este mundo.

Después de los conciertos se vendieron muchísimas copias tanto de los “Trigonometrallas” como de los “Sandinoches”. Gustó el espectáculo, quedando ganas de otras visitas de estos mañicos, mucha suerte para todos los que integran esta performance, ánimo y a seguir regalándonos momentos tan mágicos como los que tuvimos la oportunidad de vivir ese fin de semana del 27 y 28 de abril del presente 2006.

José Manuel A.C.

Concierto de PAL y Remate (Granada 10/06/2006)

2006-06-20T05:48:00.000Z

Músicas del limbo

El sello independiente Limbo Starr tiene una nómina de artistas tan reducida como selecta. Si Nacho Vegas y Maga disfrutan (y a Dios gracias) del mecenazgo del ‘indie’ estatal, el solista Remate y el grupo PAL están en ese punto sufrido de la marginalidad estilística: son refractarios y no anuncian buenas nuevas. Algo que, al parecer, no casa mucho con estos tiempos de apadrinamientos radiales y tendencias monocromas.

Tanto Remate como PAL venían a Granada directamente desde el estudio-vivienda que tiene en El Puerto de Santa María Paco Loco, que es probablemente el hombre con menos días de vacaciones de este país. La sintonía entre ambos, pese a lo diferente de sus músicas, hace que el primero complete su mini banda con instrumentistas de PAL y que éstos recurran al barbudo para “rematar” sus ‘Canciones hacia el fin de una especie’.

Remate es un cantante, guitarrista y pianista que, con un perfecto inglés, cuenta historias poco agradables en las que pasea la sordidez y los tabúes del junco de la vida. Y para hacerlo adopta las maneras propias del blues y del country: ha reconocido que de mayor quiere ser como Johnny Cash. También le debe ayudar su refinada formación por tierras galesas y norteamericanas, con magisterios como los de Elvis Costello o John Cale.

Se dejó en casa la guitarra acústica, omnipresente en sus, por momentos, almibaradas grabaciones, que siempre dan ‘profundidad de campo’ para otros efectos sensoriales. Con la eléctrica redujo el éter de sus discos a un sonido tosco y recrudecido, que embelesó con inquietas secuencias de acordes y que a uno le recordaba a ese dúo explosivo de Ohio llamado The Black Keys.

Por su parte, PAL no ayudan a arrancar una sonrisa, aunque tampoco lo pretenden. Su discurso gira conceptualmente en torno al masoquismo de la humanidad, lo que se ha convertido en el denominador común de una pléyade española en la que también están Manta Ray y El Columpio Asesino. Son nuestros roqueros más pretenciosos, pero también los que están presentando los artefactos más valientes e inteligentes.

En su directo lo que hay es mucho ruido, prolongados arpegios subyacentes y una batería de gran expresionismo. Y es que la escuela alemana de Can y Neu! sigue siendo una fuente inagotable de ideas y modernidad. Más allá de la canción ripiosa: Remate y PAL desde el limbo.

Eduardo Tébar

Andrés Calamaro en el Palacio de Congresos: alma de argentino y de cantor (Granada 14/06/2006)

2006-06-15T06:14:00.000Z

Andrés Calamaro estrenó en el Palacio de Congresos de Granada los tangos de ‘Tinta roja’, el disco con el que da su última pirueta artística. Los fieles (los que tuvieron dinero suficiente, se entiende) no perdieron la oportunidad de ovacionar al nombre más laureado de la mitología roquera hispana del último decenio.

No le faltó arropo en el kilómetro cero de este nuevo rumbo, en el que Calamaro canta ‘a pelo’ y al son de un quinteto de incalculables posibilidades. Y es que, superado el empacho de ‘El salmón’ (2000), el argentino camina con pasos cada vez más firmes por la canción popular latina, un terreno que le es congénito.

Poco a poco se ha ido reconciliando con la vida terrenal, y ahora experimenta los síntomas del elixir de la ilusión. Si es cuestión de renovarse o morir, aquí tenemos un ejemplo de lo primero llevado a la práctica con el corazón. Porque su apuesta consiste en emocionar, y no hay manifiestos sentimentales tan armoniosamente profundos y elaborados como los que retienen los legados de Carlos Gardel, Aníbal Troilo o Enrique Cadícamo.

La fórmula de los textos sublimes funciona con la tímbrica de Calamaro, que siempre suena a verdad arrabalera. Además, es de agradecer el esfuerzo del cantante cuando focaliza todo su ímpetu en el arrastre de sus cuerdas vocales. En ese sentido, Granada fue un examen para él. Aunque no deja de extrañar ver a ‘Andrelo’ sentado y sin tocar un instrumento durante todo un recital.

Pero tan enjundioso cancionero no sería igual sin el grupo de ‘all stars’ que graban y viajan con el ex Los Rodríguez. En especial por Niño Josele, que es la alfombra musical básica con su guitarra flamenca adaptada al Río de la Plata. José Reinoso, el uruguayo, imprime un pulso ‘jazzístico’ lleno de colorido y reverberaciones criollas. Alain Pérez se apodera de los crescendos con su bajo eléctrico, tal y como sella su presencia en ‘El cantante’ (2004). Y la armónica de Antonio Serrano culebrea melodiosa y virtuosamente como si de un Toots Thielemans de las Américas se tratase: puro frenesí.

Lo cierto es que las que agitan el gallinero son ‘Estadio Azteca’, ‘La libertad’ o ‘Las oportunidades’. Es decir, las más... “suyas”. Pero puede que Calamaro pase a la historia (otra vez) por este ejercicio austero, grande, natural y universal. Porque su osadía deviene en taumaturgia bonaerense.

Eduardo Tébar

Concierto de French Toast (Granada 11/06/2006)

2006-06-12T19:59:00.000Z

Es una banda de Estados Unidos cuyo paso por Granada anoche no olvidarán fácilmente. Cuando sólo habían tocado un par de canciones, se fue la luz en la sala Sugarpop y, continuamente y sin dejar de tocar, improvisaron una sesión de batería y percusión hasta que la electricidad volviera.

La gente no paró de bailar y animarles durante la media hora aproximada que estuvieron aporreando. Aquello pasó de ser un concierto de rock a convertirse en una especie de ritual africano. Finalmente, la luz no vino y el concierto (en el que sólo llegaron a tocar un par de canciones) fue suspendido.

Lo más admirable es que no se descolocaron en ningún momento. Intentaron divertir al personal a oscuras como podían. Aunque accidentadamente, salieron del recinto como toreros.

French Toast son de Washington y han compartido cartel con gente como Red Hot Chili Peppers o Queens of the Stone Age. Ya me gustaría verlos en un tinglado así.

Por cierto, por lo poco que lucieron su repertorio, me encantaron.

Eduardo Tébar

Karhe triunfaron presentando su nuevo disco "Tuyo" (Zaragoza 19/05/2006)

2006-05-25T08:22:00.000Z

Magistral, profesional, arrebatador, apasionante, sorprendente, emocionante, obra de arte y muchos adjetivos más se pudieron escuchar en los pasillos a la salida cuando la gente comentaba lo que acabábamos de compartir en perfecta comunión de público y banda como un acto de amor conjunto en el Centro Cívico Delicias de Zaragoza. Con gente venida desde Málaga, Madrid, Valencia, Galicia, Barcelona, Albacete, Soria, Huesca y pueblos cercanos a Zaragoza, y cómo no, con los fans fieles de su tierra, Karhe presentaron en apoteósico directo su nuevo disco titulado "Tuyo".

De principio a fin fueron desgranando lo que es un gran éxito (antes de ponerse a la venta en Fnac se habían vendido en 10 días más de 500 copias a través del club de fans y en bares de la ciudad). Comenzaron con "Desanda el fin", "Fiebre" y "Eterna y fiel", una balada que adquiere nivel de himno para este grupo aplaudida a rabiar por su interpretación romántica y delicada. Siguieron "Por última vez" y "Vendando el corazón", el cual mucha gente se sabe ya por haberlo descargado en www.karhe.net y por su ritmo y letra pegadiza. "Incandescente" y "Vivir sin más" aportaron ritmo para dejar un temazo que todo el mundo adora a continuación: "Perla en mis manos". En esta bellísima balada, Carlos Valledor junto a José Luis al teclado, hacen una maravilla de canción suave, sensible, emotiva letra con tintes góticos que enamora a todo aquel que la escucha por primera vez por el perfecto binomio que forman la voz preciosa de su carismático vocalista y la melodía de fondo.

En el siguiente bloque, Alberto a la guitarra, Javi a la batería y José Luis, nos deleitaron con una intro larga a modo de improvisación elaborada para enlazar con el temazo titulado "Tuyo" que da nombre al disco, de corte metalero, siguiendo sin dejar pausa a la emoción con lo que es la pieza más aclamada hasta el delirio por su intensidad vocal y genial adaptación al castellano: "Wild is the wind" de David Bowie. En esta canción el grupo demostró una vez más la razón por la que son considerados como la banda cuyos directos crean adicción por su sonido, entrega y honestidad, aunando profesionalidad y calidad artística.

Si esto parecía algo extraordinario, la sorpresa de la noche vino a continuación proyectando de fondo el vídeo de "Voluntaria crucifixión" tocando en directo y cantando en perfecta sincronía por partida doble, clavando en metraje la canción entera. Ganador como "Mejor Videoclip del año en los VII Premios Aragoneses de la Música" es el primer single de este gran segundo disco de Karhe.

Después de esta original y arriesgada propuesta se escuchó un poema recitado de fondo por Javi, el batería del grupo, y abordaron los temas más directamente rockeros como son "Los restos del ayer", "P vs R" y "Evidencia o realidad", mostrando que bordan sus dos facetas, la del Rock y la de las baladas metaleras.

Cuando todo el mundo pensaba que aquello se acababa bajaron del escenario y en acústico al fondo de la sala sentados en dos sillas, Alberto a la guitarra y Carlos a la voz, tocaron por sorpresa "Lost in you" y "Bitter thorns", pertenecientes al primer disco en inglés. Supuso una original manera de hacer a todo el público volver hacia atrás para, sentados en el suelo, poder disfrutar de algo tan íntimo cantando suavecito.

Ante la gran ovación que recibieron no pudieron abandonar el escenario y de nuevo se subieron, y en Karaoke colectivo cantaron "Your pain" y "My hardest drug", para agotados y con una emoción patente en el rostro decir adiós a la audiencia que llenaba la sala con aplausos y gritos de ¡Karhe, Karhe!, seguros de haber presenciado el concierto del año en Zaragoza.

Susana Almarcha Mingote (SusanQ)

Concierto de Corcobado (Granada 21/05/2006)

2006-05-22T20:04:00.000Z

¡Chatarrero, cántame un bolero!

Nos contaba Corcobado que prefería promocionar su primera novela, ‘El amor no está en el tiempo’, tocando sus canciones en directo. Es un lujo que sólo un escritor roquero (o viceversa) puede permitirse. Éste, además, jalona desde hace dos décadas el lado más poético, oscuro, excesivo y ‘ruidista’ de la música española.

Esta vez no llenó la sala Planta Baja, como hizo hace tres años cuando ‘Fotografiando al corazón’ era el motivo de su visita. Aunque entre los presentes se respiraba la complacencia del que sabe que Corcobado se prodiga poco por las tablas, y eso hay que disfrutarlo. Más si la puesta en escena incluía la vieja guitarra tormenta con la que grabó sus discos más celebrados; los que publicó a través del sello Triquinoise en los albores de los noventa. Con todo, el protagonista sufrió el duelo constante contra los problemas técnicos.

Un concierto no sujeto a la exposición de nuevas composiciones permite ejercitar la restrospectiva libertaria. Así, comprobamos que el pasado del cantante con la banda de acompañamiento Los Chatarreros de Sangre y Cielo sigue pesando. Tanto que el grueso de la selección salió de ‘Arco iris de lágrimas’, trabajo que publicó en 1995. Y para aderezar la velada de estruendos y emociones, Javier Corcobado desplegó su colección de versiones con una serie que fue de la Velvet Underground al compás ternario. Del álbum del plátano en la portada recuperó ‘Venus in furs’ y ‘Femme fatale’. También se atrevió con un acercamiento camaleónico a ‘I wanna be your dog’, de los Stooges. Con los boleros, género al que dedicó dos volúmenes hace años, alcanzó los instantes de mayor comunión con los fieles. De vez en cuando buscaba dádivas en los ojos contemplativos.

Lo más jugoso fue el descubrimiento de una nueva pieza, ‘Susurro’, que formará parte su próximo lanzamiento (previsto para el otoño) y en la que ahonda en la desnudez, sencillez y retrato de la realidad que vienen caracterizándole. El incierto rumbo de la humanidad es el tema del Corcobado que rebasa la cuarentena. El escritor que es como una navaja oxidada entre algodones.

Eduardo Tébar

Pop Deluxe (Granada 04/05/2006)

2006-05-05T19:44:00.000Z

El de Xoel López es un caso peliagudo que ejemplifica lo terribles que pueden resultar las etiquetas: comercial para los alternativos y un ‘indie’ ascendido a primera para el público mayoritario. Sin embargo, el gallego con la risa más fácil del pop español camina firme entre dos tierras y sabe hacerse querer con canciones de alta escuela.

La anulación a última hora de su concierto en Granada el pasado mes de febrero fue un chasco que esta vez, en primavera, quedó redimido con una presentación tan festiva como sencilla. Los supervivientes del macropuente llenaron la sala Sugarpop para ver a Deluxe en las distancias cortas, en un tándem de guitarra acústica y piano que, además de ajustarse bien a la ortodoxia del último disco, ‘Los jóvenes mueren antes de tiempo’ (2005), se presta juguetón desvistiendo la electrónica de antaño o sorprendiendo con alguna versión reconocible.

Deluxe ha entrado en ese club privilegiado de artistas honestos a los que las ventas y las radiofórmulas les sonríen. Una piña que también forman sus amigos Iván Ferreiro, Quique González, Amaral o Pereza. Pero el barbado con gafas y voz melosa se formó escuchando a los Who. Y al vademécum de rythm and blues y estribillos melódicos y pegadizos hay que sumar la solidez de abrazar la autoría en castellano.

Sentado, con atril, y rebajando a ‘low-fi’ el repertorio, Xoel ofreció una actuación de las que gustan a mayores y pequeños. Tomó refuerzo con la revisión de ‘There is a light that never goes out’ de los Smiths, a la que siguieron otras coplas de Creedence Clearwater Revival, Leonard Cohen y Antony and The Johnsons. Al final salió por la puerta grande cerrando con la proteica ‘Que no’, un clásico contemporáneo.

Eduardo Tébar

Karhe, el rock con mayúsculas (Alagón 16/03/2006)

2006-03-20T20:39:00.000Z

Dentro del concierto organizado por el programa Delirios Musicales de Radio Alagón, impulsado por Sara y Silvia Alayeto y patrocinado por el Ayuntamiento de Alagón, se vivió el I Encuentro de Pop y Rock que fue un éxito artístico por el gran nivel del mismo.

El concierto de KARHE sorprendió a todos aquellos que no les conocían por su increíble fuerza rockera, el sonido potente y limpio, la voz atronadora y suave y delicada cuando lo era preciso, y ante todo la profesionalidad de estos maños que están llamados a convertirse en la revelación del 2006. Con un segundo disco en castellano próximo a salir ya a la venta en toda España fueron desgranando una a una las bellas composiciones que formarán ese gran trabajo.

La virtud de su música radica en la calidad de sus letras ricas en metáforas, poesía elaborada y mensaje directo, músicos que unidos forman un todo compacto que suena armónico y potente. La voz no deja a nadie indiferente ya que tanto borda el estilo rockero y duro como los temas deliciosamente dulces haciendo que toquen rápido la sensibilidad de aquel que las escucha. Melodías personales y originales que se empastan perfectamente con la letra.

Abrieron con brío con: "Desanda el fin", "Por última vez" y "Fiebre". Aquí ya el público estaba entregado totalmente y disfrutando de la voz poderosa y aguda de Carlos Valledor.

Haciendo un repaso a su primer y excelente disco "Sad Words" que ganó el premio Muévete de Heraldo de Aragón y mejor Autoproducido de la Fnac, tocaron algunas de las mejores piezas de éste: "Sad words", "Your pain" y "Bitter thorns" en Karaoke colectivo puesto que es muy conocida por la gente que se desplazó desde Zaragoza ciudad.

Prosiguieron con temas del nuevo CD: "Vendando el corazón", muy rápida y que se queda fácilmente en la memoria más en estilo pop; y "Perla en mis manos", una balada de tintes góticos a piano y voz especialmente aplaudida por su intensidad y emotividad, demostrando que los rockeros también se ponen tiernos y pueden lucir una voz suave como el terciopelo. Más marcha con "Evidencia o realidad" y "Voluntaria crucifixión", que por ser primer single ya posee videoclip que se puede descargar en sección Multimedia de www.karhe.net.

En el apartado de versiones sonó "Wild is the wind" de David Bowie, dejando impactados a todo el mundo por el dramatismo y chorro de voz, haciendo alarde Carlos de lo que todo artista lleva dentro, arte en estado puro que emociona y conmociona.

Debido a la larga extensión del evento, a pesar de las peticiones de bis varias veces, terminó una noche llena de buena música, diversión y con la sensación de que Zaragoza goza de buena salud musical todavía y nos quedan muchas sorpresas por descubrir en el futuro. Gracias a iniciativas como ésta la gente que sabe apreciar estos eventos (desgraciadamente no mayoritariamente) disfruta de conciertos muy interesantes al margen de radiofórmulas y marketing vacío.

Karhe vuelven a tocar el día 1 de abril en la Casa del Loco de Zaragoza y van a darlo todo una vez más a un público que les espera fiel como cuando publicaron su primer y exitoso disco en Aragón.

Susana Almarcha Mingote (SusanQ)

Atafe Vega Rock - Parte 2 - (Atarfe 11/03/2006)

2006-03-18T21:10:00.000Z

Sábado día 11 de Marzo

To/Die/For. Excelentes. Poco público para verlos por lo apretado del calendario y por ser la 13.00 PM. Basaron su set list en el “IV”, dejando algún que otro guiño al “Jaded” e incluso a su primer Lp de homónimo nombre. Su Doom Metal sinfónico (samplearon todos los teclados) es envidiable.

Turno de Moonsorrow. Black-Viking Metal. Bañados en sangre o pintura roja desde las botas hasta las pestañas se dedicaron a repartir tralla y dureza durante la hora que tuvieron para hacerlo. Estos grupos necesitan un local más pequeño y sobre todo, que no sea de día.

Elevó un pie Gary Hughes (TEN) en el escenario y fue todo calidad. El americano, un tanto desmejorado de imagen desde su "Far beyond the world", se deshizo en elogios hacia el público e interpretó lo que mejor sabe hacer, Hard rock melódico con buena dosis guitarrera. No se le ha olvidado cantar y lo sigue haciendo de maravilla. Todo un triunfo por parte de los organizadores del Festival traer a TEN. Apenas en cinco ocasiones durante veinte años han pisado la piel del toro. Ésta ha sido una de ellas.

Masterplan es la banda de Roland Grapow (Ex-Helloween). Sonaron fatal. Estridentes y distorsionados. Las bases de doble bombo se solapaban y creaban un aura de barullo impresionante. Una pena.

Nuclear Assault abasteció a sus fieles con temas trashers y moshers tipo “Hang the Pope” o “My America”. Los americanos de la Bay Area de San Francisco saben interpretar su papel con dignidad. Se agradece la puesta en escena. Atrás quedaron trabajos como el "Game Over" del ochenta y seis que nos hacen ver que llevan veinte años en la brecha del Trash, sabiendo aguantar modas y rapeos numetaleros.

Gamma Ray lucieron con claridad entre tanto humo. Kai Hansen cantó como pocas veces. Desplegaron todo su arsenal speediano basado en obras de arte de sus trabajos "Heading for tomorrow", "Majestic", "Land of The Free", "Somewhere in out space", etc… Parece que Kai ha encontrado la manera de sentirse cómodo cantando y tocando la guitarra, otrora en tiempos de Walls of Jericó y Judas de aquellos Helloween de 1986. El publicó abarrotó la nave plagado de sombreros de copa para ver a su ídolo Kai. Hoy día Gamma Ray son un grupo grande, se lo han ganado en esto del Heavy Metal. Tanto concierto, tanta buena canción y tanto carisma los han colocado en la cima del rock duro europeo. Sonido perfecto y un set list envidiable.

In Extremo practican ese tipo de metal industrial que hace que te vuelvas loco o lo odies por completo. Lo que si está claro es que en tablas son tres cañones disparando bombazos de tralla industrial.

Y llegó el final, con el heavy cristiano de los hermanos Sweet. Stryper. Banda ochentena de melódico hard rock orientado a aquellos que en su momento no se identificaban con la corriente satánica que se había instaurado con grupos como Venom o Slayer. Stryper rompieron moldes, y, como en su actuación del Lorca del verano pasado, fueron de largo lo mejor del sabado noche. Michael Sweet canta como hace veinte años. Más viejos y sin permanente, sí que supieron lucir sus colores de avispa. El show ante todo, y el espectáculo más que nada.

En definitiva, un festival Heavy con tradición en Andalucía y en España, que, en mi modesta opinión, se lo están cargando llevándolo a sitios tan extravagantes como naves para autobuses donde el sonido es pésimo. Desluce a los grupos y desluce a la música en general.

Jesús Cabezas (Noko)

Atafe Vega Rock - Parte 1 - (Atarfe 10/03/2006)

2006-03-17T19:20:00.000Z

Predecir el desenlace final de un festival rock con tantas bandas en cartel es siempre un misterio de muy dudosa solución. Para no faltar a la cita de los desenganches finales fallaron, y de qué manera, Behemoth y Crematory. Sin explicaciones y sin reparos no se presentaron en el festival y tan contentos. En su lugar, y ante la premura de tiempo actuaron bandas que previamente ya tocaron la jornada anterior a las mencionadas, para, al menos, mantener los horarios y los compromisos con el público. Por tanto, Vicious Rumors e Impaled Nazarene repitieron show en el segundo día del festival dada la excelente acogida que tuvieron en sus primeras actuaciones. Y dicho esto, entramos en materia.

Viernes día 10 de Marzo

Brainstorm son una banda alemana que practica un Power-Heavy metal muy compacto y con cinco discos de estudio a sus espaldas. El problema de estas bandas es que el referente de los festivales para el público siempre son los cabezas de cartel. Hechos que hacen aislar y eclipsar sus propios shows. No obstante los alemanes hicieron su particular show con temas de su último trabajo “Liquid Monster” y alguno que otro de su afamado “Ambiguity”.

Tras esto, la primera sorpresa negativa del festival, saltan Virgin Steele al escenario y nos comentan que su batería se ha tenido que quedar en New York. Tan listos, y se marcan un acústico de una hora, que a entender del que escribe, fue soporífero. Me explico: una banda de power metal épico que no prepara un acústico, es decir, no transforma las canciones para un show acústico, cuando llevan tres temas suenan repetitivos y monótonos hasta la saciedad. Como fiesta e improvisación está bien, pero como concierto completo resulta infumable.

Impaled Nazarene. Black Metal acelerado. Carente de toda lógica los finlandeses descargaron un repertorio de temas a cual más parecido en los que primaba la velocidad y el berrido, que, por otra parte, es lo que más pega con esos ritmos, y lo afilado de los riffs.

Fue el turno de Vicious Rumors y su heavy metal americano. Desgranaron temas de todos sus discos, lástima que el sonido no acompañara (de hecho la Nave no acompañaba nada a la acústica).

Hypocrisy fueron de lo mejor del festival, sonaron muy compactos, muy death y muy brutales. Parece mentira escuchar la voz de Peter Tägtgren a sus casi treinta y seis años y cómo es capaz de modularla dentro del sonido gutural. Su voz fue lo más incisivo que tuvo la banda. La puesta en escena fue perfecta, no en vano tienen muchas tablas; en realidad ahora que lo pienso, ya estuvieron en el Festival Piorno en 2003 (antiguo Festival Atarfe). El Death Metal no es mi estilo, pero debo reconocer que Hypocrisy rayaron a tal altura que el más popero de los heavies alucinó con la versatilidad de su concierto.

A medianoche Blackie Lawless hace presencia en las tablas para ofrecer el mejor show del primer día. Aquel grupo no era W.A.S.P., era Blackie Lawless y tres tipos que pasaban por allí. Este tío es capaz de animar un cementerio. Uno a uno fueron cayendo grandes himnos del Heavy Metal, coreados de estrofa a estribillo. “On your knees”, “I fuck like a beast”, “Love machine”, “I wanna be somebody”, “Wild child” (tremendo Blackie gritando y simulando el cuervo), en definitiva, reventó la Nave y se llevó el corazón y los oídos de miles de rockeros.

Cerraron Testament con su show basado en el repertorio ochentero plagado de trash metal. Testament es de esas bandas americanas que caen bien, aunque su música no desborde precisamente calidad. Pero los tíos dan la talla después de veinticinco años como si fuera el primer día.

Jesús Cabezas (Noko)

Concierto de Eric Burdon (Granada 11/03/2006)

2006-03-15T20:20:00.000Z

Siempre animal

Algo extraordinario tiene que acontecer para que una sala como la Industrial Copera se llene de cuarentones y cincuentones un sábado por la noche. Cámaras de fotos digitales por doquier y algún vinilo de los Animals bajo el brazo se descubrían entre los enseres de los carrozas que bailaron durante dos horas como seguramente no lo hacían en muchos años.

Lo que le corre a Eric Burdon por las venas es sangre negra, no es ningún secreto. Es la voz de ‘La casa del sol naciente’. Ha hecho suyas canciones de Ray Charles o de John Lee Hooker. El rythm n’ blues, el soul y el funk han sido los terrenos por los que más cómodamente ha pisado desde hace más de cuarenta años. Sin embargo, esta enésima banda de acompañamiento del cantante sexagenario es un combo de lo que se dice ‘rock, rock’.

El de Newcastle abrió con uno de los temas más memorables de su repertorio: ‘Don’t let me be misunderstood’. Una canción anteriormente popularizada por Nina Simone, con la que Burdon tuvo alguna trifulca antaño. Su garganta fue como los viejos coches, que funcionan mejor una vez rodados después del arranque. Y aunque la amplísima camiseta ocultaba sus muchas arrobas, el ‘front-man’ hizo un generoso despliegue de fuerza sobre el escenario.

La maquinaria estuvo compuesta por el bajo polivalente de Paula O’Rourke, el gesto psicodélico de los teclados de Red Young y la guitarra virtuosa de Eric McFadden, que sonaba prima hermana de Jerry García, en un evidente acercamiento al rock de la Costa Oeste que tan bien perpetuaron Grateful Dead. Así, el grupo consiguió darle un hervor al descafeinado ‘Soul of man’ (2006), endurecimiento favorecido por la ausencia de metales. Acordarse de Deep Purple no era una locura, como tampoco de los abrasivos War, con los que Eric Burdon vivió un lustro de reivindicable fertilidad en los setenta.

No faltaron piezas elementales de los Animals como ‘Baby, let me take you home’, ‘We’ve gotta get out of this place’, ‘I’m cryin’ o la mentada ‘The house of the rising sun’. La gente se lo pasó en grande con el abuelo Burdon y Granada ya toma nota del que fue uno de los conciertos más palpitantes de este año.

Eduardo Tébar

Concierto de Adler's Appetite (Murcia 17/02/2006)

2006-02-28T18:55:00.000Z

Parece mentira que uno se haya acostumbrado a ver a Steven Adler tan a menudo de gira por España (3 veces en un año) cuando hace tan solo unos pocos años todos temíamos que alguien nos diera la fatal noticia. Y bueno, no había pasado ni un mes, y nos dirigíamos una vez más a ver a nuestro querido “Pocorn” Adler para asegurarnos de que sigue vivo. Eso si, la cosa esta vez iba a cambiar bastante.

Las informaciones que tenía decían que la banda había cambiado, y que los nuevos músicos eran italianos de una banda tributo a Guns N' Roses, pero nos encontramos con una banda formada por músicos españoles de tercera división destrozando el repertorio "Gunner".

Y eso que la noche empezó bien. Estuvimos cenando en el mismo restaurante que Adler y sus músicos, justo al lado suyo. Se le veía tranquilo y relajado, dando buena cuenta de unas cervezas y comiendo algo. Uno se creía importante cenando al lado de un tipo que grabó las baterías del mejor disco de la historia. Nos hicimos las pertinentes fotos y nos dirigimos a la sala donde compartimos un porro con el mismísimo Steven (aunque después de lo visto estos días, uno casi tiene remordimientos por haberle dado hierba para fumar)

La sala era la misma en la que actuaron el año pasado pero con la mitad de gente. Dos grupos teloneros empezaron la noche, una banda local con una chica muy mona, y otro en una onda heavy que mejor olvidamos.

Lo que ocurrió a continuación fue algo surrealista, digno de ver. Un frontman que parecía haber salido de Matrix (el tipo llevaba una gabardina de cuero que le llegaba a los tobillos) y una banda que apenas si pudo sacar adelante los temas, con un Adler mucho más serio de lo habitual, supongo que viendo el desastre en primera línea… y la verdad, no me quiero extender porque no estaría bien, al fin al cabo el rock es así, las estrellas decadentes también tienen su glamour. La verdad es que yo intenté disfrutar el concierto, pero era imposible. Hasta hice algo que nunca había hecho en un concierto: le lancé una cerveza al cantante que impactó en su cutre gabardina y el tipo me recriminó diciéndome algo que ni recuerdo.

Días después Adler acabó en un hospital de Gijón bajo los efectos de las drogas y suspendiendo el concierto, con el consiguiente enfado de los fans españoles, no se como terminará el culebrón… pero ahora es el turno de Axl Rose y de "Chinese Democracy".

Chris Peterson 2000

Van ‘el hombre’: a su gusto (Granada 11/02/2006)

2006-02-16T19:16:00.000Z

Van Morrison es un irlandés paticorto, embarnecido, que esconde su alopecia debajo de un sombrero sureño. Viste elegante con traje a medida y luce rejuvenecido por unas gafas de emporio bastante ‘cool’.

A sus sesenta años conserva la misma voz torrencial e inmarcesible que en 1964 le llevó a cautivar a oyentes de ambos lados del Atlántico siendo cantante de rythm n’ blues en Them. Los rugidos del ‘león de Belfast’ poseen tintes negroides y parecen provistos de un calzador mágico que les permite acomodarse en toda categoría de música enraizada.

El público granadino, que en su mayoría peinaba ya algunas canas, acudía para escucharle y poder llevarse así un fetiche sonoro en la memoria. Y es que todos estaban “amenazados” de las terquezas de Van: nada de fotos, se desconcentraría y concluiría de inmediato el espectáculo (avisaban unos carteles en las puertas del Palacio de Congresos). Tampoco se podían esperar monólogos humorísticos entre canciones ni servidumbres de ningún tipo.

Sin embargo, algo le debe gustar Granada al músico testarudo, que fue candorosamente recibido cuando se presentó micrófono y armónica en mano desde un lateral, mientras su pequeña ‘big band’ reconvertía el auditorio en un café-bar humeante de tiempos de Louis Prima. En su tercera visita al mismo escenario en lo que llevamos de siglo, sonrió, dejó caer alguna de las que todos se saben (‘Here comes the night’ y ‘Brown eyed girl’ fueron recibidas como limosnas) y brindó un bis.

No está mal, tratándose de alguien que camufla un cronómetro en las bambalinas para marcharse cuando éste alcanza exactamente los noventa minutos que el contrato incoa. Van Morrison, para bien y para mal, es así; agarra el saxofón y coloca la sordina. Nada de esa guitarra acústica que eternizaba los momentos oníricos de ‘Astral weeks’ (1968) o ‘Moondance’ (1970).

El 6 de marzo estará en las tiendas su tesina sobre el country, ‘Pay the devil’, y no es mera casualidad que el día siguiente tenga previsto tocar en Nashville. Las composiciones añejas y elegantes de sus últimos trabajos gozan de prioridad: repetitivos ejercicios de estilo que, para qué engañarnos, le sientan mejor que a nadie.

Eduardo Tébar

Nacho Vegas, cerca del cielo (Granada 26/01/2006)

2006-02-02T15:30:00.000Z

El gijonés Nacho Vegas tiene ese ‘algo’ capaz de atrapar hasta al camarero que sirve cervezas diligente. Sobre el escenario es quieto, rígido, tupido por su melena y su guitarra. Musita, “si pudiera elegir sólo un deseo, pediría vivir siempre cerca del cielo”, y captura miradas y corazones que acuden como peregrinos a una liturgia.

Alguna camiseta de Bunbury entre los asistentes al Sugarpop demostraba que la intervención del asturiano en el espectáculo circense ‘Freak Show’ está teniendo secuelas en el público mayoritario. También el currículo discográfico, con trabajos de consolidación retardada como ‘Actos inexplicables’ o ‘Cajas de música difíciles de parar’. Quizá porque Nacho Vegas empieza a caminar por latitudes superiores, resultaba insuficiente el recinto: como sardinas en lata estuvimos. Fuera, varias decenas de personas se quedaron sin entrada. A favor, eso sí, la cercanía al músico y la pulcritud del sonido. Se recuperaba cierta esencia roquera, esa de garito con estampa de banda embebiendo al gentío.

La grandeza del que durante muchos años fue guitarrista de Manta Ray -aparentemente embarnecido- está en su capacidad para dotar de vida propia lo que interpreta. Las canciones suenan revitalizadas, poderosas en su comunicación urgente. Es evidente el ensamblaje que La Esferas Invisibles, grupo de acompañamiento, ha logrado. Unos Bad Seeds que cubren de voltaje y matices la literatura del jefe. A veces, como en “Perdimos el control”, en trepidante ‘road movie’ a lo Barry Gifford. Lo que empezó con salmodias lentificadas acabó envuelto en apocalípticos chirridos. Pura impronta ‘dylaniana’.

Entre temas, Nacho Vegas se interesaba por la expulsión de la noche en ‘Gran Hermano’. También improvisó un “mi rostro hoy no apareció en ‘Dónde estás corazón’”. Dosis de humor, tal vez frivolidad, o afán por mostrar en panorámica las cotas del abismo. Se desenvuelve a gusto entre lo vulgar y lo elevado, fluctuando el tono de su discurso, alternando la guitarra acústica con los baños de electricidad.

Tres discos largos y cinco Ep’s (también extensos, si atendemos a la duración) conforman una obra demasiado dilatada para un concierto. Y más si reparamos en que este artista no tiene grandes éxitos. Cada uno de sus compactos es homogéneo en cuanto a calidad. Al final, optó por la cosecha del último año y el rescate de piezas más antiguas.

Alguien del público gritó “¡eres el juglar del siglo XXI!”. Vegas contuvo una sonrisa aviesa. En efecto, este cantautor apila una de las más sobresalientes colección de canciones escritas en castellano en la presente centuria.

Eduardo Tébar

The Wall Performance cierra su gira 2005 con un concierto apoteósico (Barcelona 29/12/2005)

2005-12-31T12:14:00.000Z

Barcelona – Jueves 29 de Diciembre de 2005 – Sala LUZ DE GAS

Una sala “Luz de Gas” llena hasta la bandera esperaba frente a un imponente muro el comienzo del show. Después de una accidentada gira por Madrid, Sevilla y San Sebastián; el público de Barcelona supo estar a la altura de las circunstancias y no desperdició la ocasión de acercarse a comprobar en qué consistía ese homenaje a Pink Floyd llamado “The Wall Performance” que ya llevaba varias semanas anunciándose en Internet, emisoras de radio y marquesinas de la Ciudad Condal. El que escribe podría apostarse cualquier cosa sin miedo a perderla, a que ninguno de los allí presentes salió decepcionado de lo que pudo ver esa noche. Prueba de ello fue la cola que se formó en la mesa de “merchandising” una vez concluido el concierto.

A las 21:15h, Raisa, la presentadora virtual del evento, anunciaba que el concierto daría comienzo en escasos 4 minutos. Así fue. Con un sonido de sirena entraban en escena una madre portando a su hijo en brazos y un soldado vestido de uniforme, recordando el inicio de la película “The Wall” homenajeada esa noche. Acto seguido, con los primeros acordes de “In the flesh?”, Gonzalo Valdivia derribaba los ladrillos del gigantesco muro que presidía el escenario para presentarse ante el público catalán que lo recibió con una gran ovación. Imágenes de los ataques terroristas contra las Torres Gemelas de Nueva York, fragmentos del anteriormente nombrado film de Alan Parker, imágenes reales de aviones militares bombardeando ciudades, dibujos de un niño realizados por el sobrino de Gonzalo, y una amalgama de efectos gráficos y digitales creados por Víctor Recua; iban pasando por las pantallas mientras la compañía de teatro Jeribeque daba vida a los diferentes personajes de la película. Como banda sonora de todo este espectáculo visual, Gonzalo Valdivia, Pablo Miquel, Esperanza Faci, Mister Gaudinni y Dream Eva, iban reproduciendo uno a uno todos los temas del álbum de Pink Floyd.

Es difícil redactar de una forma ordenada todo lo que iba pasando dentro y fuera del escenario en un espectáculo como éste. Harían falta tres o cuatro visualizaciones del mismo para no perderse ningún detalle. Cualquiera que centrara su atención en las pantallas podía perderse la representación teatral de los actores. Los que se centraran en los actores, seguramente se perderían lo que se estaba proyectando en las pantallas. Y si no se estaba pendiente de los músicos, en cualquier momento uno podía perderse los punteos y gesticulaciones de Gonzalo Valdivia. Si hubiera que poner alguna etiqueta al evento, yo no tendría ninguna duda en denominarlo “Espectáculo Global”.

Los momentos más brillantes de la noche (si es que puede aislarse algún momento concreto en un show tan completo) fueron la puesta en escena de algunos temas como el ya mencionado “In the flesh?”, el cual abría el concierto; “Another brick in the wall II”, con la pelea entre Gonzalo y un profesor violento armado con una regla; “Young lust”, con las insinuaciones y contoneos de una prostituta que recorría el escenario agitando sus plumas entre medio de los músicos; “One of my turns”, con un personaje atormentado que, desatando su rabia contenida, destrozaba todo cuanto encontraba al alcance de su mano, para más tarde acabar totalmente derrotado; “Confortably numb”, con un solo de guitarra final de esos que te hacen flotar y que desearías que no acabasen nunca; y un larguísimo etcétera. Sin apenas descanso, tanto el grupo de actores como los músicos, llevaron a cabo una impresionante puesta en escena de este original e inigualable espectáculo audiovisual, recibiendo los constantes aplausos de los espectadores.

Una vez finalizada la “performance” de “The Wall” que daba nombre al evento, la banda volvió al escenario para agradecer al público de Barcelona su fantástica acogida y para poner el broche de oro a la noche, tocando las que el propio Valdivia difinió como dos de las canciones más bonitas de Pink Floyd: “Dogs” y “Shine on your crazy diamond”. Si la interpretación de los temas de “The Wall” fue magnífica, la de estos dos últimos fue sencillamente magistral. Una lástima que la dirección de la sala no les permitiera acabar más tarde de las 23:30h porque de lo contrario hubiera habido mucho más.

A pesar de ser un tributo a Pink Floyd y de que los temas fueran compuestos por Roger Waters allá por 1979, Gonzalo Valdivia supo en todo momento hacerlos suyos imprimiendo su sello personal en cada nota que entonaba y en cada frase que cantaba. Lo más fácil hubiera sido aprenderse las partituras de memoria e intentar reproducir de la forma más parecida posible a los originales, todos los temas de “The Wall” de principio a fin. Si bien es cierto que la ejecución de todas y cada una de las canciones estuvo a la altura de las originales, Gonzalo supo transmitir sus propias emociones y su propia personalidad musical en cada una de ellas. Se mostró tan cómodo y tan suelto encima del escenario, que incluso parecía que las canciones hubieran sido escritas y compuestas por él mismo y que estuviéramos en un concierto de El Alquimista en lugar de en un homenaje a Pink Floyd. Esto sólo es capaz de conseguirlo alguien que realmente siente lo que hace y eso precisamente es Gonzalo Valdivia, una persona entregada en cuerpo y alma a la música.

Es una lástima que las actuaciones de “The Wall Performance” hayan sido programadas por las salas de conciertos en días laborables y que en determinadas ciudades ni siquiera se hayan promocionado. Lo que está claro es que después de su último concierto en Barcelona, Gonzalo Valdivia ya se ha ganado a la capital catalana y que en ella siempre encontrará un público que sabrá valorar el trabajo de este artista con mayúsculas, que canta, toca el piano y toca la guitarra, pero que con el instrumento que mejor música hace es con el corazón.

Larga vida a Gonzalo Valdivia.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

El show homenaje a Pink Floyd de Gonzalo Valdivia fue impactante (Donosti 16/12/2005)

2005-12-20T19:25:00.000Z

Donosti – Viernes 16 de Diciembre de 2005 - Sala ROCKSTAR

Cuando entré en la sala a las 22:00 h. de la noche, en el escenario se levantaba un gran muro de cajas de cartón que no dejaba ver lo que se estaba cocinando detrás. A las 22:30 h. las pantallas colocadas a los lados del muro mostraban una cantante virtual, Raisa, un curioso personaje realizado por ordenador que saludaba a los asistentes y prevenía que faltaban cinco minutos para el comienzo del show, un efecto muy curioso como primer entrante de la fiesta que estaba por llegar. Pasados los cinco minutos, los primeros acordes de “In the flesh” inundaron la sala con un sonido espectacular. Las guitarras sonaban como cañones hasta el punto de que se comentaba entre los asistentes que el espectáculo podía estar realizado en playback, pero no fue así. Las cajas de cartón cayeron y detrás aparecieron la banda de músicos liderados por un guitarrista y vocalista llamado Gonzalo Valdivia, hermano del guitarrista de Héroes del Silencio, que con una capacidad vocal e instrumental desbordante fue interpretando una a una, sin pausa, las canciones del mítico álbum "The Wall". Cada canción fue un cuadro audio-musical muy bien realizado.

El otro guitarrista, Pablo Mikel, lucía una bella guitarra Telecaster que sonaba limpia y cristalina junto con una base rítmica muy contundente compuesta por una bajista llamada Esperanza Faci y un baterista muy preciso apodado Mr. Gaudinni. Ellos se atrevieron a recrear la obra maestra de Roger Waters "The Wall" arropados por un acompañamiento visual sorprendente con traducción de las letras al español por las pantallas y animaciones visuales lanzadas desde el control por un video-jockey llamado Víctor Recua.

El abajo firmante pocas veces se ha sorprendido tanto en un concierto homenaje como me sorprendieron esta tropa de maños. Las dos horas y media del espectáculo pasaron en un abrir y cerrar de ojos. Cada canción estaba amenizada por efectos y actuaciones de los actores de una compañía teatral llamada "Jeribeque" que daban al espectáculo un entorno sorprendente. Así, Gonzalo, en “In the flesh”, mandaba a sus soldados al público a apresar espectadores; o en “Young loust”, una actriz vestida de prostituta se contorneaba por el escenario. En “Another brick in the wall”, un maestro de escuela subía al escenario a supervisar los mástiles de la guitarra durante los punteos, ¡y qué punteos!. De eso sabe Valdivia un rato.

Una vez acabado el concierto, el grupo interpretó magistralmente dos temas más de Pink Floyd, "Dogs" y "Shine on your crazy diamonds", y se despidieron de Donosti dejándonos un gran sabor de boca. Un espectáculo muy recomendable en estos tiempos de crisis de ideas. Un error perdérselo.

Eneka Azkoitia

Una ciudad que no mereció que el muro cayera: The Wall Performance en Sevilla (Sevilla 24/11/2005)

2005-11-26T22:34:00.000Z

Sevilla – Jueves 24 de Noviembre de 2005 - Sala SALVATION

Eran las 22:20. La puerta cerrada de la sala dejaba intuir lo que se estaba cociendo dentro, el muro se forjaba. Últimos retoques, pruebas de sonido finales, gente hablando... y se abre la puerta.

El muro presidiendo la sala oculta el instrumental en el escenario, pantallas con imágenes espectaculares, montaje de luces, sonido... el muro caerá.

Sale la actriz virtual indicando que el concierto está apunto de empezar en apenas tres minutos, aliñada con un chip trigonométrico como banda sonora. Van saliendo a escena los primeros actores y acto seguido los músicos toman posesión del escenario, el muro acaba de caer, Gonzalo Valdivia lo acaba de derribar a golpes de Gibson Les Paul, una Gibson que ya hemos visto años atrás en los mejores escenarios del mundo, en la mejor banda de rock español.

Comienza el show, el público expectante aún no sitúa cual es la línea que va llevar el espectáculo, pero es esa misma duda la que te hace estar en tensión musical cada vez que sale un actor y los músicos entonan la nueva melodía.

Con una puesta en escena musical extraordinaria, Gonzalo Valdivia (que no vamos a descubrir ahora musicalmente cómo es) se juntó con unos músicos a la altura de las circunstancias: Un batería bastante potente que hasta se atrevió a cantar algunas frases en el concierto y una bajista (¡y con qué cara!) bastante bien situada, todo un tándem bombo-bajo formando la base perfecta para el concierto. También estuvo contando con la colaboración de una corista (¡y con qué miradas!) que mostró una buena complicidad con la voz de Gonzalo. Dejamos el último, que no peor, a Pablo Miquel, un hombre que no soltó su telecaster en todo el concierto y que dio muestras de que en Zaragoza, para ser buen guitarrista, no hay que tener el apellido Valdivia. Prueba de ello fue que tanto Gonzalo Valdivia como Pablo Miquel, en más de dos horas y media de show, no dieron una nota en falso en todo el concierto. Se notó que el grupo esto realmente lo sentía.

Tras el fin del concierto el grupo subió por las escaleras hacia camerinos, pero el público asistente pidió más y no tuvieron más remedio que rendirse a él y deleitarnos con más canciones fuera de la línea del muro, como “Dogs” del disco “Animals” y “Wish you were here” del álbum con el mismo nombre.

En definitiva, y lo más doloroso para el abajo firmante, el grupo respondió con un espectáculo, una puesta en escena, una espectacularidad sonora... y sin embargo Sevilla no supo estar a la altura como ya pasara con grupos de renombre como Héroes del Silencio en su gira Avalancha.

Javier Mellado

Rock Show Live, The Wall Performance (Madrid 22/11/2005)

2005-11-23T19:18:00.000Z

Madrid – Martes 22 de Noviembre de 2005 - Sala ARENA

Hacia las 22:00 comenzamos a derribar el muro, no había mucho público y era un ambiente frío, pero más vale solos que mal acompañados, estábamos los justos para disfrutar de los primeros punteos de la noche. Con una cara robótica en 3-D comenzaban las proyecciones y la cuenta atrás... 5... 4... 3... 2... 1 y con la intro “Chip” de Trigonometralla comenzaba la actuación, dos soldados andaban entre los presentes, mientras una mujer se movía ondulante delante del muro, las luces se apagaron y el muro cayó. Gox comenzaba con su virtuosismo sobre la guitarra, mientras la banda seguía adelante con las primeras notas de las canciones de Pink Floyd. En ambos lados del escenario, las pantallas nos mostraban en tiempo real las letras de las canciones traducidas al castellano y las imágenes tridimensionales junto con otras imágenes de la película de Alan Parker nos transportaban hacia mundos de locura, fantasía y extraños fenómenos.

Los actores que hacían mas real aun la situación se mezclaban con el público, un profesor golpeando a un bebé mientras era manejado como una marioneta, un hombre semidesnudo absorbido por la locura y por la rutina golpeaba cajas, sillas... una muchacha vestida con un traje provocativo simbolizando la lujuria juvenil, un juez y una mujer obesa moviéndose por la sala hacían del espectáculo un mundo diferente e interactivo en el que Gox era el maestro de ceremonia y la guitarra su cetro con el que nos hipnotizaba a todos los presentes allí.

Cuando parecía que todo acababa y los actores colocaban ladrilos delante del escenario Gox dando salvajes patadas volvía a derribar el muro. Al acabar el espectáculo, Gox se disculpó por los fallos técnicos que sufrieron el día anterior y saludando con una mano y dándonos las gracias se despedía, pero el público pedía más y la banda volvió a salir para deleitarnos con dos versiones mas de Pink Floyd, pero ya fuera de la temática de "The Wall". Ahora si, finalizó el concierto. Se despedían hasta la próxima y dándonos las gracias de nuevo iban dejando el escenario.

Si tuviera que describir el concierto en tres palabras sería esto: “Pelos de punta”, genial, algo diferente y totalmente interesante, con una voz desgarradora como la de Gonzalo y como no, esos dedos que hacen que la guitarra suene fantástica.

Charly Hernández

El mejor Calamaro de todos los tiempos ‘regresa’ a Barcelona (Barcelona 17/11/2005)

2005-11-18T16:10:00.000Z

Pocos espacios vacíos quedaban en el Palau Sant Jordi cuando, a las 21:45 h., Andrés Calamaro salía a escena para tocar las primeras notas del tema de Rubén Blades “El cantante”. De pie, detrás de su teclado engalanado con una bufanda futbolera de Loquillo, y acompañado de la banda argentina “Bersuit”, Calamaro comenzaba su concierto con un bloque de canciones compuesto por algunos temas nunca antes tocados en directo, otros no muy habituales en sus pasadas giras y algunos clásicos del repertorio calamariano. “El cantante”, “El salmón”, “Te quiero igual”, “Clonazepán y circo”, “Tuyo siempre”, “Las oportunidades”, “Los aviones”, “Crímenes perfectos”, "Loco", "Vigilante medio argentino" y “La libertad”, se fueron sucediendo sin apenas descanso entre uno y otro, haciendo enloquecer a los más de 10.000 espectadores allí presentes.

La primera sorpresa de la noche fue la presencia del maestro Niño Josele tocando la guitarra española, en un segundo bloque donde, mano a mano con Andrés, interpretarían los tangos “Por una cabeza” de Carlos Gardel y “Sur”. El Niño Josele se despediría con “Estadio Azteca”, uno de los temas más aclamados de la noche, ya con toda la banda en el escenario.

A continuación sería Ariel Rot el que subiría al escenario para ponerle guitarra a “Me estás atrapando otra vez” y “Para no olvidar”, dos temas de Los Rodríguez, la banda que fundara junto a Andrés Calamaro allá por 1990. Posteriormente, ambos rindieron homenaje al desaparecido músico argentino Papo con su blues “Desconfío”. La presencia de Ariel Rot fue todo un regalo para los allí presentes.

El concierto finalizó con un último bloque (con dos amagos de final) en el que pudieron escucharse algunos de los temas ya clásicos de Andrés Calamaro como "Nos volveremos a ver", “Media Verónica”, “No se puede vivir del amor”, "Ok, perdón", “Alta suciedad”, “Flaca” y “Paloma”. Cuando parecía que el concierto ya había llegado a su fin, aún hubo tiempo de que volviera al escenario Ariel Rot para cerrar el show con los clásicos de Los Rodríguez “Mi enfermedad” y “Sin documentos”. Eran las 23:45h. cuando se encendieron las luces del Sant Jordi.

En todo momento se vio a un Andrés Calamaro fresco, musicalmente en forma, de buen humor, de buen aspecto, lúcido, sin encender un solo porro en toda la noche ni ponerse las gafas de sol, muy alejado de aquellas actuaciones de las giras “Alta suciedad” y “Honestidad brutal” donde nunca sabías qué te esperaba si asistías a uno de sus conciertos. Se le notó tremendamente emocionado y agradecido con la banda, con los invitados y con todo el “Staff” técnico. Hizo mención especial a su novia, agradeciéndole el haber hecho posible su regreso. También hubo espacio para las dedicatorias a los ausentes como los recientemente fallecidos Papo y Kike Turmix, y el nunca olvidado Julián Infante. Andrés agradeció también al público de Barcelona su gran acogida con algunas palabras en catalán, definiendo a la Ciudad Condal como "un templo donde escuchar buena música”, en la que siempre es un placer pasear por sus calles y de la cual le encanta su comida y en particular la calidad de su “peix” (pescado en catalán).

En resumidas cuentas fue un concierto plagado de emoción, positivismo y buena música puesta en escena de una forma inimaginable para alguien que llevaba seis años sin pisar un escenario. A pesar de que hubiera gente que pensara que tocar en el Sant Jordi; lugar donde ha tocado gente de la talla de Metallica, R.E.M., Bruce Springsteen o Queen; era una locura para un artista como Andrés Calamaro, allí no cabía ni un alma. Por algo será. Sin duda alguna todos los fieles seguidores de Andrés Calamaro esperamos continuidad en esta nueva etapa de su carrera musical. Larga vida a Andrés Calamaro.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Maga hechizó ‘sin enchufe’ (Granada 11/11/2005)

2005-11-14T19:17:00.000Z

Colocaron la alfombra Ana Lógica, demostrando con un sonido impecable porqué ganaron hace unos meses el concurso Espacio Libre. Sabor ‘sesentero’ y versión de Los Brincos incluida en un combo delicioso que sembraba el interrogante generalizado: “¿todavía no tienen un disco en la calle?” De momento hay que conformarse con paladear la relectura en granadino de los Brian Wilson, Ray Davies o The Kingsmen en una demo grabada este año con el título “Relatos del granjero”.

Maga, por su parte, habían avisado, se dejaban las máquinas en el local de ensayo para hacer esta gira con lo justo, aunque elevados a cuarteto con la incorporación de un teclista. Una batería de escobillas, músicos sentados en una silla durante todo el concierto y equipados con bajo y guitarra acústicos. Así de sencillos y, en principio, sosegados afrontaban los sevillanos su cancionero, suprimiendo capas de ornamento y ejerciendo sabiamente la síntesis de sí mismos.

Las melodías fueron atacadas con la carne más viva de las seis cuerdas y la voz –ahora sobresaliente- de Miguel Rivera. No era ningún secreto: es uno de los mejores cantantes de este país. Pero tal constatación anoche adquirió cotas deslumbrantes al liberarse del programado colchón sonoro, habitual en el grupo. Uno se plantea si éste es el mejor camino para la puesta en escena de Maga, cuyas composiciones responden perfectamente a la bifurcación, de un lado prolijas en el estudio, de otro simplificadas y punzantes en directo.

La disposición lineal e inmóvil del plantel en ningún momento generó decaimiento, y eso ya es una baza significativa. Una vez más, fueron los títulos, como “Diecinueve”, “Agosto esquimal” o “Blanco sobre blanco”, los que condujeron emocionalmente a la Industrial Copera. Ni siquiera hubo lugar para las recurrentes versiones o golpes de atención presentando cortes de su inminente tercer disco. Los andaluces de Limbo Starr quieren cerrar un ciclo y lo hacen presagiando grandes momentos para el futuro.

El público disfrutó con las vibraciones que desprenden los temas de la banda, todos dotados de algún verso, falsete o estribillo infalible. Las canciones de Maga poseen una poética escapista e imaginativa, y anoche, en plena retrospectiva, sonaron a medio camino entre el subterráneo sideral y el pop de los Golpes Bajos más evidentes. Buen recital por parte de una propuesta consolidada en el ‘indie’ estatal, urdida con personalidad y que comienza a dar destellos de reciclaje.

Eduardo Tébar

Concierto de The Mission (Zaragoza 22/10/2005)

2005-10-27T07:07:00.000Z

Lighting the candles tour (Sala Oasis - Zaragoza)

Con apenas 300 espectadores salieron The Mission con fuerza y ganas de contentar al personal con su imagen algo gótica y llena de nostalgia. Me decepcionó lo tarde que vino la gente perdiéndose a los teloneros y no llenándola en absoluto. Cualquier grupejo de medio pelo llena la Oasis en promoción. Un poco penoso.

La sala estaba poblada en parte de góticos vestidos para la ocasión al detalle y dando una pincelada de ambiente a lo que después se traduciría en música y atmósferas siniestras y épicas. Hubo fans venidos incluso desde Bilbao y Córdoba que ocupaban la primera fila junto a mí. Un técnico de escenario tuvo el detalle de hacerle llegar al chaval cordobés una púa que solicitó con ilusión. La gente que estaba encargada de todo lo que pasaba por allí, incluso del merchandising, muy agradables. Las camisetas a 24 eurillos y la vendedora parecía que la habían sacado de un videoclip toda de cuero y enseñando encantos. Un gancho para acabar con el chiringuito sin duda.

Con un doble DVD bajo el brazo, esta gira “Lighting the candles tour” pretende resucitar y dar a conocer nuevo material y clásico de la banda afterpunk británica. Wayne Hussey sigue siendo un tipo lleno de carisma y talento. Nos pidió algo de ayuda para hacer coros puesto que arrastraba un catarro fuerte desde hace días y pidió disculpas por su voz algo ronca pero no lo suficiente como para empañar una gran actuación. Uñas pintadas de un color indescifrable entre rosa y gris, pantalón negro, camiseta con un Bowie con letras chinas, camisa por fuera de estampado negro y morado asemejando una cebra, gafas de sol sempiternas y pelo teñido de rojizo.

En sus temas se vislumbran lo que fue en algunos grupos clara inspiración como en U2 y Héroes del Silencio. El sonido en todo momento brillante, potente, comunicación estrecha con el público y esfuerzos por hablar castellano y un inglés despacioso y claro. A ratos se aclaró la garganta con vino y dio de beber al público de las primeras filas. El guitarra con su Gibson aportó fuerza y contundencia al directo que sin duda dominan después de 20 años de tablas. Temas como: “Afterglow”, “Evangeline”, “Garden of delight”, “Severina” y “Butterfly on a wheel” fueron un Karaoke colectivo. “Deliverance” y “Wasteland” especialmente celebradas. “Tower of strength”… Muchos espectadores coreaban las canciones y la edad predominante era de 30 años en adelante. Un tema en acústico y luego un final de fiesta con Elusive, los teloneros, que supuso una guinda al pastel que habíamos saboreado en una actuación que supo a poco.

Me quedo con la calidad del directo, la incombustible fuerza y magnetismo que desprende todavía su vocalista, y su dominio de la escena sin apenas esfuerzo físico, no hace falta. Para los nostálgicos es un placer volver a escuchar temas que no pasan de moda, para los más jóvenes el mejor modo de educar oídos demasiado empachados de sonidos vacíos y estereotipados que actualmente nos machacan en los medios. Puede que el nuevo material sonoro no engrose los primeros puestos de las listas, no tiene quizá la misma calidad, pero será suficiente para que sigan siendo un grupo todavía en la carretera y que es un gustazo volver a ver y escuchar.

Los teloneros Elusive, con algunos instrumentos pregrabados, hicieron lo que pudieron aunque no aportan nada realmente nuevo sino un estilo típico de los 80 y hace falta verlos en un directo real y con más bagaje musical. Sin embargo el final de fiesta junto a The Mission estuvo realmente logrado.

Susana Almarcha Mingote (SusanQ)

Gonzalo Valdivia, homenaje a Pink Floyd (Zaragoza 24/06/2005)

2005-07-04T17:57:00.000Z

Con algo de retraso comenzó este experimento musical que supuso una grata sorpresa para el numeroso público que asistió entre ellos algunos escépticos que salieron encantados por la calidad del concierto. Es bien difícil salir airoso de algo tan comprometido y arriesgado como es hacer versiones cantando en inglés de temas clásicos e intocables de Pink Floyd. Gonzalo Valdivia ofreció una gran noche de música y efectos visuales, tocó la guitarra como un virtuoso, cantó bien y además como es guapo resulta agradable en un escenario. El sonido fue perfecto y el público gozó muchísimo; entre la gente estaba Pedro Andreu, la hermana de Valdivia pero no encontré a Juan Valdivia, no sé si estaría escondido.

El concierto como toda propuesta original y artística entretuvo y gustó mucho. Empezó con una presentadora virtual que anunciaba lo que iba a suceder en una pantalla gigantesca al fondo del escenario y en dos más pequeñas a ambos lados. La película "The Wall" ilustraba todo lo que el grupo tocaba y paralelamente se proyectaban mezcladas imágenes de la televisión actual y dibujos realizados por su sobrino. Tocaron de principio a fin esa magna obra que es The Wall. Especialmente ovacionadas fueron: "In the flesh", "We don´t need", "Young lust" y "Comfortably dumb". Bordó todo el repertorio incluyendo los detalles de slide y vocoder. El resto de la banda brillaron a la altura de Gonzalo: una bajista, batería y guitarra además de Gonzalo.

Por si fuera poco la apabullante proyección audivisual, en grupo teatral cuya compañía se llama Jeribeque escenificó algunos pasajes de la película al mismo tiempo que se veían perfectamente coordinados de fondo. Estuvo muy lograda esta intervención. Ellos se situaban en primer plano y detrás la banda.

A la hora de los bises brillaron: "Dogs" del disco "Animals" y "Shine on you crazy diamond" del "Wish you were here". En este último tema ya se salió , rozó la perfección con lo complejo y delicado que es este diamante de las baladas. Derrochó sensibilidad y virtuosismo tocando maravillosamente.

Se le notó contento y satisfecho ante tal proeza, agradeció al público lo mucho que habían apoyado su actuación y nos mostró a su hermana que bailaba enfervorizada en primera fila; sin embargo se enojó mucho porque la Sala no permitió a su sobrino la entrada por tener 9 años. Después de haberse currado todos dibujos que aparecieron en pantalla fue una pena pero las leyes que rigen este tipo de lugares son inflexibles y le dedicó la última canción de la noche. Aseguró que nunca más volvería a tocar en este recinto. Es una pena porque en cuanto a sonido es una sala teatro estupenda y aún recuerdo emocionada cuando presentaron los hermanos Valdivia el concierto del trabajo de Trigonometralla, fue espectacular.

No entiendo cómo su disco "Sandinoche" grabado con su banda El Alquimista sigue después de un año sin publicarse. Qué país este donde muchos talentos están en la sombra y en Zaragoza hay muchos.

SalU2 desde Zaragoza.

Susana Almarcha Mingote (SusanQ)

Concierto de Carlinhos Brown (Barcelona 29/05/2005)

2005-06-06T19:42:00.000Z

Carlinhos Brown en Barcelona. Hace un año fue por el gran Fòrum, ahora ha vuelto gracias a Movistar; quien quiera, que vea las semejanzas, yo soy incapaz de ver alguna diferencia.

No sé hasta qué punto el músico brasileño es consciente de lo que representa, si sabe para quien trabaja, o simplemente se mueve por instinto. Instinto, en todo caso ingenuo y simple, cuyo máximo objetivo es hacer lo único que sabe: tocar y disfrutar.

A partir del documental de Fernando Trueba “El milagro de Candeal” se debería respetar más su nombre. Creía que había cosas sagradas, como la música, pero no. Carlinhos Brown es aquel negro que viene a animar de vez en cuando y aumenta las ventas de camisetas amarillas con “brasil” escrito en verde.

Si alguien se molestara en escucharle oiríamos como habla de la situación de Brasil, como tiene ideas apolíticas que podrían cambiar el mundo y está comprometido con ellas. Pero la suya es una revolución menor, por encima de todo es músico, y la música es demasiado simple para que sea tomada como arma.

Es una lástima, pero su mensaje es demasiado sincero para que alguien le tome en serio cuando se quita el disfraz.

Marta Núñez

R.E.M. & Roll en el nuevo los Cármenes (Granada 25/05/2005)

2005-05-26T17:38:00.000Z

La expectación creada en torno al concierto de R.E.M. en Granada era inusitada por varios motivos: se trata de una banda totémica que lleva más de veinticinco años en esto de la música y -lo chocante- sin hacer concesiones comerciales, aterrizando en la ciudad de la Alhambra como única fecha andaluza y teniendo que bregar con una abrumante persecución mediática. Además suponía el primer concierto de rock en el Nuevo Estadio Los Cármenes, que antes sólo había albergado recitales endémicos de Alejandro Sanz y Operación Triunfo. El elevado precio de la entrada y la amplitud del recinto quizá hayan sido las causas de que algunos extremos del graderío lucieran deshabitados. Sin embargo, lo que anoche presenciaron los granadinos fue un espectáculo difícilmente repetible.

Tras el paso de una calurosa tarde, entre el previo discreto con los teloneros Fábula, irrumpieron en el diáfano escenario Peter Buck, Mike Mills -arropados por los ya veteranos músicos de apoyo Ken Stringfellow, miembro de The Posies y productor de la banda local Cecilia Ann, y Scott McCaughey, de The Minus Five- junto a la reciente incorporación del ex batería de Ministry, Bill Rieflin. En último lugar apareció Michael Stipe, enfundado en traje oscuro y corbata, con media cara pintada. La excentricidad tomaba posición.

R.E.M. no venían dispuestos a desplegar un discurso musical previsible, plagado de ‘singles’, y lo dejaron claro abriendo con “Leave”, canción del malogrado “New adventures in Hi-Fi”, que en nueve años de existencia jamás habían interpretado en directo. No se equivocaba Stipe cuando a su llegada a Granada afirmaba “tengo la sensación de que será un concierto potente”. Y es que las guitarras eléctricas de Buck soportaron el peso de una parranda sonora que jugó al despiste en todo momento: “So fast, so numb” de la obra mencionada, “Me in honey” (cierre del esencial “Out of time”, intacta desde hacía diez años) o el rescate de la olvidada perla del pasado “World leader pretend”. A nadie le importaba reconocer o no cada tema, porque todo sonaba a pieza importante, a himno potencial. Cualquier cosa cantada por Michael Stipe se convierte en una bella letanía.

El otro grueso del concierto fue el último trabajo de la banda de Athens. “Around the sun” es un disco realizado por la urgencia de desbancar a Bush de la presidencia de EEUU, lo que confirió seriedad cuando las cámaras apuntaron al texto de “I wanted to be wrong” o el sentimiento ‘folkie’ impregnaba “Final straw”.

Antes de llegar a los bises Stipe no dejó de declamar uno de sus temas favoritos: “Walk Unafraid” (cuyos versos iniciales fueron compuestos por el líder de U2, Bono). Y en el pertinente amago de clausura, la razón por la que muchos habían pagado el precio de la entrada: “Losing my religion”. Pocas veces la gente pide “otra” con tanto fervor, rara vez vuelven todos a casa con una sonrisa en el rostro.

Rock & Roll animal

Esta etiqueta que Lou Reed apostilló en forma de disco sirve para definir al ‘front-man’ Michael Stipe. El tímido universitario que en su día estudiaba Arte se torna en voraz estrella cuando pisa el escenario. Una teatralidad escénica curtida a lo largo de más de dos décadas de tablas, llegando a ‘merendarse’ al público con antojo mediante poses, miradas y bailes extravagantes. Así es Mike, un escuálido cuarentón de cráneo rasurado capaz de conducir emocionalmente todo un estadio de almas.

Eduardo Tébar

Una noche con Panero (Barcelona 09/03/2005)

2005-05-23T18:13:00.000Z

Entre semana, en plena época de exámenes, me vienen a decir que hay un concierto de presentación del libro disco de Panero… entrada de guay y por la cara.

El sitio era la Paloma, con un ambiente muy logrado, con carpas, alfombras por el suelo y mucho humo… de velas… El jambo que nos dio la bienvenida estaría hasta los huevos de llevar el turbante porque arrastraba una cara de mala leche impresionante. Si hubiera sido por mi me hubiera quedado en el suelo, encima de una alfombra a intentar levitar con el humo que salía del suelo… pero subimos al primer piso detrás de Chus (bendito sea) y acabamos compartiendo mesa ( y vela) con dos personajes… Un músico a la espera de suerte, y el ex-representante de Rebeca…

Pasaron un documental sobre un día con Panero, subtitulando a Panero…que hablaba castellano, pero a su manera… Cuando acabó me empecé a arrepentir de haber ido, el disco tampoco me había encantado, y me daba la sensación de que me iba a aburrir soberanamente…

La presentación del concierto acabó con algo así “olvídense de Bunbury, Ann, Galindo y Ponce, porque no han venido… hoy actuarán Enrique, Carlos, Bruno y Jose Mª…” y tenía razón. Abrió el concierto Bunbury con (para mí de las mejores canciones del disco) Peter Punk… siguieron canciones, poemas recitados por Ponce, música electrónica… Todavía se me cae la baba cuando veo a Carlos Ann cantando y a Bunbury haciéndole coros con un megáfono… No había ningún protagonista… todos se necesitaban unos a otros, aunque la más necesitada era la botella de JB… que tenía lugar vitalicio en la mesita del escenario. Ann era el más implicado, en casi todas las canciones estaba por detrás del cantante, metiendo efectos, extasiado, sudando… claro, con esa chaqueta (…)

El tiempo iba pasando, las canciones se hacían cortas, Panero subía demasiado al escenario… todavía no me explico como podía mantener en equilibrio un cartón de Marlboro, el cenicero y poder sujetarse el cigarro eterno mientras pasaba hojas del atril.

Y acabó. Con los ojos irritados del humo miré a Chus y mientras me secaba la baba nos preguntaba si nos había gustado… ¿sí? Pues bajamos, a ver si podemos entrar… nos despedimos de los dos personajes (más majos que pá qué) y volvimos a seguir a Chus… él sabría donde iba… y tanto si lo sabía…ale, delante de los camerinos nos dejó. Sale Ann con los ojos más rojos que yo y abraza a Chus… yo flipando. “Pero, ¿qué hacéis aquí? Subid, hombre…”. Chus nos mira (servidora y la gran hija de puta de mi lado, la que me consiguió la entrada, teníamos los ojos como platos)... “Oye Carlos, que ellas (nos señala) querían conocer a Bunbury”… yo pensando… ”oye, que conociendo a Carlos también estoy satisfecha”.

Bueno, el caso es que acabamos entre camerinos y gente yendo a todos lados, el señor Panero me aplastó con una pared delante del camerino de Bunbury… y ahí nos quedamos, parados como idiotas… mirando como Bunbury se hacía un porrito con la botella de JB entre las piernas, tenía su técnica. Chus hablando con todos de precios de amplificadores, Panero paseándose con el cenicero… pa flipar.

Chus (buenazo) salió y dijo que lo sentía… que no podíamos pasar… ya ves tú, estábamos al lado de la puerta abierta del camerino.

En fín, un placer.

Marta Núñez

Concierto heroico de Bunbury (Granada 13/05/2005)

2005-05-14T13:42:00.000Z

Enrique Bunbury repetía anoche en Granada tras su glorioso paso por el Palacio de Congresos el pasado mes de julio. En esta ocasión el espectáculo tenía lugar en un carpódromo auspiciado por Movistar, provisto a modo de discoteca desmontable y lejano a la iconografía circense y opulenta que tanto le gusta al zaragozano.

Con una escueta disposición visual y de efectos luminosos, sin ambages apabullantes como los acordes de Nino Rota, y el único anticipo de Reverend Horton Heat en la megafonía, todos los caminos llevaban al mismo sitio: “se trata de ubicar el show del rock n’ roll en un recinto personalizado”, apuntaba Bunbury el día anterior. Y así fue, Enrique y su banda de ocho músicos, El Huracán Ambulante, irrumpieron en el escenario con “El club de los imposibles” dejando claro que sólo allí estaba la exhibición.

“El viaje a ninguna parte” es el título de la novela y película de Fernando Fernán Gómez, pero también del último disco de Bunbury. Una reivindicación del artista de oficio relatada a través del periplo musical que va desde Argentina o Perú, pasando por el Caribe y que llega hasta Nueva Orleans. Así es el universo del cantante maño y así desarrolló su concierto, trasladándose a EEUU en “Que no sepa tu mano izquierda lo que hace la derecha”, al mediterráneo en la revisión de “Desmejorado” (tema que compuso para Raphael) y reponiendo fuerzas en la Plaza de Garibaldi mexicana con “Y al final”. No faltaron las invariables del cancionero, como “Alicia”, “Salomé” o “El extranjero”, que subsisten a las mutaciones sonoras del autor.

Sorpresa

La sombra de Héroes del Silencio tuvo una especial presencia cuando Bunbury preguntó a los asistentes “¿Dónde estaban ustedes hace doce años? Yo me encontraba con Pedro Andreu, Juan Valdivia y Joaquín Cardiel grabando en el estudio de Phil Manzanera”. Y ante el asombro de todos, apareció en el escenario el que fuera guitarrista de Roxy Music y productor de la banda española más internacional. Tocaron “Apuesta por el rock n’ roll”, versión de Más Birras que Héroes del Silencio grabaron en las sesiones de “El espíritu del vino”. Phil Manzanera defendió con una guitarra de ‘jazzero’ el solo que en su día registró Juan Valdivia. Después el abrazo entre ambos: la imagen de la velada.

Pero la huella heroica persistió con los ademanes pugilísticos de “Iberia sumergida” y, sobre todo, cuando en clave de piano bar Bunbury regaló un popurrí formado por “Deshacer el mundo” y “La chispa adecuada”.

Bunbury entregado

Cuatro fueron los bises realizados por Enrique Bunbury, ante más de 2.000 personas que pedían reiteradamente su incorporación al escenario. La entrega del músico fue plena, en un afán compartido con el público por la satisfacción al interpretar “El jinete”, ranchera de Jose Alfredo Jiménez convertida desde hace unos años en un himno rock del repertorio, “Infinito”, ahora revestida de mariachi, o dos de los cortes más excelsos del último trabajo: “El rescate” y el colofón con “Canto”.

Eduardo Tébar